Love de Robert Indiana un icono muy actual

Hace ya muchos años que el mundo del arte dejó de estar dirigido a una élite especializada para dirigirse hacia el gran público, si bien las vanguardias artísticas del XIX se alejaron más de lo que ellas mismas pretendían del gran público –a día de hoy muchas de las obras vanguardistas siguen resultando extrañas para el ojo inexperto en arte- durante el siglo XX, algunas de las conocidas como segundas vanguardias hicieron el camino inverso, llevando al arte por nuevos derroteros que paradójicamente lo acercaban a la estética popular. Este fue el caso del Pop Art, una de las vanguardias que más repercusión ha tenido desde su creación por su temática amable con productos cercanos al gran público y su estética colorista que la acerca más a los anuncios que a las formas pictóricas tradicionales.

Lo cierto es que incluso a día de hoy muchas de las obras de arte pop, no son conocidas como tal por la sociedad a pesar de que reconozcan su imagen por haberla visto plasmada una y otra vez en diferentes formatos; este es el caso de algunas de las obras de Robert Clarck ya que pese a que para muchos son reconocibles algunas de sus obras más icónicas como LOVE o HOPE, pocos tienden a identificarlas como auténticas obras de la estética pop.
Robert Clarck, más conocido como Robert Indiana por ser originario del estado de Indiana, nació en septiembre de 1928. Entre los años 1949 y 1953 estudió en el Instituto de arte de Chicago y posteriormente continuó su formación en otras instituciones como la Universidad de Edimburgo o en la Escuela de Maine. Algunos de los pintores más influyentes del mundo en esta época dejaron su impronta en la obra de Clarck, así por ejemplo resulta fundamental su relación con el artista Ellsworth Kelly para comprender la simplicidad de sus formas.

A mediados de la década de los sesenta el artista recibió el encargo que lo haría mundialmente conocido

Robert Indiana que ya había triunfado con otras obras como El sueño Americano fue seleccionado por el MOMA de Nueva York para crear una postal de navidad. El diseño elegido por el artista no podía ser más sencillo, el lienzo dividido en cuatro espacios de igual tamaño y cada uno de ellos ocupado por una letra diferente de manera que la palabra queda dividida en dos sílabas, LO arriba y Ve abajo. Un mensaje sencillo y funcional que también ha tenido lecturas más contradictorias al encontrar la letra O girada hacia la derecha y con los colores en negativo. Las letras originales eran rojas y el fondo azul y verde.

Love robert indiana urban comunicacion
Indiana no registró el diseño de su producción de manera que han surgido numerosas copias en diversos formatos. Hoy en algunas de las calles más famosas de las grandes ciudades mundiales como Nueva York o Tokio encontramos grandes esculturas con este mismo diseño realizadas por el propio artista. En Nueva York por ejemplo, además de la escultura de LOVE podemos encontrar otra pieza con el mismo diseño que reza como HOPE.

 

Historia de la tipografía

La tipografía que utilizamos diariamente, sobretodo en el mundo del diseño gráfico tiene muy antiguos orígenes, que están relacionados con la caligrafía y los manuscritos, que ya eran usados antes del año 2500 A.C.
Durante toda la edad media la «industria editorial» se centraba en los monasterios donde los libros eran copiados a mano por monjes especializados, llamados copistas; esta labor se hacia en el scriptorium, el donde se copiaban los textos.

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Posteriormente con el invento de la imprenta, en la época del renacimiento, la tipografía tomo una especial relevancia. En esta época Johanes Gutembreg imprimió su biblia de 42 líneas utilizando sin embargo, caracteres del periodo gótico.

Ya hacia el año de 1500 D.C. la imprenta se había difundido de forma exponencial, la técnica había tenido tanta difusión que en Europa ya existían alrededor de 1100 imprentas instaladas y en funcionamiento.

Este auge de los tipos móviles, permitio un gran desarrollo a la producción de materiales impresos los cuales utilizaban tipografías como la minúscula carolingia y a las mayúsculas cuadradas romanas; adaptadas de los caracteres e inscripciones encontrados en las ruinas del imperio romano.

Estas fueron entre otras, las primeras tipografías romanas, clásicas o con serifa. Llamamos serifas a las pequeñas extensiones o adornos que pueden llevar los caracteres tipográficos.
La primera tipografía con serifas apareció en el año de 1465, posteriormente se estilizaron sus líneas y se dio origen a la llamada bastardilla, similar a los que actualmente conocemos como itálica.

Con el paso del tiempo se ha desarrollado el diseño de tipografías y familias tipográficas en infinidad de variedades de estilos. Actualmente los sistemas informáticos permiten la utilización y el almacenamiento de cientos de fuentes.

La familia tipográfica, en tipografía, es un conjunto de tipos basado en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como por ejemplo, en el grosor y anchura, pero manteniendo características comunes. Los miembros que integran una família se parecen entre sí pero tienen rasgos propios.

Las partes que componen y caracterizan un tipo son: la altura de las mayúsculas y minúsculas, el Anillo, la ascendente, las astas montantes; onduladas o de espina, la transversal, el brazo. la cola, la descendente, la inclinación, la serifa, entre otras.

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Google y sus Doodles

Con el paso del tiempo, los doodles que aparecen en la página principal de Google han hecho más divertido el efectuar búsquedas en Google. Cuando se crearon los primeros doodles, nadie hubiera podido adivinar que éstos se convertirían en algo tan popular y en un elemento tan importante de la experiencia de búsqueda para los usuarios de todo el planeta. Hoy en día son muchas las personas que esperan con ansias la publicación de nuevos doodles, y que incluso los han convertido en objetos de colección.

Un doodle es la versión especial que se hace de nuestro logotipo, integrando elementos decorativos, para conmemorar fechas y eventos especiales. Ya sea que se trate del inicio de la Primavera, el cumpleaños de Albert Einstein o el 50 aniversario del descubrimiento del ADN, el equipo encargado de los doodles siempre encuentra formas creativas para celebrar estas ocasiones especiales.

Muchas empresas ni siquiera considerarían el jugar o pasar un buen rato rediseñando su logotipo, pero en Google el hacerlo es ya incluso parte de la escencia de marca. Además de ser una forma divertida de reconocer eventos y personalidades importantes, también ilustra la personalidad creativa e innovadora de la empresa.

¿Cómo surge la idea de los doodles?

En 1999 surgió el concepto de los doodles, cuando Larry y Sergey, fundadores de Google, jugaron con el logotipo corporativo para comunicar su asistencia al festival Burning Man que se lleva a cabo en el Desierto de Nevada. Ellos incluyeron el dibujo de un palo de madera detrás de la segunda o de la palabra Google, y su intención era notificar, en una forma divertida a los usuarios que los fundadores estarían «fuera de la oficina». Si bien ese primer doodle fué muy sencillo, la idea de decorar el logotipo para festejar eventos especiales fué bien recibida por nuestros usuarios.

Un año más tarde, en el 2000, Larry y Sergey le encargaron a Dennis Hwang, que entonces era un becario en el equipo de webmasters, que produjera un doodle para el Día de la Bastilla. Contentos con los resultados, nombraron a Dennis Jefe de Doodles, y éstos se conviertieron en elementos recurrentes de la página principal de Google. Al comienzo se incluyeron las festividades de mayor visibilidad; hoy en día los doodles representan una gran gama de eventos y aniversarios, desde las Olimpiadas hasta eclipses.

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¿Quién elije los doodles que se realizarán y cómo deciden que eventos merecen contar con un doodle?

Un grupo de Googlers se reúne periódicamente para analizar los eventos y festividades que recibirán un doodle. Las ideas a integrar en el diseño de cada doodle se obtienen de distintas fuentes incluyendo a los Googlers y público en general. El proceso de selección de doodles busca celebrar eventos y aniversarios interesantes, que reflejen la personalidad y el gusto por la innovación de Google. Somos conscientes que la lista de doodles no es exahustiva, pero intentamos que los doodles reflejen creatividad e innovación

¿Cómo pueden los usuarios de Google/el público proponer ideas para los doodles?

El equipo de los doodles está abierto a las ideas de los usuarios; las solicitudes de doodles pueden enviarse a proposals@google.com. El equipo recibe numerosas solicitudes, así que si no recibes una respuesta de inmediato, por favor ten en cuenta que revisamos y tenemos en consideración todas las solicitudes que nos envían.

Historia del emoticono

Qué sería de Internet, móviles y tablets hoy en día sin los emoticonos. Las conversaciones que al final te ponen la cara sonriente 🙂 . Pero ¿a quién se le ocurrió utilizar estos símbolos por primera vez? Esta es la historia de los emoticonos.

Como habrás podido comprobar en más de una ocasión, puede ser difícil saber cuando alguien está siendo sarcástico por escrito. Y esto era tan cierto en 1982 como lo es ahora. El 19 de septiembre de ese año, el profesor e investigador Scott E. Fahlman de la Carnegie Mellon University Computer Science formaba parte de una discusión en un foro sobre el estado de un grupo de ascensores, algo que terminó siendo una auténtico caos.

La discusión llegó a tal punto de bromas y estupideces, que los participantes no sabían si los ascensores subían o bajaban por estar haciendo chistes todo el rato. Alguien sugirió poner un asterisco después de los comentarios irónicos. Otro prefirió utilizar el signo de porcentaje y combinaron los dos:

“¿Y si usamos * para chistes buenos y % para chistes malos? Incluso podríamos utilizar *% para los chistes que son tan malas, que son buenos”.

La idea maestra

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A partir de ahí comenzaron a discutir por la utilización de otros signos. Algunos querían utilizar ‘&’ porque les recordaba a un hombre gordo teniendo convulsiones de tanto reir. Fue entonces cuando Fahlman intervino con la invención que cambiaría la forma en que nos comunicamos online:

Propongo la siguiente secuencia de caracteres para indicar las bromas:🙂

Léanlas de lado. Y para marcar las cosas que no son bromas, dadas las tendencias actuales, utilicen:🙁

Ya se había tratado de utilizar dispositivos de texto para transmitir emociones a lo largo de la historia, pero ninguno había triunfado tanto como lo hizo la idea de Fahlman. Está claro que ahora es mucho más fácil expresar una emoción con los emojis tan utilizados hoy en dia.

El GIF un nuevo viejo conocido

Desde su creación han pasado casi treinta años y es uno de los formatos mas actuales hoy día, aunque muchos pronosticaron su muerte. El GIF nació en 1987 de la mano de CompuServe, que buscaba un tipo de imagen que fuese capaz de introducir color en las descarga de archivos. Un formato gráfico que permite usar el algoritmo de comprensión LZW, que contiene hasta 256 colores sin perder calidad lo que supuso que ganase terreno a su rival el JPG.

El GIF ganó mucha popularidad gracias a los foros, donde no había capacidad para vídeos, debido a las limitaciones de ancho de banda.

No existía la web de YouTube, por lo que los GIFs eran la forma fácil de solucionar la ausencia de motivimiento. Este formato de archivo era accesible para cualquiera, hasta para módems de 56k y conexiones más absoletas.

El GIF parecía tener los días contados con la llegada de Youtube y las redes sociales. Fueron muchos los que presagiaron que desapareceria ahora que somos capaces de crear vídeos con un ‘smartphone’ y compartirlos de forma sencilla, a través de páginas web y plataformas específicas. Las conexiones se habían modernizado, las tecnologías eran mejores y más rápidas y nadie necesitaba vídeos de segundos para mostrar una idea. Supuestamente.

Lo que era necesidad,efectivamente, dejó de serlo. Sin embargo, el GIF no murió. De hecho, volvió a lo grande: dejó de ser necesario y se convirtió en accesorio, en marca del humor, gracias a las redes sociales, los memes o los vídeos e imágenes virales. Poco a poco, el GIF se ha convertido en una nueva forma de comunicar, como también ha ocurrido con los populares emojis que podemos ver en todas y cada una de las plataformas de comunicación electrónica. Plataformas en las que, poco a poco, el GIF está ganando más y más terreno, gracias al apoyo de los grandes.

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En 2013 el GIF «resurgió» de la mano de Google. Fue el primer gran empujón que necesitaba. El buscador añadió una opción que permitía buscar GIFs animados e imágenes con fondos transparentes, sin tener que añadir nada a la búsqueda, sino como categoría.

 

Logos baratos grandes marcas

Hoy en día , donde el branding prima en cuanto a la imagen gráfica , 5 de las más grandes empresas del mundo actual, tienen logotipos que hoy tienen un valor descomunal, pero en su día, ellos pagaron muy poco o nada por su creación. Estos son los 5 logotipos famosos más baratos de la historia. 

Todos sabemos que una buena imagen corporativa es esencial para el marketing de una empresa. Algunos pagan millones por un diseño o rediseño. También hay marcas que con el tiempo han prevalecido intactas y que no pagaron absolutamente nada por sus logotipos.

Grandes marcas ha pagado precios desorbitados por la creación de sus marcas y al alcance de muy pocos. El caso de hoy es todo lo contrario, y seguro que muchos de vosotros os sorprenderéis.

Aquí tienes 5 logotipos que costaron muy poco o nada, pero que a día de hoy su imagen es sumamente reconocible y vale millones de millones:

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1. Coca-Cola 
Precio del logotipo: 0 dólares
El famoso logotipo de Coca-Cola fue creado por Frank Mason Robinson, en 1885.

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2. Twitter
Precio del logotipo: 15 dólares
El logotipo de Twitter fue diseñado por Simon Oxley en 2009.

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3. Microsoft 
Precio del logotipo: 0 dólares
la empresa utilizó su propio equipo de diseño interno para actualizar su logotipo en 2012.

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4. Nike 
Precio del logotipo: 35 dólares
El logotipo de Nike fue diseñado por Carolyn Davidson en 1975.

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5. Google 
Precio del logotipo: 0 dólares
El logo original de Google fue diseñado en 1998 por Sergey Brin, uno de los fundadores de Google en Gimp.

Como podéis ver, no todas las grandes empresas se han gastado millonadas en sus logotipos, y eso que alguno de ellos son iconos en lo que a branding se refiere.

Diseño Gráfico y la Música la combinación perfecta

La relación que hay entre el Diseño Gráfico y la Música, y es que realmente son dos lenguajes que van cogidos de la mano desde siempre. Ambos se aportan y enriquecen mutuamente, incluso se necesitan para funcionar. ¿Qué proyecto musical no lleva detrás un profundo estudio de diseño de imagen visual? Detrás de la producción de un disco hay diseñadores de todo tipo: gráficos, publicitarios, editoriales, técnicos… Y es que, como sabemos, el diseño gráfico se centra en la definición de la identidad visual de una empresa, producto o servicio. En este caso el producto es musical.

Son dos tipos de arte, dos lenguajes capaces de despertar sentimientos y emociones en el público que los percibe.

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Ambas comparten muchos conceptos a la hora de hablar de ellos. Por ejemplo: el tono, el ritmo, la armonía, la repetición, la intensidad… Seguro que tanto diseñadores como músicos conocen esos términos en su lenguaje, y no son tan diferentes entre sí. Pero, sobre todo, lo que tiene en común es la creatividad. Un buen diseño, así como una buena música, están basados en esta cualidad clave. Tanto uno como otro deben estar en permanente búsqueda y experimentar nuevas sensaciones que les permita expresarse y crear algo que, además de gustarles a sí mismos, despierten en los demás una reacción positiva.

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Lo que sí es cierto es que, como he comentado antes, detrás de un proyecto musical existe un profundo estudio de identidad visual. No sólo el diseño se centra en la portada del disco, sino en la imagen global que quiere transmitir dicho proyecto musical. El diseño se convierte así en un vehículo para llegar a su público. Cada tipo de música tiene un público objetivo al que pretende llegar, una personalidad y unos valores que quiere transmitir, una competencia de la que destacar… y el diseño gráfico conoce el lenguaje visual que debe utilizar para conseguir todo esto, ayudará a crear una audiencia.

Al igual que todo esto, pienso que acompañar una serie de imágenes con una melodía adecuada puede envolver al espectador de tal forma que multiplique la emoción y el sentimiento de la imagen. Esto se utiliza en muchas galerías de arte, que acompañan la exposición (casi siempre centrada en un tema concreto) con música intencionada.

Como conclusión, tomar nota de grandes trabajos de diseño de identidad visual en el mundo de la música aportará nuevas soluciones a la hora de plantear nuevos proyectos.

El post-it hecho arte

Aquellos papelitos de colores que andan adheridos por todas partes, mejor conocidos como Post-It, se encuentran en la lista de los 100 inventos que cambiaron el mundo.

¿Cómo surgieron los Post-It?

Los Post-It fue un invento del químico Dr. Spencer Silver, quien trabajaba para la compañía 3M en el año de 1968 como Científico Ejecutivo en el Laboratorio de Investigación Corporativa. Su trabajo era encontrar un pegamento de alta capacidad que pudiera ser usado en la construcción de aviones. Sin embargo, el resultado fue un pegamento de alta calidad pero lo suficientemente débil como pegar dos hojas y luego despegarlas sin dañarlas.

En 1974 otro científico de la compañía 3M, Art Fry, quien también participaba en el coro de una iglesia se enfrenta al problema de perder la página en el libro de himnos, obligándolo a buscar desesperadamente la página correcta durante las presentaciones. En uno de esos momentos, recordó el invento de Spencer y comenzó a idear una solución que finalmente terminaría en volverse una innovación para nuestro mundo. Fry toma un pedazo de papel de la oficina, que tenía el color amarillo que terminó en volverse el color oficial y lo unta del pegamento. Estos papelitos tenían la capacidad de mantenerse adheridos por mucho tiempo y podían ser reutilizados sin perder su efectividad.

Para 1977, 5 años después de la invención del pegamento, Art Fry logra superar los obstáculos de la fabricación para producir suficientes Post-It y los distribuye en todas las oficinas corporativas de 3M.

En 1978, los representantes de ventas de 3M se dan cuenta que el secreto está en dar muestras gratis, tal como ocurrió con los empleados de la compañía, para lograr el éxitos. El resultado: 90% de los consumidores de oficinas que los probaron quedaron aficionados, así que los dirigentes de 3M dan luz verde para la producción en grandes cantidades bajo el nombre de Post-It.

En 1980 se realiza el lanzamiento para Estados Unidos. En 1981 se introducen al mercado de Canadá y Europa. Hoy en día existen más de 600 productos Post-It en más de 100 países, siempre han sido fabricados de materiales reciclados, se encuentran en 8 tamaños 25 formas y 62 colores diferentes, los encontramos en todas las oficinas, hogares, bibliotecas, paredes, muros, neveras y hasta en la pantalla de tu pc.

El post it hecho arte

Otro de los muchos usos que se le han dado es el Arte. Ya que es un material muy asequible, fresco, y muy accesible… El cual puede tener muchísimas aplicaciones, el límite es el cielo. En Internet podemos encontrar varios artistas con sus obras repletas de estos papelitos. Unos ejemplos bastante buenos son los siguientes:

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I LOVE NY Historia de una marca

Tanto si has estado en Nueva York como no seguro que conoces el logo I LOVE NY pero, ¿sabías que es una marca? ¿y el dinero que mueve y su trascendencia económica?

En los 70’s la ciudad de Nueva York pasaba por uno de sus peores momentos, la delincuencia alcanzaba niveles altísimos, había una epidemia de crack y cocaína y muchos barrios estaban completamente deteriorados.

La ciudad estaba fuera de control. Además las arcas del Estado estaban vacías y el Presidente Ford denegó la asistencia federal para evitar que el Estado de Nueva York cayera en bancarrota. Fue entonces cuando el Departamento de Desarrollo Económico de NY decidió emprender una campaña publicitaria para generar turismo.

Primer boceto de Milton Glaser

Primer boceto de Milton Glaser

Para ello encargó a Milton Glaser la creación de un logo. La inspiración puede llegar en cualquier parte y en este caso fue en un taxi, una tarde lluviosa del 1976, donde dibujó el primer boceto, posteriormente cambió la colocación de los caracteres y diseñó la tipografía.

Cualquiera podría pensar que el diseñador de este logo mundialmente conocido se hizo inmensamente rico con su creación pero no fue así. Glaser, pensando que sería una campaña publicitaria de 3 meses, hizo su diseño pro bono, en beneficio de la ciudad de Nueva York y recibió a cambio 2000 $ por los gastos de producción.

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Marca registrada

El signo durante su primera década de vida se usó libremente para fomentar el turismo y mejorar la reputación de la ciudad pero según pasaba el tiempo su éxito aumentó tanto que el estado de NY decidió registrarlo como marca en 1988.

Tanto en la normativa marcaria americana como en la española, el titular tiene derecho a impedir que terceros sin su consentimiento usen un signo igual o similar para productos similares o iguales. Es decir, a partir del momento en que se registra la marca “I love NY” aquél que desee usarla debe solicitar una licencia al titular, en este caso el Estado de Nueva York. Asimismo, el titular de la marca puede oponerse al registro por terceros de signos que sean iguales o similares para productos o servicios iguales o similares.

En nuestro caso, desde que se registró la marca en la Oficina de Patentes y Marcas estadounidense el Estado de Nueva York ha enviado miles de requerimientos para que cesara el uso ilícito del logo y se han opuesto a aproximadamente 4000 registros de marca. Además el merchandising oficial marcado con el logo genera anualmente casi 30 millones de dólares. Viendo estas cifras, lo más llamativo es que su diseñador no haya reclamado parte de los beneficios.

 

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