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Javier Mariscal diseño made in Barcelona

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Cuando hablamos de Barcelona, indudablemente nos viene la imagen del particular estilo de Mariscal. El diseñador Javier Mariscal (Valencia, 1950) es reconocido por su actividad centrada en diversos ámbitos como el diseño gráfico, el interiorismo, la ilustración, la animación, el diseño web y multimedia o la pintura. “Mi especialidad es ser creativo, innovador, plasmar en imágenes lo que respira la sociedad, lo que creemos, lo que nos emociona”, comenta en su página web.

En 1989 fundó Estudio Mariscal, formado actualmente por alrededor de 30 profesionales especializados en diferentes disciplinas, convirtiéndose, además, en el primer estudio multidisciplinar creado en España.

Desde entonces,  Mariscal ha realizado junto con su equipo creativo numerosos trabajos para empresas como H&M, Memphis, Uno Design, Celda, Artemide, Hoteles Silken, entre otras. En 1992 diseñó la mascota oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona llamada Cobi, un perro inspirado en el estilo artístico cubista.

 

Javier Mariscal también se ha adentrado en el mundo audiovisual, estrenando en el 2010 el largometraje de animación ‘Chico y Rita’, que dirigió junto a Fernando Trueba. En el ámbito editorial, destaca su libro de historietas ‘Los Garriris’. Mariscal también ejerce como ilustrador en medios como ‘The New Yorker’, ‘El País Semanal’, ‘El Mundo’ o ‘Time out’.

ilustración Barcelona

Ilustración de Javier Mariscal

Su objetivo es expresarse a través de un lenguaje personal en el que la sencillez de la manifestación del mensaje oculta una intención compleja, arriesgada y diferente.  El propio Mariscal afirma que busca “tratar de hacer evolucionar los códigos, los signos, los mensajes gráficos” y, para ello, utiliza “cualquier sistema, lenguaje o disciplina”.

Los creativos trabajos de Javier Mariscal le han propiciado el Premio Nacional de Diseño en 1999, otorgado por el Ministerio de Industria y Energía, y en el 2011, el Premio Nacional de Cultura, otorgado por la Generalitat de Cataluña.

 

Historia de la imagen del Che Guevara

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A Ernesto «Che» Guevara no le habría gustado demasiado que su fotografía, tomada en un acto solemne, se haya convertido en una de las imágenes más reconocibles del mundo, con infinitas interpretaciones dentro de la cultura pop y originales vendidos por miles de dólares.

Ni siquiera la cruda visión del cubano-argentino sin vida, vejado y mostrado como un trofeo tras su caída en Bolivia, ha podido ganar en difusión y carga emotiva al poderoso primer plano con la boina militar de la estrella y mirada perdida, titulada «Guerrillero Heroico» por su autor, el fotógrafo cubano Korda.

Procedente del mundo de la moda, Alberto Díaz «Korda» cubría para el desaparecido diario «Revolución» el acto de despedida al centenar de víctimas de la explosión de «La Coubre», un barco llegado desde Bélgica a La Habana con armas y municiones para la entonces naciente Revolución Cubana, cuyos dirigentes calificaron el suceso de «sabotaje».

Korda (La Habana, 1928 – París, 2001) contó que le tomó «un minuto y medio», porque el Che, que se encontraba detrás de Fidel Castro y otros dirigentes en la improvisada tribuna, solo salió un instante y pronto volvió «a perderse en el fondo de la tarima».

Al fotógrafo le impresionó la mirada del guerrillero, entonces de 31 años, llena de «pura ira por las muertes ocurridas el día anterior», dijo luego. Fue «un instante de suerte», confesó Korda, que hizo una toma horizontal y otra vertical, pero desechó la segunda porque sobresalía una cabeza detrás del hombro de Guevara.

De ese acto, celebrado el 5 de marzo de 1960 en la esquina habanera de 23 y 12, quedó la frase de Fidel Castro: «Patria o muerte» y la no menos simbólica fotografía del Che, que rivaliza en fama con imágenes de culto como la de Marilyn Monroe con la falda levantada y la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

La historia detrás de la foto más famosa del Che Guevara
El fotógrafo Alberto Díaz «Korda» junto a su retrato del Che Guevara

Sin embargo, la que está considerada como la fotografía más reproducida del siglo XX, no fue escogida por «Revolución», germen del actual diario «Granma», para su edición del día siguiente.

La foto permaneció colgada en el estudio de Korda y no fue hasta 1967, tras la muerte del Che en Bolivia, que el editor italiano Giangiacomo Feltrinelli adquirió los derechos para publicar «El Diario del Che en Bolivia» y utilizó la imagen en un cartel que vendió dos millones de copias en seis meses.

Casi 60 años después, el «Guerrillero Heroico» de Korda y las versiones de Jim Fitzpatrick y Andy Warhol todavía llenan paredes de dormitorios universitarios y son usadas en pancartas, camisetas, pegatinas y hasta en controvertidos anuncios publicitarios, como el del gigante automotriz Mercedes Benz en 2012.

En Cuba es difícil caminar sin ver la sempiterna imagen, comercializada como mercancía turística y reproducida a gran escala en la Plaza de la Revolución, donde el expresidente de EE.UU. Barack Obama insistió en tomarse una foto con el «Guerrillero Heroico» de fondo, durante su histórica visita a La Habana en marzo de 2016.

Al enterarse que Korda siempre había vivido en la capital, ajeno a las labores agrícolas, el revolucionario exigió que se uniera a «la cosecha de caña para el pueblo». Korda tuvo que pasar una semana cortando caña antes de poder fotografiar al Che. «Él era así», explicó.

Convencido comunista, Korda nunca exigió derechos de autor sobre la foto, aunque sí los reclamó una vez para evitar que esta fuese usada en un anuncio de vodka, y los 50.000 dólares que obtuvo los donó a la Sanidad cubana.

Uno de los escasos originales de la famosa fotografía fue subastada en 2013 en Viena por más de 9.000 euros y el año pasado el hijo menor de Korda, Dante, vendió por 18.000 euros (unos 10.500 dólares) la cámara Leica con la que el artista tomó «Guerillero Heroico» y documentó los primeros años de la Revolución Cubana.

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La primera pantalla publicitaria en 3D

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En la famosa plaza Times Square de Nueva York, el especialista Space150 y la empresa Coca Cola han dado una nueva dimensión a la publicidad digital exterior, en esta ocasión con un sistema 3D robotizado creado con 1.760 cubos Led y movimiento independiente y 245 fijos, que realizan composiciones espectaculares según el contenido que se muestre en ellas, creando una armonía visual impresionante.

La empresa Coca Cola a conseguido dar una vuelta de tuerca a los tan famosos paneles LED animados, creando la primera publicidad exterior (OOH) en 3D realizada hasta la fecha ha tenido un escenario no menos impactante, como la neoyorquina plaza de Times Square, por la que transitan en torno a 300.000 personas, testigos de la sorprendente experiencia visual creada por la agencia Space150, especializada en soluciones de ingeniería y diseño digital.

Para crear este innovador billboard 3D robotizado para esta multinacional de refrescos se utilizan 1.760 paneles Led con movimiento independiente, junto con 245 paneles Led estáticos que, dependiendo del contenido que se muestre, realizan impactantes coreografías en 3D animadas que captan la atención de los miles de turistas y ciudadanos que visitan este centro neurálgico de Manhattan cada día.

Esta revolucionaria y gigantesca pantalla Led dinámica, de 20,7×12,8 metros, ha superado rigurosas pruebas para soportar las difíciles condiciones climáticas de Nueva York. Cada cubo Led de alta resolución está programado para extenderse y retraerse de manera independiente, simulando acercarse a la audiencia y mostrando las bebidas de la compañía.

A la vanguardia de la innovación de la publicidad al aire libre, Coca-Cola ha renovado el éxito que tuvo en 2004 en su pantalla en Times Square, aplicando su tecnología de movimiento propietaria, en cuyo diseño, fabricación y pruebas han trabajado durante los últimos cuatro años su equipo de I+D, ingeniería y marketing en colaboración con numerosos partners.

 

Curiosa historia del logo de Levi's

Curiosa historia del logo de Levi’s

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Levi Strauss fue fundado en 1853 en California, Estados Unidos, como una compañía de fabricación de pantalones resistentes a las rasgaduras, en comparación con la competencia. La resistencia de sus prendas se debió a la implementación del uso de remaches de cobre, patentados por la compañía, y así reforzar los puntos de tensión donde los pantalones normalmente se rasgaban, principalmente la esquinas de los bolsillos y la base de la cremallera.

El logotipo de los “dos caballos” de Levi’s fue creado en 1886 en un intento de ilustrar el anterior punto, como uno de los más importantes, que impulsó de venta entre los compradores del siglo XIX:

agencia diseño

Evolución logo Levi’s

Muchos rumores  se han compartido en la web, centrando en conectar un relato sobre esclavitud y tortura, efectuada en los Estados Unidos. En la cual se afirmando que el logotipo de la marca Levi’s representa a un esclavo desgarrado por los caballos.

Volviendo un poco a la actualidad, durante estos años hemos visto que la imagen visual de Levi’s ha ido evolucionando hasta llegar al mínima expresión, nada que ver con sus inicios.

Exactamente en el año 2011, Turner Duckworth, decidió enfocarse en la figura de las alas de murciélago de la firma, la cual es característica en las bolsas traseras de los jeans. Además de ser un elemento visual que ha permanecido a lo largo de los años en la publicidad de la marca.

El reto de Duckworth era modernizar esa figura, hacerla más elegante en su forma. Para ello analizó la marca y pronto se dio cuenta que la figura de las alas de murciélago siempre ha sido constante en el diseño de los jeans y de los diferentes logotipos que ha tenido la marca.

Iconos del diseño de los jeans.
Diseño del bordado de Levi’s

Además, del color rojo de la marca y un elemento más es la R de marca registrada, la cual está ligeramente recortada. De ahí surgió el actual logotipo, en el que está más estilizada la figura, roja como siempre y con la R en un circulo ligeramente recortada.

La lección sobre esto es simple. Para construir el branding de una marca y hacerla icónica sólo se necesita analizar los elementos visuales que han sido constantes en la empresa, como los productos y después enfocarse en ellos para mejorarlos.

 

La arriesgada fotografía de David LaChapelle

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La arriesgada fotografía de David LaChapelle, uno de los fotógrafos más influyentes de los últimas décadas.

Durante los 80’s Warhol quedó enamorado de las fotos que había visto de LaChapelle, y le dio la oportunidad de publicar en su revista, Interview. Casi todas las fotos de esta publicación eran sobre  celebridades y lo que más quería reflejar Warhol en su revista, es la belleza, quería que todo aquel que saliera en ella saliera, bien, hermoso, y virtuoso.

Luego de que Warhol muere en el 87, la revista interview ya no es lo mismo, las ventas bajan y LaChapelle comienza a buscar su sustento de maneras no tan artística, deja de lado lo grotesco, el glamour y el surrealismo, para tomar cada trabajo que se le ofrezca, así fuera tomar fotos en una boda.

David decide no darse por vencido y vuelve a tomar el tipo de fotografía que él tanto amaba sacar, las conceptuales, con arte, escenario y es así que este vuelve a resurgir en los 90’s y revistas como Vogue, Rolling Stone, I-D, Vibe entre otras lo buscan más que como a un fotógrafo a una estrella.

A finales de los 90`s LaChapelle ya se había convertido en un fotógrafo de prestigio, al cual lo admiraban todos los artistas del medio, y no habría una sola celebridad que se negara a ser fotografiada por él, entre ellas están:  Whitney Houston, Christina Aguilera, Pamela Anderson, Kylie Minogue, Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Marilyn Manson, Drew Barrymore, Elton John…

La arriesgada fotografía de David LaChapelle

Muchas de estas formaron parte de un proyecto del fotógrafo llamado LaChapelle Land, una publicación con retratos de las celebridades más populares dentro del mundo del espectáculo.

barcelona

 

No Solo es fotógrafo

Por otro lado, David coqueteó con la imagen en movimiento, siendo director de uno de los vídeos más impresionantes del músico y productor Moby, llamado Natural Blues, en el cual podemos ver una estética que escapa del glamour de la fotografía, sino que todo lo contrario, mostrando un mundo triste y deprimente:

A parte de este, también ha dirigido otros videoclips musicales de artistas conocidos, así como algunos anuncios comerciales bastante alternativos.

David LaChapelle persigue la belleza pero siempre con reflexión y con un mensaje que siempre se deja ver, a veces de manera implícita y otras explicita.

La exposición que se realizó durante el 2009 hasta el 2012, en el museo de Nueva York llamada Still Life, nos muestra con ironía a diferentes tipos de celebridades, las cuales están representadas muertas o destrozadas, o en paquetes como productos.

Las obras de LaChappelle han sido expuestas en un sinfín de museos alrededor de todo el mundo, su corriente artística es el pop art, el cual tiene como fin llevar al arte a donde las masas pudieran tener acceso, no solo a lugares de élite donde solo unos pocos pudieran verlos, admirarlos y criticarlos.

Actualmente LaChapelle sigue trabajando para varios medios, con colaboración de lo que él llama su familia, que son un grupo de estilistas, diseñadores de escenario, artistas urbanos y vestuaristas, sin su equipo su trabajo sería muy difícil de lograr, ya que cada una de las fotos de LaChapelle es una puesta en escena de algo que nunca antes vio él ni quien participa.

fuente: david LaChapelle

Impresión 3d, la nueva forma de imprimir

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Nos encontramos inmersos en la que algunos consideramos la próxima revolución en fabricación. Por ejemplo el presidente Obama, que el pasado mes de febrero en su Discurso sobre el Estado de la Nación planteó un objetivo de Política Industrial relevante: “Guarantee that the next revolution in manufacturing is Made in America”. Esta declaración no es más que la punta del iceberg de una tecnología que ya está revolucionando la fabricación de muchos productos, procesos y servicios, tecnología que generará innovaciones revolucionarias que cambiarán completamente la forma de trabajar de muchos sectores. Hablamos de la fabricación aditiva, más conocida como Impresión 3D.

Veamos algunos de los desarrollos que ya están en proceso:

  • La NASA pretende que los astronautas se impriman la comida en el espacio, para lo cual ha concedido 125.000$ para que se desarrolle un prototipo de impresora que lo consiga. De esta forma será posible comer a la carta en el espacio.
  • En la Universidad de Princeton han desarrollado un oído impreso en 3D, que permite “escuchar” frecuencias más allá de las que actualmente nuestro oído está capacitado para escuchar.
  • En Australia, un equipo de investigadores del Australia’s Victorian Organic Solar Cell Consortium (VICOSC) han conseguido imprimir celdas fotovoltaicas en formato A3.
  • En Japón ya imprimen caras para colocarlas en muñecas. Una evolución no descartable en un futuro sería la impresión de una cara utilizando piel generada a partir de células madre, destinadas a la reconstrucción facial en personas que han sufrido accidentes o cáncer de piel.
  • En Europa, la Agencia Espacial Europea se plantea construir una estación lunar utilizando la impresión 3Dsin tener que trasladar materiales desde la Tierra, sino que utilizarían como materia prima las rocas lunares.
  •  Esta es una pequeña muestra del amplio abanico de desarrollos que están en proyecto o son una realidad. Sin embargo, lo que hace que esta tecnología sea una revolución es su precio o coste, que ha ido bajando de forma importante. A nivel particular, ya existen impresoras que desde 399$ nos permiten imprimir productos en diversos materiales, totalmente útiles para la vida en casa como, por ejemplo, herramientas o piezas para muebles.

    Ya en un ámbito más lúdico, pero sin duda con una aplicación espectacular empresarialmente hablando, hemos visto cómo en las pasarelas de moda ya han empezado a desfilar modelos con trajes impresos en 3D.

Que esta tecnología no es una moda pasajera lo vemos en el hecho de que los países más avanzados del mundo están invirtiendo en Centros de Innovación en Impresión3D para el desarrollo de sus Industrias de Fabricación, que les permita conseguir innovaciones radicales que les den el liderazgo mundial en muchos sectores. Por ejemplo, en China una alianza empresarial prevé en los próximos años abrir diez centros repartidos por su territorio. EE.UU. no se iba a quedar atrás, y recientemente se ha abierto un concurso por 200 millones de dólares para crear tres Centros de Innovación que, a su vez, forman parte de un plan para tener 15 Institutos de Innovación en Fabricación 3D por todo el país que supondrían una inversión global de unos 100.000 millones de dólares.

Con todo lo expuesto, nos podemos plantear un futuro para la innovación que es casi de Ciencia Ficción, pero que es fascinante y sobre todo real. En muchos productos no habría necesidad de tener recambios en stock de todos los componentes, ya que sería suficiente con conectarse vía Internet con la máquina o producto estropeado, un sistema interno informaría de las piezas estropeadas, se enviarían a imprimir los diversos recambios para que el operario de turno pudiera substituirlas, con lo que el servicio sería más eficiente para el cliente porque no tendría que sufrir algunos dobles viajes a “buscar una pieza que no he traído”.

Imaginemos lo que esto puede suponer en lugares en que el acceso es difícil, o que debido a causas climátológicas o de otra naturaleza quedan aislados: ssi tuviesen acceso a impresoras 3D de diferentes tamaños, podrían fabricarse productos que necesitasen para su día a día o para reparar los desperfectos ocasionados.

 

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En un futuro se podría llegar a la situación de que nos escaneen tridimensionalmente, y ese archivo quedaría grabado en una tarjeta con nuestro historial clínico. Así, cuando se nos estropearan una muela por una caries, el odontólogo imprimiría la réplica “idéntica” a la natural. Esto sería aplicable a fracturas de huesos o enfermedades que inutilicen órganos como el hígado o el riñón.

En definitiva, esta tecnología supone una oportunidad increíble para las mentes innovadoras, que podrán crear nuevos productos, procesos o servicios con el único límite de la imaginación.

 

Historia del Photoshop

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Casi todo el mundo ha oído hablar hoy en día de Photoshop, pero que sabemos realmente de él. Para muchos es el mejor programa de retoque fotográfico que ha existido, para otros solo una herramienta que permite a las revistas publicar falsas fotos de famosos. Pero alejándonos un poco de esto, vamos mucho mas allá, al principio de todo…

Photoshop es uno de los programas mas vendidos en todo el mundo. Se ha convertido en un estándar para varias industrias y es una fuente de recursos de gran calibre para Adobe Systems Inc. Sin embargo, hoy conoceremos los humildes orígenes de este sensacional programa que tantas horas de creatividad nos proporciona, tanto en el área profesional como artística.

Nos vamos a 1987. Encontramos a Thomas Knoll, candidato a doctorado en visión de ordenadores.

Para ello intenta escribir un programa que sea capaz de reproducir imágenes en pantalla con tramas de gris. Estamos hablando de cuando los monitores apenas mostraban algo en Blanco y Negro. El programa se llamó Display. Escrito originalmente en un ordenador Mac Plus, como diversión para el doctorado, Display llamó la atención de su hermano John, el cual había trabajado en la ILM (Industrial Light and Magic), nada menos que la empresa de efectos especiales de George Lucas. La ayuda de John fue inestimable para poder producir nuevas versiones de Display con funciones cada vez mas amplias. Meses mas tarde, Display era capaz de leer y escribir diversos formatos de ficheros gráficos, trabajaba en color -adaptándose al cambio de hardware- y se estableció la base para los plug-ins. Las selecciones ya eran en aquel entonces una realidad, incluso con bordes suavizados (calado). Otras opciones disponibles eran los niveles, el balance de color, el ajuste de tono y saturación y algunas posibilidades de pintura.

1988. Casi un año mas tarde John cree tener la base para un producto comercial. Por aquel entonces solo existía una aplicación similar a lo que pretendían crear los hermanos Knoll, PhotoMac. Entonces empezaron los cambios de nombre de la aplicación. Tras muchos intentos fallidos -los nombres ideados ya existían- alguien les sugirió Photoshop. Y desde aquel día así se llama el programa. Problemas financieros, visitas y contactos con diversas posibles fuentes de financiación finalmente consiguieron atraer la atención de Barneyscan, un fabricante de scanners. La primera versión comercial de Photoshop, la 0.87, apareció junto a estos dispositivos. Unas 200 copias. Tras contactos con Apple y de vuelta a Adobe, Russell Brown, el principal director de arte, queda absolutamente impresionado con Photoshop. Las circunstancias eran algo adversas. Acababa de firmarse un contrato con Letraset por su producto ColorStudio. Convencido de que Photoshop era mucho mejor, Adobe decide comprar la licencia para la distribución de Photoshop.

1989-1990. Durante este periodo sigue el desarrollo del producto sin apenas beta testers.

Se siguen las sugerencias para mejorar la aplicación y mientras, Thomas escribe y reescribe el código. En febrero de 1990 aparece Photoshop 1.0. Tras encontrar diversos bugs y corregirlos, aparece la versión 1.0.7. La competencia no puede con su interface elegante y su código bien escrito. La calificación es excelente. En estos años la revolución de la autoedición esta tomando fuerza, y Photoshop se aprovecha de ello en gran medida. Russell Brown produce una serie de demostraciones divertidas y espectaculares para mostrar la facilidad de uso y potencia de Photoshop. ColorStudio dispone de características que no están presentes en Photoshop, pero tiene una gran desventaja en contra. Letraset ha posicionado su producto en el mercado vertical, dejando al margen al público en general. Se desarrolla y publica la versión 2.0 de Photoshop, convirtiéndose en un estándar de facto. A partir de este momento empiezan a entrar mas ingenieros en juego. Thomas Knoll ya no es suficiente para lo que va a venir en siguientes ediciones. Mark Hamburg, el “hombre trazados”, incorpora la tecnología necesaria para el tratamiento de trazados. Photoshop 2.0 permite integrar gráficos procedentes de Illustrator, soporta el modo CMYK, duotonos, y la herramienta Pluma. Steven Guttman se convierte en el primer Product Manager de Photoshop y empieza una larga tradición dando nombres clave a las versiones beta. La número 2.0 se llamó Fast Eddy. Photoshop 2.0 gana un amplio rango de clientes en la industria de la impresión gracias a su soporte para la cuatricromía. La separación de colores genera una revolución en el mundo de la autoedición. Las ventas se disparan. Pero ello no impide que el desarrollo siga adelante. Llega el momento de plantearse una versión para entorno Windows. Esta debe desarrollarse en paralelo a la versión Mac. La versión Windows se llamó Brimstone, y la de Mac, Merlin (de ahí seguramente los huevos de Pascua en los que aparece el mago). La nueva versión se convierte en Photoshop 2.5, no 3.0 como debería haber sido. Esta incorpora novedades tales como mejores paletas, soporte para ficheros de 16-bits, etc. Lo mas notable es que se trata de la primera versión Windows. Aparece un serio competidor en el horizonte Windows. Se llama Aldus PhotoStyler. Además, existen problemas en la gestión de memoria. Solucionado el problema aparece la versión 2.5.1, la primera para funcionar con chips Power PC. . La mayor diferencia estará destinada en convertirse en una de las mas brillantes características del programa, las capas. Aquí aparece la controversia. Parece, según la prensa, que esta función ha sido plagiada de otro programa, Live Picture.

1994-1995. A finales de septiembre de 1994 aparece la versión Mac de Photoshop 3.0.

En noviembre, para Windows. Esta versión no estaba exenta de problemas diversos. Falta de documentación, código beta no desactivado, etc. De aquí se derivaron 3.0.1 y 3.0.3 para resolver estos conflictos. Con todo, Photoshop 3.x marcó un hito. A partir de ahora era posible trabajar con objetos gracias a las capas, y ello lo cambió todo por completo. La edición y retoque, la composición de imagen, prácticamente todas las operaciones eran mucho mas flexibles. La falta de una función Deshacer múltiple se paliaba en parte gracias a la posibilidad de copiar capas y eliminarlas después.

1996. Tras un largo periodo en el que se pensó haber llegado a máximo con Photoshop 3.0, vuelven los esfuerzos e ilusiones para dar paso a la siguiente versión.

Para ello se toma una decisión radical: modificar por completo la interfaz del programa. El objetivo final es solo uno: unificar criterios e interfaces entre todas las aplicaciones Adobe. Sin entrar en la polémica suscitada por estos cambios, la futura versión va a contener una serie de novedades importantes. Se desarrollan las acciones, las capas de ajuste, las rejillas y las guías. Se trabaja en la transformación libre, y en la aceleración de la pantalla mediante caché. Así fue el inicio de la versión 4.0, llamada Big Electric Cat. A pesar del sufrimiento y desagrado expresado por gran parte de la comunidad de usuarios de versiones anteriores, respecto a los cambios de interfaz y atajos de teclado, Photoshop 4.0 tuvo un éxito rotundo. El numero de libros escritos sobre Photoshop supera el centenar. Aparecen compañías como setas, ofreciendo sus productos: plug-ins, add-ons para Photoshop. ¿Hay algo que pueda hacer pensar en mejorar aún mas el producto? Seguramente la World Wide Web tenga mucho que ver en esto. Se necesitan muchas herramientas para hacer frente a la demanda gráfica en Internet, y todo esto lleva al equipo de ingenieros de Adobe a replantearse una revisión y nueva edición de Photoshop. Photoshop 5.0 ya está en desarrollo e incorporará herramientas y características nunca antes soñadas. Una de las mas impactantes es la Paleta Historia, una interesante e inteligente forma de pensar en la herramienta Deshacer, pero de forma mucho mas dinámica, flexible y clara. La estructura de la función deshacer, por definición lineal, aquí deja de serlo. Es posible retroceder varios pasos, bifurcadas hacia otro camino y no perder el trabajo hecho en el anterior. Increíble. Algunas herramientas sufren cambios, como el pincel de clonar o pluma. Y llegamos a la mejor de todas las novedades, la gestión de color. Para algunos significa un gran avance para otros, un desastre. Gracias al uso de la gestión de color pensada como perfiles independientes, es posible trabajar con originales procedentes de diversos orígenes -diapositivas, video, scanners, fotografías, etc- sin alterar el esquema de color original. Hasta el momento solo era posible hacerlo gracias a instrumental especializado y caro. La ganancia de punto también sufre cambios en su implementación. Tal como ocurrió con el soporte de cuatricromía en su momento, estos cambios tienen su mayor impacto en la industria de las artes gráficas.

En mayo de 1998 aparece Photoshop 5.0.

A pesar de todas estas mejoras, quedaba un tema pendiente, la Web. ImageReady hace su aparición como respuesta a la demanda de los usuarios. Se trata de un “casi” Photoshop, con funciones especificas para la Web. Recorte de imagen, optimización de la misma para mejorar el tiempo de descarga navegando por Internet, etc. La primera versión no tuvo el impacto deseado, quizá debido a falta de funciones y herramientas ya existentes en otros ámbitos, programas o incluso en plug-ins para Photoshop. Con la aparición de Photoshop 5.5, ImageReady 2.0 forma parte del mismo paquete, convirtiéndose en compañeros inseparables.

La permanencia de Photoshop 5/5.5, se podría decir que marcó la cima del vertiginoso ascenso de lo que ya se consideraba como el líder absoluto en la edición de imágenes.

Tal vez nunca hubo tal explosión en lo referente a creación de aplicaciones secundarias relacionadas al programa como lo fueron los centenares de Plugins de distintas compañías.
Tan fuerte ha sido la marca que impuso Photoshop 5, que hasta hoy día hay usuarios que mantienen instalada y en uso esta versión. A partir de este momento Photoshop continuaría creciendo y sorprendiendo a sus usuarios con características que en cada versión demuestran que la creatividad de los ingenieros de Adobe es sencillamente inagotable, pero sin un camino que ir abriendo sino simplemente posicionado sobre su trono de liderazgo.

Adobe Photoshop CS6

Su lanzamiento en Mayo 2012 ofreció muchas mejoras en términos de velocidad y rendimiento a la vez que añadia la edición mejorada de vídeo y 3D. Esta nueva versión casi obliga a pensar en utilizar potentes ordenadores como los barebones y en esta página te proponen buenos barebones.

Mejoras en las capas, la herramienta de Recorte, de los archivos Camera Raw y el nuevo Relleno automático fueron los elementos destacados de la versión CS6.
Preparado para la versión 13, con el código interno de “Superstition”, era el fin de la compra de la aplicación completa en modo Suite. A partir de la siguiente, empezó el modelo de suscripción. La versión 13.1.3 fue la última version de Photoshop en ofrecerse con una licencia permanente.

Adobe photoshop CC 2013El salto al Cloud con Photoshop CC

En Junio 2013, todo cambió con el lanzamiento del versión Creative Cloud de Photoshop.
Esto permitía lanzar actualizaciones más frecuentes a los suscriptores.
La primera versión CC fue la 14 llamada también Lucky 7. La integración en la nube ( Cloud) con la recinte compra por parte de Adobe de la empresa Behance y eso permitía tener sincronizadas las preferencias en el Cloud.

Photoshop CC 2014

La versión 15.0 de Photoshop CC salió en Junio 2014 trayendo entre otras mejoras las guías y objetos inteligentes, una rueda de colores que se quedaba abierta, capas compuestas actualizables, integración completa con TypeKit, une menú de búsqueda de fuentes que se podia buscar, mejoras en el Relleno de contenido y por supuesto mejoras en las sincronización en el CLoud.

Photoshop CC 2015 y sus múltiples variaciones de versiones..

Esta nueva versión se lanzó con nueva interfaz al abrir la aplicación que presentaba una lista de archivos o íconos, ajustes de documentos y contenidos de la biblioteca y todo esto en un fondo oscuro.
También proponía por vez primera un enlace hacía Fuse CC, una nueva aplicación de creación objetos y modelos 3D y que se podian integrar directament en el programa Photoshop desde el Cloud.
En el 2015 y 2016 salieron varias actualizaciones del conjunto Creative Cloud desde la CC 2015.1 hasta la CC 2015.5.1 (que corresponde a la versión 17.0.1)

Photoshop CC 2017 : no hay casi nada nuevo bajo el sol… 😉

En resumen, Photoshop es uno de los programas que más impacto ha tenido en más industrias. Con beneficios millonarios, la compañía que lo ha hecho posible nos depara nuevas emociones y características que no podemos ni siquiera pensar, y los inicios fueron simplemente un divertimento de Thomas Knoll mientras preparaba su tesis, que por cierto, nunca finalizó.

Las ilusiones ópticas de Escher

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Clasificar la obra de Escher no resulta algo sencillo, para los matemáticos: fue un artista, para los artistas: fue un matemático. La creación de escenarios fantásticos o situaciones imposibles podría vincularlo con los surrealistas, aunque no se interesó por la psicología y sus obras no derivaron específicamente de los sueños; si notamos el estilo surrealista en su afán de escapar de la realidad. Su estilo más reconocido se basa en la experimentación hasta los límites de lo posible que muestran su dominio de la geometría, la perspectiva y la división del plano en figuras iguales.

M. C. Escher. Cielo y aguaI. 1938.   M. C. Escher. Manos dibujando. 1948.   M. C. Escher. Relatividad. 1953.

Sus primeras obras retrataban paisajes y arquitectura de forma realista, la Alhambra de Granada (España), fue uno de sus edificios predilectos al momento de reflejar la realidad, su ornamentación recargada, se repartían el espacio de forma esquemática y perfecta, influyó a las creaciones siguientes, en las que empiezan a mostrar divisiones regulares del plano y patrones de repetición.

Posteriormente, Escher se destacó por grabados en madera, xilografías y litografías. Entre sus obras se encuentran algunas similitudes que nos permiten reconocer su trabajo.

Características generales:
– Juegos visuales
– Utilización del blanco y el negro en su mayoría
– En las imágenes en blanco y negro, el juego de luces y sombras es el principal protagonista, así como las texturas de las cosas que ayudan a diferenciar las formas.
– Dualidad, búsqueda del equilibrio y simetría
– El infinito frente a lo limitado
– Figuras imposibles
– Fondos reticulados con diversos patrones
– Mundos imaginarios
– Ilusiones ópticas
– Sorpresas ocultas
– Impresión de espacios sin límites
– Sensación de normalidad dentro de lo anormal o imposible
– Cuerpos platónicos, cintas de Möebius, geometría hiperbólica, etc.
– Sustitución de los sólidos principios tradicionales por nuevas leyes y extraños principios geométricos.
– Espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.
– Ciclos, Metamorfosis, Teselaciones y Traslaciones

No basó su trabajo en los sentimientos y siempre buscó crear su propio universo. Evitando utilizar elementos de obras anteriores (excepto en los encargos).

Bruno Ernst (uno de sus biógrafos) analizó y clasificó sus obras en tres categorías:
– La estructura del espacio: paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
– La estructura de la superficie: metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
– La proyección del espacio tridimensional en el plano: representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Su visión abstracta se conjugó con el arte y con las matemáticas; pero Escher sentía que tenía más en común con los matemáticos que con los artistas, aunque en las conferencias de matemáticas aplicadas, por ejemplo, sólo podía responder ante los expertos, a través de la experimentación visual que realizaba en sus obras.

Actualmente su trabajo se encuentra plasmado en posters, puzzles, camisetas, corbatas, portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos

branding barcelo

Historia del logo de BMW

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BMW es una de las marcas automovilísticas mas importantes de todos los tiempos. Símbolo de constante evolución tecnológica e innovación, la imagen de sus coches siempre estará asociada a unos estandares de calidad por encima de la media, siendo totalmente reconocibles.Los orígenes del logo de BMW disipando el mito de que el emblema fue creado en base a las hélices de los aviones.

Los Motores de los aviones son el origen del mito. La gente piensa que el logotipo de BMW se basa en una hélice giratoria. El origen de esta interpretación es la portada de una revista de aviones BMW. La imagen inferior,  fue tomada en 1929, años después de que se datara la existencia del logo.

BMW magazine cover illustration

En muchos sitios puedes leer que el logotipo de BMW tiene sus orígenes en una hélice de un avión girando, incluso en sitios bastante populares, pues según BMW, eso es falso.

El origen de que se confundiera el logotipo de BMW y su significado con las hélices de un avión es simple leyenda urbana.

Para el fabricante germano, proviene de unos anuncios de BMW de 1929  en donde se fundía el logotipo con las palas de las hélices del avión con el fin de potenciar los nuevos motores radiales de aviación.

Para liar más la cosa, Wilhem Farrenkopf, director de prensa de BMW en 1942, el cual escribió un artículo donde ponía como explicación para el origen del logotipo las hélices mencionadas antes.

La confusión es tal que BMW decidió realizar hace algunos meses un vídeo explicando precisamente la cuestión para intentar zanjar el tema de una vez por todas.

Y es que el primer logo origen de BMW se registró el 5 de octubre de 1917, de la RAPP Motors, una de las compañías que formaría más tarde la conocida BMW. De él, se obtuvo el círculo exterior, mientras que los colores (blanco y azul) son los colores de la bandera bavara, región alemana origen de la marca, y que se diseñaron de la forma que todos conocemos porque no estaba permitido usar comercialmente símbolos nacionales.

No obstante, aún existen corrientes que apoyan la teoría de las hélices, aclarando que surgió cuando BMW, fundada en 1917 para fabricar motores de aviación militares durante la primera guerra mundial, copió el emblema de un club de aviones bávaros que, a su vez, se habían inspirado en los molinos de viento de la localidad. Historia bastante retorcida, pero aún lo es más cuando afirman que BMW, con la finalidad de que no se la vincule con la guerra, lleva años esforzándose en desterrar esa corriente que explica la historia de su logotipo. El problema de esta teoría es que, como en todas las historias conspiranoicas, nadie sabe dónde está y nadie ha visto ese primer logotipo del club de aviación “copiado” por BMW. Y estaría bien verlo, puesto que así se sabría si la inspiración (por las disposición de las letras) fue por el logotipo de RAPP Motors, o ya las tenía el otro logotipo, el del Club de Aviadores (o carecían de ellas, lo que aclararía más la cuestión).

BMW logo Rapp logo

BMW logo 1917

BMW logo 1933

BMW logo 1953

BMW logo 1979

BMW logo 2011