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orígenes del packaging urban comunicacion

Orígenes del packaging

¿Qué es el Diseño Editorial?

En una sociedad donde los seres humanos tienen hasta un 90% de más memoria visual que auditiva o kinestésica, queda claro porque el impacto de las imágenes es tan vital para cuanto medio impreso o virtual existe. Esta característica, naturalmente, obliga a cada libro, revista, periódico u otro similar, a causar una buena impresión de entrada. ¿Por qué el Diseño Editorial es tan importante?

La gente compra un medio, por el estímulo visual que representan sus páginas (iniciales o finales), por la contundencia del diseño exterior o interior de la publicación y el concepto gráfico condensado en él. El potencial comprador, en poquísimos segundos, examina los detalles visibles y posibles y hace su elección. Y aunque no lo crea, lo ve prácticamente todo. Desde la imagen de la portada, la contraportada, el color, los títulos, la organización de la información, la línea gráfica editorial que supone y todo lo que a su juicio la hace sobresalir de otros textos o páginas web. 

El diseño por tanto, es la llave de acceso a la popularidad, por lo que se comprende la necesidad de poseer una gráfica que destaque por sobre los demás. Esto se constata a cada momento, en cualquier librería que se recorre, en la biblioteca que se camina, en el puesto de venta de periódico al que acude, en los anaqueles de revistas de los centros comerciales que se frecuentan. Lo primero que elegimos es lo que más nos atrae visualmente. Así ha sido desde que la industria gráfica, potenciada por el perfeccionamiento del software de diseño, alcanzó su madurez. Todas las grandes publicaciones y periódicos que han tenido éxito (desde Rolling StonesTimeEl País de España, etcétera) lo han sabido. La primera impresión cuenta. Y mucho.

El Diseño Editorial es la estructura y composición que forma a libros, revistas, periódicos, catálogos, caratulas, volantes, afiches, entre otros. Es la rama del diseño grafico que se enfoca de manera especializada en la estética y diseño tanto del interior como el exterior de los textos. Decimos especializada porque cada tipo de publicación tiene necesidades de comunicación particulares.

Ningún proyecto de línea editorial puede parecerse al de otro salvo en aspectos generales.

Hay un tipo de diseño único para cada tipo de publicación, por lo cual se requiere de profesionales capaces de alcanzar un equilibro simétrico entre el texto y la parte gráfica.

Por tanto, un excelente diseño editorial radica en lograr una unidad armónica y comunicativa entre el interior, exterior y contenido del texto. ¿Cómo se logra eso? Teniendo en cuenta una variedad de factores. En principio, lograr una coherencia gráfica y comunicativa entre el interior, el exterior y el contenido de una publicación. No se puede armar, por ejemplo, una revista de temas literarios con el aspecto de una publicación deportiva. Ni sugerir variedad de colores para una revista de esencia política. Cada tipo de publicación tiene sus especificaciones desde lo estético hasta el contenido, derivadas de los objetivos editoriales y según a qué tipo de público va dirigida la publicación (aspectos sociales, culturales y de género).

Para lograr el mercadeo exitoso de cualquier publicación, también es importante tener en cuenta la evolución y las tendencias del género en el que estará. Ya sea negativo o positivo, los diseños editoriales de otras publicaciones deben ser considerados como referentes a la hora de emprender la tarea de crear un nuevo diseño editorial para sacar mejores conclusiones. Es evidente que las tendencias y estilos de diseños de todo tipo cambian y evolucionan a través del tiempo. No es el mismo un diseño de los años 90 a uno actual y no apelan a las necesidades y gustos de la misma manera. El estilo y las tendencias actuales son clave para el mercadeo exitoso de toda publicación.

 

Tarjetas creativas

Hoy hablaremos de la importancia de tener una buena tarjeta de visita para nuestro negocio, sobretodo si es diferente a lo demás y original e innovadora. Una tarjeta de presentación puede marcar la diferencia, por eso debe de diseñarla de manera creativa y lograr destacar de entre la multitud, incluso mostrar un poco de lo bien que sabes hacer tu trabajo como diseñador.

Sea o no para ti el diseño, las tarjetas de presentación que crees serán una carta de presentación de tu trabajo, pues representan lo que mejor sabes hacer y tus ideas.

No olvides los principios básicos
Aunque parezca obvio, no debes dejar de pasar los principios básicos como la sangría de 5 milímetros para el corte, 300 dpi en el caso de usar imágenes, tamaños legibles en la tipografía, colores CMYK.

El tamaño importa
Se recomienda un tamaño de 55×85 milímetros, que es la medida de una tarjeta de crédito, aunque existen otras medidas, pero un buen diseño siempre puede ocupar un espacio pequeño sin perder atracción.

No obvies el margen de error
Mantén una sangría apropiada de entre 3 y 5 milímetros, evita el borde sencillo, pues podría quedar desalineada a la hora de cortarla.

Acabados especiales
Los acabados especiales pueden generar un impacto muy positivo. Algunos de ellos son las tintas especiales, standings, texturas, diseños metálicos, entre otros. Toma en consideración que los costes se elevan, pero será visualmente mas impresionante y atrayente.

algunos ejemplos:

 

 

Historia del emoticono

Qué sería de Internet, móviles y tablets hoy en día sin los emoticonos. Las conversaciones que al final te ponen la cara sonriente 🙂 . Pero ¿a quién se le ocurrió utilizar estos símbolos por primera vez? Esta es la historia de los emoticonos.

Como habrás podido comprobar en más de una ocasión, puede ser difícil saber cuando alguien está siendo sarcástico por escrito. Y esto era tan cierto en 1982 como lo es ahora. El 19 de septiembre de ese año, el profesor e investigador Scott E. Fahlman de la Carnegie Mellon University Computer Science formaba parte de una discusión en un foro sobre el estado de un grupo de ascensores, algo que terminó siendo una auténtico caos.

La discusión llegó a tal punto de bromas y estupideces, que los participantes no sabían si los ascensores subían o bajaban por estar haciendo chistes todo el rato. Alguien sugirió poner un asterisco después de los comentarios irónicos. Otro prefirió utilizar el signo de porcentaje y combinaron los dos:

“¿Y si usamos * para chistes buenos y % para chistes malos? Incluso podríamos utilizar *% para los chistes que son tan malas, que son buenos”.

La idea maestra

smile

A partir de ahí comenzaron a discutir por la utilización de otros signos. Algunos querían utilizar ‘&’ porque les recordaba a un hombre gordo teniendo convulsiones de tanto reir. Fue entonces cuando Fahlman intervino con la invención que cambiaría la forma en que nos comunicamos online:

Propongo la siguiente secuencia de caracteres para indicar las bromas:🙂

Léanlas de lado. Y para marcar las cosas que no son bromas, dadas las tendencias actuales, utilicen:🙁

Ya se había tratado de utilizar dispositivos de texto para transmitir emociones a lo largo de la historia, pero ninguno había triunfado tanto como lo hizo la idea de Fahlman. Está claro que ahora es mucho más fácil expresar una emoción con los emojis tan utilizados hoy en dia.

¿Cómo se retocaban las fotos antes del Photoshop?

Hoy en día rodeados continuamente de portadas, de revistas, anuncios, todas con fotos perfectas, modelos de piel de bebé, sin celulitis, con la iluminación perfecta… y todo gracias al tan famoso Photoshop. Pero no os habéis preguntado nunca  ¿Cómo se retocaban las fotos antes del Photoshop?

Los retoques fotográficos no son cosa exclusiva de los tiempos actuales. Desde el nacimiento de la misma fotografía, los profesionales de este medio ya retocaban las imágenes bien para hacer retoque, o para pulir sus imperfecciones. El fotógrafo británico Tony Richards explica que los  cámaras británicos de principios del siglo XX, usaban un lápiz para perfeccionar sus imágenes, obtenidas con la técnica del colodion húmedo.

No es muy común que fotógrafos ni editores gráficos muestren los secretos de su trabajo de forma tan abierta como lo hace Magnum Photos. El que fuera responsable de impresión en la agencia, Pablo Inirio, explicó hace tiempo cómo era el trabajo de editar, retocar y mejorar fotos décadas antes de que existiera Photoshop. Si aún no lo has visto, merece mucho la pena.

El arte de transformar una foto cualquiera en una imagen espectacular

Por los 66 años de historia de Magnum, y por las manos de Inirio, han pasado algunas de las fotos más icónicas de la historia. Y fue en su sala de revelado donde tuvo lugar un laborioso y cuidado proceso de retoque de forma tradicional, sin software ni ordenadores de por medio.

Lo que ves arriba son fotos del antes y después de ese proceso. Editar implicaba marcar con meticulosidad las zonas de la foto en las que querías hacer cambios (mejorar la luz, oscurecer…) y revelar decenas de veces de nuevo la imagen modificando con los materiales químicos justo las zonas a alterar.

No solo había que tener una paciencia infinita en el trabajo, había que ser además un auténtico maestro en ello. Antes, el proceso de editar y retocar una foto podía durar horas, o días. Hoy es instantáneo. Un concepto que Photoshop ha llevado al mundo profesional e Instagram a la masa. ¿Mejor la era de Photoshop que la de antes? Diferente.

Diseño Gráfico y la Música la combinación perfecta

La relación que hay entre el Diseño Gráfico y la Música, y es que realmente son dos lenguajes que van cogidos de la mano desde siempre. Ambos se aportan y enriquecen mutuamente, incluso se necesitan para funcionar. ¿Qué proyecto musical no lleva detrás un profundo estudio de diseño de imagen visual? Detrás de la producción de un disco hay diseñadores de todo tipo: gráficos, publicitarios, editoriales, técnicos… Y es que, como sabemos, el diseño gráfico se centra en la definición de la identidad visual de una empresa, producto o servicio. En este caso el producto es musical.

Son dos tipos de arte, dos lenguajes capaces de despertar sentimientos y emociones en el público que los percibe.

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Ambas comparten muchos conceptos a la hora de hablar de ellos. Por ejemplo: el tono, el ritmo, la armonía, la repetición, la intensidad… Seguro que tanto diseñadores como músicos conocen esos términos en su lenguaje, y no son tan diferentes entre sí. Pero, sobre todo, lo que tiene en común es la creatividad. Un buen diseño, así como una buena música, están basados en esta cualidad clave. Tanto uno como otro deben estar en permanente búsqueda y experimentar nuevas sensaciones que les permita expresarse y crear algo que, además de gustarles a sí mismos, despierten en los demás una reacción positiva.

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Lo que sí es cierto es que, como he comentado antes, detrás de un proyecto musical existe un profundo estudio de identidad visual. No sólo el diseño se centra en la portada del disco, sino en la imagen global que quiere transmitir dicho proyecto musical. El diseño se convierte así en un vehículo para llegar a su público. Cada tipo de música tiene un público objetivo al que pretende llegar, una personalidad y unos valores que quiere transmitir, una competencia de la que destacar… y el diseño gráfico conoce el lenguaje visual que debe utilizar para conseguir todo esto, ayudará a crear una audiencia.

Al igual que todo esto, pienso que acompañar una serie de imágenes con una melodía adecuada puede envolver al espectador de tal forma que multiplique la emoción y el sentimiento de la imagen. Esto se utiliza en muchas galerías de arte, que acompañan la exposición (casi siempre centrada en un tema concreto) con música intencionada.

Como conclusión, tomar nota de grandes trabajos de diseño de identidad visual en el mundo de la música aportará nuevas soluciones a la hora de plantear nuevos proyectos.

El post-it hecho arte

Aquellos papelitos de colores que andan adheridos por todas partes, mejor conocidos como Post-It, se encuentran en la lista de los 100 inventos que cambiaron el mundo.

¿Cómo surgieron los Post-It?

Los Post-It fue un invento del químico Dr. Spencer Silver, quien trabajaba para la compañía 3M en el año de 1968 como Científico Ejecutivo en el Laboratorio de Investigación Corporativa. Su trabajo era encontrar un pegamento de alta capacidad que pudiera ser usado en la construcción de aviones. Sin embargo, el resultado fue un pegamento de alta calidad pero lo suficientemente débil como pegar dos hojas y luego despegarlas sin dañarlas.

En 1974 otro científico de la compañía 3M, Art Fry, quien también participaba en el coro de una iglesia se enfrenta al problema de perder la página en el libro de himnos, obligándolo a buscar desesperadamente la página correcta durante las presentaciones. En uno de esos momentos, recordó el invento de Spencer y comenzó a idear una solución que finalmente terminaría en volverse una innovación para nuestro mundo. Fry toma un pedazo de papel de la oficina, que tenía el color amarillo que terminó en volverse el color oficial y lo unta del pegamento. Estos papelitos tenían la capacidad de mantenerse adheridos por mucho tiempo y podían ser reutilizados sin perder su efectividad.

Para 1977, 5 años después de la invención del pegamento, Art Fry logra superar los obstáculos de la fabricación para producir suficientes Post-It y los distribuye en todas las oficinas corporativas de 3M.

En 1978, los representantes de ventas de 3M se dan cuenta que el secreto está en dar muestras gratis, tal como ocurrió con los empleados de la compañía, para lograr el éxitos. El resultado: 90% de los consumidores de oficinas que los probaron quedaron aficionados, así que los dirigentes de 3M dan luz verde para la producción en grandes cantidades bajo el nombre de Post-It.

En 1980 se realiza el lanzamiento para Estados Unidos. En 1981 se introducen al mercado de Canadá y Europa. Hoy en día existen más de 600 productos Post-It en más de 100 países, siempre han sido fabricados de materiales reciclados, se encuentran en 8 tamaños 25 formas y 62 colores diferentes, los encontramos en todas las oficinas, hogares, bibliotecas, paredes, muros, neveras y hasta en la pantalla de tu pc.

El post it hecho arte

Otro de los muchos usos que se le han dado es el Arte. Ya que es un material muy asequible, fresco, y muy accesible… El cual puede tener muchísimas aplicaciones, el límite es el cielo. En Internet podemos encontrar varios artistas con sus obras repletas de estos papelitos. Unos ejemplos bastante buenos son los siguientes:

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I LOVE NY Historia de una marca

Tanto si has estado en Nueva York como no seguro que conoces el logo I LOVE NY pero, ¿sabías que es una marca? ¿y el dinero que mueve y su trascendencia económica?

En los 70’s la ciudad de Nueva York pasaba por uno de sus peores momentos, la delincuencia alcanzaba niveles altísimos, había una epidemia de crack y cocaína y muchos barrios estaban completamente deteriorados.

La ciudad estaba fuera de control. Además las arcas del Estado estaban vacías y el Presidente Ford denegó la asistencia federal para evitar que el Estado de Nueva York cayera en bancarrota. Fue entonces cuando el Departamento de Desarrollo Económico de NY decidió emprender una campaña publicitaria para generar turismo.

Primer boceto de Milton Glaser

Primer boceto de Milton Glaser

Para ello encargó a Milton Glaser la creación de un logo. La inspiración puede llegar en cualquier parte y en este caso fue en un taxi, una tarde lluviosa del 1976, donde dibujó el primer boceto, posteriormente cambió la colocación de los caracteres y diseñó la tipografía.

Cualquiera podría pensar que el diseñador de este logo mundialmente conocido se hizo inmensamente rico con su creación pero no fue así. Glaser, pensando que sería una campaña publicitaria de 3 meses, hizo su diseño pro bono, en beneficio de la ciudad de Nueva York y recibió a cambio 2000 $ por los gastos de producción.

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Marca registrada

El signo durante su primera década de vida se usó libremente para fomentar el turismo y mejorar la reputación de la ciudad pero según pasaba el tiempo su éxito aumentó tanto que el estado de NY decidió registrarlo como marca en 1988.

Tanto en la normativa marcaria americana como en la española, el titular tiene derecho a impedir que terceros sin su consentimiento usen un signo igual o similar para productos similares o iguales. Es decir, a partir del momento en que se registra la marca “I love NY” aquél que desee usarla debe solicitar una licencia al titular, en este caso el Estado de Nueva York. Asimismo, el titular de la marca puede oponerse al registro por terceros de signos que sean iguales o similares para productos o servicios iguales o similares.

En nuestro caso, desde que se registró la marca en la Oficina de Patentes y Marcas estadounidense el Estado de Nueva York ha enviado miles de requerimientos para que cesara el uso ilícito del logo y se han opuesto a aproximadamente 4000 registros de marca. Además el merchandising oficial marcado con el logo genera anualmente casi 30 millones de dólares. Viendo estas cifras, lo más llamativo es que su diseñador no haya reclamado parte de los beneficios.

 

¿Que es color Pantone y por qué se utiliza?

Todos nos hemos preguntado alguna vez como hacer que un color sea igual independientemente del soporte en que se aplique.

Para ello existe los colores Pantone, propiamente dicho, es una corporación/empresa norteamericana creadora del Pantone Matching System (PMS), un sistema que permite identificar colores para impresión por medio de un código determinado, es un sistema universal de colores.

Pantone produce las internacionalmente conocidas Guías Pantone (o también llamadas, Cartas Pantone”, que no son otra cosa más que tiras de papel-cartón de determinado gramaje y textura (coated, uncoated) con la impresión de una muestra de color, su nombre y formulas para obtenerlo, pero, ¿por qué son tan mencionadas y socorridas en el mundo del diseño?

Estas guías, te permiten, independientemente del sistema operativo que uses, monitor o pantalla, programa de edición de imágenes o de gráficos vectoriales de tu preferencia, tomando en cuenta que las pantallas muestran el color en modo RGB, que el color de salida en impresión sea el correcto, ya sea en Plotter o en Offset o en Offset digital, lo cual permite que siempre veamos el mismo amarillo de McDonald’s o el rojo de Coca-Cola (en CMYK).

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¿Por qué debemos usarlo?

Para empezar, partamos de la siguiente problemática: ¿Cómo explicar a la imprenta de forma exacta y precisa qué color queremos que impriman en nuestros artículos promocionales?

Evidentemente, podemos enviar por e-mail una imagen, pero nunca los colores serán iguales porque éstos no se visualizan de igual forma en cada pantalla. Cada pantalla o monitor de ordenador es diferente, las impresoras también son distintas, y aunque el equipo esté calibrado con tinta PANTONE, lo que se percibe en la pantalla no será totalmente exacto porque contiene numerosos matices.

Es por esto que se han creado los colores PANTONE. Se trata, ni más ni menos, de un código para identificar los colores a fin de facilitar la comunicación e impedir que se cometan errores. Así, cuando digamos a nuestro impresor: “quiero imprimir en color rosa 1767C”, podemos estar absolutamente seguro que el resultado será justo el que deseamos. O cuando nuestro cliente nos diga: “el fondo del dibujo es de color verde” podremos mostrarle los colores PANTONE para que escoja el tono exacto en el que está pensando.

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