El post-it hecho arte

Aquellos papelitos de colores que andan adheridos por todas partes, mejor conocidos como Post-It, se encuentran en la lista de los 100 inventos que cambiaron el mundo.

¿Cómo surgieron los Post-It?

Los Post-It fue un invento del químico Dr. Spencer Silver, quien trabajaba para la compañía 3M en el año de 1968 como Científico Ejecutivo en el Laboratorio de Investigación Corporativa. Su trabajo era encontrar un pegamento de alta capacidad que pudiera ser usado en la construcción de aviones. Sin embargo, el resultado fue un pegamento de alta calidad pero lo suficientemente débil como pegar dos hojas y luego despegarlas sin dañarlas.

En 1974 otro científico de la compañía 3M, Art Fry, quien también participaba en el coro de una iglesia se enfrenta al problema de perder la página en el libro de himnos, obligándolo a buscar desesperadamente la página correcta durante las presentaciones. En uno de esos momentos, recordó el invento de Spencer y comenzó a idear una solución que finalmente terminaría en volverse una innovación para nuestro mundo. Fry toma un pedazo de papel de la oficina, que tenía el color amarillo que terminó en volverse el color oficial y lo unta del pegamento. Estos papelitos tenían la capacidad de mantenerse adheridos por mucho tiempo y podían ser reutilizados sin perder su efectividad.

Para 1977, 5 años después de la invención del pegamento, Art Fry logra superar los obstáculos de la fabricación para producir suficientes Post-It y los distribuye en todas las oficinas corporativas de 3M.

En 1978, los representantes de ventas de 3M se dan cuenta que el secreto está en dar muestras gratis, tal como ocurrió con los empleados de la compañía, para lograr el éxitos. El resultado: 90% de los consumidores de oficinas que los probaron quedaron aficionados, así que los dirigentes de 3M dan luz verde para la producción en grandes cantidades bajo el nombre de Post-It.

En 1980 se realiza el lanzamiento para Estados Unidos. En 1981 se introducen al mercado de Canadá y Europa. Hoy en día existen más de 600 productos Post-It en más de 100 países, siempre han sido fabricados de materiales reciclados, se encuentran en 8 tamaños 25 formas y 62 colores diferentes, los encontramos en todas las oficinas, hogares, bibliotecas, paredes, muros, neveras y hasta en la pantalla de tu pc.

El post it hecho arte

Otro de los muchos usos que se le han dado es el Arte. Ya que es un material muy asequible, fresco, y muy accesible… El cual puede tener muchísimas aplicaciones, el límite es el cielo. En Internet podemos encontrar varios artistas con sus obras repletas de estos papelitos. Unos ejemplos bastante buenos son los siguientes:

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I LOVE NY Historia de una marca

Tanto si has estado en Nueva York como no seguro que conoces el logo I LOVE NY pero, ¿sabías que es una marca? ¿y el dinero que mueve y su trascendencia económica?

En los 70’s la ciudad de Nueva York pasaba por uno de sus peores momentos, la delincuencia alcanzaba niveles altísimos, había una epidemia de crack y cocaína y muchos barrios estaban completamente deteriorados.

La ciudad estaba fuera de control. Además las arcas del Estado estaban vacías y el Presidente Ford denegó la asistencia federal para evitar que el Estado de Nueva York cayera en bancarrota. Fue entonces cuando el Departamento de Desarrollo Económico de NY decidió emprender una campaña publicitaria para generar turismo.

Primer boceto de Milton Glaser

Primer boceto de Milton Glaser

Para ello encargó a Milton Glaser la creación de un logo. La inspiración puede llegar en cualquier parte y en este caso fue en un taxi, una tarde lluviosa del 1976, donde dibujó el primer boceto, posteriormente cambió la colocación de los caracteres y diseñó la tipografía.

Cualquiera podría pensar que el diseñador de este logo mundialmente conocido se hizo inmensamente rico con su creación pero no fue así. Glaser, pensando que sería una campaña publicitaria de 3 meses, hizo su diseño pro bono, en beneficio de la ciudad de Nueva York y recibió a cambio 2000 $ por los gastos de producción.

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Marca registrada

El signo durante su primera década de vida se usó libremente para fomentar el turismo y mejorar la reputación de la ciudad pero según pasaba el tiempo su éxito aumentó tanto que el estado de NY decidió registrarlo como marca en 1988.

Tanto en la normativa marcaria americana como en la española, el titular tiene derecho a impedir que terceros sin su consentimiento usen un signo igual o similar para productos similares o iguales. Es decir, a partir del momento en que se registra la marca “I love NY” aquél que desee usarla debe solicitar una licencia al titular, en este caso el Estado de Nueva York. Asimismo, el titular de la marca puede oponerse al registro por terceros de signos que sean iguales o similares para productos o servicios iguales o similares.

En nuestro caso, desde que se registró la marca en la Oficina de Patentes y Marcas estadounidense el Estado de Nueva York ha enviado miles de requerimientos para que cesara el uso ilícito del logo y se han opuesto a aproximadamente 4000 registros de marca. Además el merchandising oficial marcado con el logo genera anualmente casi 30 millones de dólares. Viendo estas cifras, lo más llamativo es que su diseñador no haya reclamado parte de los beneficios.

 

¿Que es color Pantone y por qué se utiliza?

Todos nos hemos preguntado alguna vez como hacer que un color sea igual independientemente del soporte en que se aplique.

Para ello existe los colores Pantone, propiamente dicho, es una corporación/empresa norteamericana creadora del Pantone Matching System (PMS), un sistema que permite identificar colores para impresión por medio de un código determinado, es un sistema universal de colores.

Pantone produce las internacionalmente conocidas Guías Pantone (o también llamadas, Cartas Pantone”, que no son otra cosa más que tiras de papel-cartón de determinado gramaje y textura (coated, uncoated) con la impresión de una muestra de color, su nombre y formulas para obtenerlo, pero, ¿por qué son tan mencionadas y socorridas en el mundo del diseño?

Estas guías, te permiten, independientemente del sistema operativo que uses, monitor o pantalla, programa de edición de imágenes o de gráficos vectoriales de tu preferencia, tomando en cuenta que las pantallas muestran el color en modo RGB, que el color de salida en impresión sea el correcto, ya sea en Plotter o en Offset o en Offset digital, lo cual permite que siempre veamos el mismo amarillo de McDonald’s o el rojo de Coca-Cola (en CMYK).

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¿Por qué debemos usarlo?

Para empezar, partamos de la siguiente problemática: ¿Cómo explicar a la imprenta de forma exacta y precisa qué color queremos que impriman en nuestros artículos promocionales?

Evidentemente, podemos enviar por e-mail una imagen, pero nunca los colores serán iguales porque éstos no se visualizan de igual forma en cada pantalla. Cada pantalla o monitor de ordenador es diferente, las impresoras también son distintas, y aunque el equipo esté calibrado con tinta PANTONE, lo que se percibe en la pantalla no será totalmente exacto porque contiene numerosos matices.

Es por esto que se han creado los colores PANTONE. Se trata, ni más ni menos, de un código para identificar los colores a fin de facilitar la comunicación e impedir que se cometan errores. Así, cuando digamos a nuestro impresor: “quiero imprimir en color rosa 1767C”, podemos estar absolutamente seguro que el resultado será justo el que deseamos. O cuando nuestro cliente nos diga: “el fondo del dibujo es de color verde” podremos mostrarle los colores PANTONE para que escoja el tono exacto en el que está pensando.

La baldosa de Barcelona

La baldosa  Rosa de Barcelonase ha convertido en los últimos años en uno de los símbolos de la ciudad.
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El origen de la gráfica se atribuye al arquitecto modernista Josep Puig i Cadafalch. Lo utilizó en 1900 en las baldosa empleadas para pavimentar la entrada de carruajes de la Casa Ametller. Se cree que se inspiró en la flor del almendro porque el apellido del burgués Amatller coincide fonéticamente con ametller (almendro en catalán).

Con la expansión de l´Eixample, el Ayuntamiento de Barcelona decidió iniciar la pavimentación de las calles de la ciudad. Para ello sacó un concurso público en 1916 con cinco modelos de baldosas, todas ellas con dibujos geométricos: la rosa, pastillas de chocolate, circunferencias concéntricas y rombos con cuatro círculos. El concurso fue ganado por la empresa Escofet Tejera y Cia. Esta empresa había importado, a finales del siglo XIX, la técnica de fabricación del pavimento hidráulico. Fabricado con cemento, arena y agua, al producirse con una prensa hidráulica se podían hacer las baldosas en serie. Anteriormente se hacían de forma artesanal, lo que era económicamente inviable para poder pavimentar toda la ciudad.

El éxito de la baldosa se debe a que es una pieza barata y resistente. Es pequeña (20cmx20cm y 4cm de grosor), manejable, fácil de sustituirse y se adapta a cualquier irregularidad. Además es antideslizante y fácil de limpiar. Además de todo esto, su diseño es simple y bonito, lo que ha provocado que pasase del suelo a los souvenirs.

El boom turístico de Barcelona ha provocado una demanda constante de souvenirs.  Muchos han cogido la Rosa de Barcelona porque tiene un diseño sencillo a la par que bonito.

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Se puede encontrar como recurso gráfico en tazas, camisetas, posavasos, pendientes, pulseras, etc… Incluso se puede comprar una baldosa dentro de una caja con su historia. También la encontramos en bolsos y monederos como los de la tienda Calpa  o con forma de chocolate. En la actualidad, la empresa Mosaics Capdevila vende la baldosa de Barcelona (es suministrador del Ayuntamiento de Barcelona) y muchas tiendas de la ciudad han pavimentado su suelo con esta baldosa.

Marketing erótico

Marketing erótico

Hoy en día la publicidad utiliza de forma bastante frecuente la sensualidad y el suave erotismo como recursos con el objetivo de llamar la atención y ‘seducir’ al consumidor.

El erotismo en la publicidad generalmente se utiliza de forma sugerente combinando el glamour y la estética principalmente sobre el cuerpo femenino. Aunque en la mayoría de los casos siempre es así, cada día aumentan los spots y campañas donde los protagonistas son modelos masculinos semi-desnudos y contorneados que despiertan el interés y la atención del público femenino.

marketing-erotico-y-publicidad-subliminal-urban-comunicacionEvidentemente el uso del sexo y el erotismo en la publicidad es justificado amparándose en la compleja estructura del cerebro humano, y las distintas motivaciones, en especial las que están relacionadas con los deseos sexuales.

De esta forma, el ‘Marketing erótico’ mantiene unos principios que de forma general, pocas veces son sobrepasados. Se mantiene una ética moral que se asocia a la sensualidad y se muestra de forma sugerente.

Sin embargo, a veces estas limitaciones soportadas por la opinión general y social llegan a extremos de riesgo. En ocasiones, algunas empresas han desarrollado campañas basadas en este factor erótico originando como resultado, «polémicas» o críticas que han conllevado a la censura de sus propios anuncios. Seguramente este fuera el principal objetivo ya que de forma habitual los anuncios que finalmente son censurados son realmente de los que más se suele hablar o debatir. Por lo tanto el objetivo de captar la atención ha sido conseguido con creces..

Entre las estrategias del Marketing, la publicidad subliminal sigue siendo una de las técnicas que más polémica y controversias generan. Este tipo de publicidad que a pesar de no ser admitida como una forma correcta de Marketing sigue utilizándose de forma sutil y encubierta a pesar de en algunos países como España, se incluye la publicidad subliminal dentro de los distintos tipos de publicidad ilícita. Además, la publicidad subliminal en la mayoría de casos es bastante difícil de detectar.

Los diferentes tipos de percepción subliminal pueden estar orientados a generar estímulos en nuestros sentidos de forma visual o auditiva. En ocasiones incluso estos mensajes pueden ocultarse bajo canciones o grabaciones sonoras e incluso sobre imágenes y fotografías de todo tipo de envases o anuncios publicitarios donde el componente sexual casi siempre aparece oculto pero presente.

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El personaje como marca: Fido Dido

El personaje como marca: Fido Dido

Muchos recuerdan a Fido Dido, el personaje de la marca 7Up más carismático y divertido de la publicidad de los años 90. Llegó a ser muy popular, inundaba con su imagen camisetas, gorras, tazas, llaveros, libretas,… incluso llegó a protagonizar un videojuego y a tener su propia línea de fijadores para el pelo, agua de colonia, snacks y gominolas. Pero ¿quien lo creó?

Fido Dido surgió en Nueva York de mediados de los ochenta basándose en lo referentes artísticos de Keith Haring, Basquiat o Warhol. Nació fruto de la unión de la habilidad en el dibujo de Sue Rose y del ingenio de Joanna Ferrone. Una servilleta de una cafetería neoyorkina fue el lienzo perfecto para un personaje que nada más ser creado ya exudaba carisma, confianza en si mismo y un espíritu libre.

No fue hasta finales de los 80, principios de los 90 cuando Fido Dido con su pelo de pincho, su ropa ancha y sus zapatillas, pasó a formar parte de la plantilla de la compañía PepsiCo. Ésta decidió retirar a su antigua mascota de la bebida 7Up llamada Spot –quien ya había reemplazado a la anterior, Fresh-Up Freddie, creada por Disney- para sustituirla por este nuevo personaje tan fresco.

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7Up necesitaba renovar sus aires, adaptarse a la nueva corriente seguida por los más jóvenes y vieron en Fido Dido el perfil que resumía todos los valores que estaban buscando. De hecho, Joanna Ferrone creó también un credo que define el estilo tan peculiar de Fido Dido; un estilo de vida que éste siguió a pie juntillas. Su ‘Fidosophy’:

La época dorada de Fido Dido fueron los años 90 en los que se dio a conocer en los spots de la marca presentándose como un personaje desenfadado, despreocupado, ‘pasota’ y feliz, con la única preocupación de no quedarse sin su bebida favorita. El personaje y su filosofía tuvieron tanto éxito que, ya no solo el merchandising tenía una gran aceptación, sino que llegaron a venderse infinidad de productos que se comercializaron más tarde con su imagen.

El éxito de Fido Dido le pasó factura a la marca. Fido Dido produjo el llamado “efecto vampiro” o “efecto distracción”; la popularidad del personaje tuvo más notoriedad que la propia marca, con lo que el público prestaba más atención a la personalidad arrolladora de Fido que al propio producto que anunciaba.

 

A finales de los 90 PepsiCo dejó de emplear a Fido Dido como embajador de 7Up. Pero en 2004 reapareció en su versión tridimensional, conservando su aspecto bicolor, para anunciar 7Up Ice en spots como UphillMirror y Beach.

En 2015, tras 30 años, volvió a aparecer retomando su aspecto de los 90 para la creación de una serie limitada vintage que aboga por la nostalgia y homenajea a Fido Dido y a todo lo que representó en los 90.

 

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Logos famosos de películas

El universo del cine nos ha regalado gran cantidad de clásicos que se han quedado grabados en nuestra memoria. Gráficamente  hablando también ha sabido dejar su huella en forma de logos reconocibles para el público.

 

Star Wars

El logo de Star Wars tuvo varias versiones iniciales que se usaron en algunos de los carteles promocionales. El más parecido al actual fue el realizado por Suzi Rice, el encargo vino del propio George Lucas que quería un logo de aspecto “fascista”. Sin embargo, el diseño de Suzi Rice no terminaba de adaptarse con los trabajos finales, así que Joe Johnston rediseñó y ajustó esa imagen dando como resultado es el que todos conocemos hoy en dia.

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Jurassic Park

Como pasa en algunos casos, antes de ser una película, Jurassic Park fue una novela. Para el diseño de la portada de su libro Michael Crichton encargó el trabajo a Chip Kidd, especializado en portadas y carteles. Kidd dibujaría la famosa silueta del esqueleto del Tyarnosaurus-Rex, que más tarde se recuperaría para el diseño del cartel de la película.

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James Bond

El logotipo de James Bond nace con el estreno de Dr. No. Sin embargo había una cierta competencia entre los grupos de marketing del Reino Unido y Estado Unidos que usaban versiones diferentes del “007” junto con la imagen de una pistola. Finalmente fue la versión americana la que ganó terreno evolucionando con los años hasta la versión actual.

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Batman

El logotipo de Batman surge en 1939 junto con su primera aparición en el mundo del cómic. Aquella primera imagen representaba la forma de las alas de un murciélago sin cabeza. Este simple icono serviría como base para toda la larga lista de rediseños que sufriría el logotipo tanto en su versión impresa como en su contrapartida en la gran pantalla.

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Los Cazafantasmas

El logo de Los Cazafantasmas no es solo el logo de la película, es también la imagen del negocio de los protagonistas. Diseñado por el equipo de Michael C Gross, este logotipo surgió casi de forma accidental. El estudio necesitaba lanzar un cartel teaser para publicitar la película pero no podían usar el nombre Ghostbusters porque todavía no tenía derechos sobre él. Así que, para salir del paso, decidieron usar la imagen de la compañía cazafantasmas que se describía en el guión, y que finalmente se convertiría en todo un icono.

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La imagen gráfica de Barcelona’92

Los Juegos Olímpicos Barcelona’92 fueron una puerta Barcelona se dio a conocer a nivel mundial.

La ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Barcelona, celebrada el 25 de julio de 1992 en el Estadio Olímpico de Montjuïc, marcó un antes y un después en la historia de los JJ.OO., de las ceremonias y de la propia ciudad. Barcelona’ 92 dejó de ser un sueño para convertirse en una hermosa realidad.

Gráficamente Barcelona siempre había tenido una estrecha relación con: Gaudí, Picasso, Dalí y Miró», la «selección de actores de fama mundial para representar la identidad de la propia cultura», la «utilización de edificios y monumentos singulares como signos emblemáticos de la ciudad» y la «selección de imágenes de la cultura popular y del folklore pero también de la economía, de la tecnología y del carácter cosmopolita de la ciudad»

En esa creación de imagen, se excluyeron elementos negativos también presentes en la ciudad (contaminación, marginación, etc…) y se huyó de las típicas campañas promocionales turísticas de España: toros, flamenco, vino, sol, folkore, etc.», porque no se consideraron adecuados ni para la nueva imagen de la identidad catalana ni para la de España que, tras la muerte de Franco, quería transmitir modernidad.

Barcelona necesitaba proyectar su imagen internacionalmente para incentivar el turismo y la inversión económica, al mismo tiempo, preparada y capaz de organizar un acontecimiento tan complejo como son los Juegos Olímpicos.

La elección de los símbolos

Las primeras decisiones de diseño de los símbolos olímpicos fuesen objeto de fuertes polémicas y marcasen la futura orientación del resto de decisiones relativas al modelo cultural de los Juegos».

Finalmente, a la hora de escoger tanto el logo como la mascota, prevalecieron las opciones más vanguardistas.

El símbolo de la candidatura

A comienzos de 1984, el Consejo Rector de la Candidatura de los Juegos Olímpicos de Barcelona decidió que era necesario crear una imagen gráfica que sirviera para identificar y proporcionar personalidad propia a las Olimpiadas.

En las bases del concurso se concretaron las distintas aplicaciones del futuro símbolo, que habría de usarse tanto para cubrir las necesidades de la Oficina Olímpica (señalización, publicaciones, papelería, etc…) como para situar en instalaciones, medios de transporte, locales, etc…

De entre las diferentes propuestas, quedaron dos finalistas: Carlos Rolando, con un logo («Barcelona 1992») centrado y rodeado por cinco flechas evocadoras de los anillos olímpicos y América Sánchez, que resultó ganador del concurso. Su logosímbolo mostraba cinco elipses entrelazadas, situadas encima de una forma curva plateada, que representaba el horizonte de la ciudad y su perfil marítimo, sobre la que colocó el texto «Barcelona’92».

Propuesta de Carlos Rolando, publicada en el diario La Vanguardia (15/5/1984). 
América Sánchez, emblema de la candidatura olímpica. 

Hay que recordar que hasta el momento, Barcelona no era todavía sede olímpica y, por tanto, no podía utilizar los anillos que constituyen el emblema olímpico porque pertecen al Comité Olímpico Internacional y éste solo permite su empleo a los comités olímpicos nacionales y a las sedes olímpicas oficiales.

El logo, bien acogido por la población barcelonesa -que pronto lo bautizó como «el palillo»-, se empleó en las publicaciones de la Oficina Olímpica, se adaptó a todo tipo de objetos de recuerdo como, por ejemplo, camisetas, corbatas, relojes y bolígrafos.Símbolo y logotipo olímpicos

Con la confirmación de Barcelona como sede olímpica, el COOB’92 convocó un nuevo concurso restringido, en el que participaron seis diseñadores especializados en identidad corporativa e imagen global, con una experiencia profesional amplia y comprobada: José María Cruz Novillo, Carlos Rolando, América Sánchez, Enric SatuéJosep Maria Trias e Yves Zimmerman.

Un jurado formado por la Comisión Permanente del COOB’92 y por catorce expertos eligió el logosímbolo creado por Josep Maria Trias, que actuaría desde aquel momento como elemento básico de la identidad de Barcelona’92 y como punto de partida para el desarrollo de otros elementos de comunicación.

Josep Maria Trias, logosímbolo de los XXV Juegos Olímpicos, Barcelona 1992. (Aplicación en un cartel).

Es innegable que internacionalmente Barcelona se asocia a Picasso, Miró, Dalí, Gaudí o Tàpies; esta eviencia conducía a un  lenguaje más humano, más cálido, más artístico, más creativo, más personal, en suma, más coherente con los valores comunicativos que era preciso transmitir.

Esto le llevó considerar que el símbolo debía tener la condición de «dibujado a mano» como una manera de alejarse del lenguaje tecnológico y le llevó a decantarse por el trazo que, desde ese momento, se convertiría en un elemento esencial

Se tuvo en cuenta que para transmitir la mediterraneidad de la ciudad y su vinculación al mar una buena solución era incorporar el azul. El diseñador lo ha descrito de esta manera: «El color rojo se asocia a vida (sangre), fuego (calor), pasión, sentimientos, dolor y libertad; el amarillo al sol, a la luz, a la comprensión, a la intuición, al intelecto y a los valores humanos. El azul se asocia, por su parte, a mar, cielo, a luz de día…

El diseñador Javier Mariscal tomó como referencia el garabato de un perro, inspirado en un pastor catalán estilizado, para crear a la mascota oficial de Barcelona’92: Cobi . El diseño cubista, y en su momento rompió con la imagen tradicional de una mascota, caracterizada por una imagen dulce y amable

Cobi terminó siendo un éxito, tanto en aceptación como a nivel comercial. El Comité Olímpico Internacional consideró a la mascota como la más rentable en la historia olímpica hasta esa fecha.

diseño gráfico barcelona

diseñador gráfico

Frases que un diseñador gráfico no debe decir

diseñador gráfico

Ser diseñador gráfico no es sencillo. Y no lo digo solo por el hecho de las necesidades de este trabajo y todo lo que implica y exige cada nuevo proyecto: creatividad, originalidad, dar forma a una idea, entregar el trabajo en los plazos acordados, etc.
Para ser diseñador hace falta mucho más que saber dibujar, combinar colores y utilizar algún software. Estas tres cosas juntas, aunque son básicas en nuestro trabajo, el hecho de que alguien las domine no le convierte en diseñador, aunque muchos tienden a pensar que sí. Sin embargo, lo cierto es que debemos hacer un poco de autocrítica, porque quizá de esa creencia generalizada, finalmente nosotros tenemos parte de culpa.

Y de eso va este artículo. Muchas veces, nosotros mismos, accedemos a condiciones o pronunciamos frases que pueden dar lugar a que los demás infravaloren nuestro trabajo. ¿Sueles decir alguna de estas frases?

Esta es una actividad complementaria a mi trabajo con la que gano algo de dinero

Seguramente lo digas con la mejor de las intenciones y toda la sinceridad y honestidad por delante. Pero no es necesario que lo comentes; a menos, claro está, que quieras seguir manteniendo tu trabajo como diseñador como un simple extra.

Mis precios son flexibles

Si cuando hablas de precios flexibles te refieres a que cuentas con diferentes paquetes, puede valer. Pero si la flexibilidad depende del cliente y de lo que pueda o esté dispuesto a pagar, hazte el favor y de paso háznoslo a los demás también: bórralo de tu mente y tu vocabulario.

«No tengo ni idea»

Lo cierto es que en nuestro trabajo, cada nuevo proyecto es un reto. Y para poder hacer frente a las exigencias del sector y el mercado, precisamos de un aprendizaje continuo… Por todo ello, es normal que en más de una ocasión estemos ante un proyecto, dato, proceso, sobre el que no tenemos ni idea. Y no saber no está mal. Incluso esta bien decir «no tengo ni idea de…», siempre que la frase termine con un «…pero lo voy a averiguar», …aunque lo investigaré», «…pero lo voy a consultar», etc.

 

Para que otros te valoren y den el valor que merece a tu trabajo, es fundamental que te valore tú mismo y que creas en lo que haces.