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uno diseño grafico

la baraja del uno reinventada

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¿Conocíais Mattel Creations? Yo acabo de hacerlo, y os explico. Para celebrar el 75 aniversario de creación de la marca, han lanzado una línea de juegos rediseñados por artistas punteros, donde reinventan juegos clásicos como el UNO o la Barbie.

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Nina Chanel Abney es una artista nacida en Chicago, aunque residente en Nueva York con un estilo artístico que se caracteriza por un uso vigoroso del color y de las formas geométricas. La artista define su obra como «Una composición audaz y colorida de figuración y abstracción».

Hasta ahora, la colaboración con artistas para el rediseño de la baraja de UNO se limitaba a plasmar la obra ya creada de Basquiat y Haring, artistas que ya habían fallecido en el momento de la colaboración, la baraja de Nina es la primera donde un artista vivo, y muy fan del juego, rediseña la baraja.

La baraja que propone Nina está llena de personajes ilustrados que expresan emociones según el significado de la carta. Los números y la tipografía se alteran y desordenan, aparecen en distintos tamaños, interletrados, interlineados y alineación. Aunque algo caótico para mi gusto, no se le puede discutir la originalidad y lo llamativo de sus obra. La artista, incluso, ha creado algunas cartas nuevas para añadir más diversión al juego.
Además esta baraja tiene un trasfondo social,  ya que se creó en colaboración con Pharrell’s Black Ambition, una organización sin ánimo de lucro que proporciona soporte a empresarios negros y latinos que están lanzando tecnología, diseño y atención médica, Mattel proporcionará una donación económica a esta causa.
urban comunicación

El blog, ese gran aliado para posicionar tu web

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El marketing de contenidos es la estrategia de marketing más usada y más efectiva para las empresas durante los últimos tiempos. Para realizar una estrategia de contenidos correcta es imprescindible crear un blog que sirva para ofrecer a tus clientes información relevante relacionada con una determinada actividad.

Pero además, un blog que cumpla con ciertos requisitos también sirve para mejorar el posicionamiento web. Te ofrecemos una guía básica con los aspectos que debes cuidar en tu blog para mejorar tu SEO y lograr así atraer más clientes y mejorar las ventas de tu negocio.

Planifica las palabras clave

keyword-planner

El uso de las palabras clave adecuadas para tu sector de negocio es un aspecto fundamental para lograr mejorar tu posicionamiento web.

Cada vez que elaboras un artículo para tu blog debes incluir ciertas palabras claveque ayuden a Google a conocer de qué trata tu página web y con ello mejorar tu SEO.

Para conocer qué palabras clave usar debes utilizar en tus post te recomendamos la herramienta de palabras clave de google Adwords o planificador de palabras clave. Gracias a esta increible (y gratuita herramienta de google) podrás conocer aspectos tan interesantes como competencia, promedio de búsquedas mensuales de una keyword en concreto o bien investigar más acerca de ideas de palabras clave relacionadas que nos proporciona la herramienta. Conocer estos datos te ayudará a decidir que palabras clave debes atacar con tu estrategia de marketing de contenidos. Otras herramientas interesantes son semrush o Xovi, ambas son herramientas de pago pero son muy valiosas para crear una buena estrategia de marketing de contenidos o bien comprobar el ranking de las palabras clave posicionadas de un sitio web. También son herramientas perfectas para estudiar a tu competencia y conocer más acerca de la estrategia que están utilizando para su posicionamiento.

Te recomendamos tener siempre en cuenta el nivel de competencia y el rédito que puedes lograr con tus keywords antes de escribir un artículo. Esta parte es fundamental en tu estrategia de marketing y te ayudará a saber como competir en tu estrategia de marketing de contenidos.

 

Imágenes IMPACTANTES

cuida-tus-imagenes

Las imágenes de tus post deben estar bien optimizadas. Para ello puedes utilizar algunas herramientas para reducir el peso de las imágenes sin dejar de lado la calidad de las mismas, por ejemplo Tinyjpg o si utilizas wordpress otra herramienta interesante es WP Smush-it.

Por otro lado, debes cuidar que las imágenes sean de calidad y sirvan para ilustrar elcontenido de tus artículos. Recuerda eso de una imagen vale más que mil palabras y busca que éstas llamen la atención del usuario, o puedan ayudarle a entender mejor de que trata tu contenido y complementen el texto.

Es importante que el usuario no se aburra cuando lea tus artículos por eso es fundamental lograr que tus artículos sean completos, pero también sencillos de leer y comprender por la persona interesada.

Etiquetas alt y title.

Otro aspecto que debes cuidar es rellanar las etiquetas “title” y “alt” de cada una de las imágenes, ya que ayudan a Google a conocer el contenido del artículo. Rellénalas siempre

No PLAGIES nunca el contenido

Investiga y saca tus propias conclusiones, puedes basarte y además es recomendable hacerlo en referentes de tu sector para escribir los artículos. Es recomendable basarse en varias fuentes, organizar el contenido y darle luego tu toque personal. De esta manera evitas ser penalizado y además ofrecer algo diferente al resto.

Tamaño de los artículos en tu blog

El tamaño de los artículos también es importante, los artículos de 600 u 800 palabras posicionan mejor que los artículos cortos.

Para ello debes investigar y sacar conclusiones que puedan ser interesantes. No se trata de escribir por escribir, se trata más bien de de pensar en el usuario y ofrecerle valor y «olvídate» del SEO un poco. No escribas como un robot o repitas una y otra vez una palabra clave para posicionarla (también corres riesgo de ser penalizado por ello). Así que te recomendamos que escribas siempre poniéndote en el lugar de la persona que va a leer tu post y si, es recomendable seguir algunas pautas para SEO, pero intenta que tus textos sean naturales y lograrás enganchar a tu audiencia. Si lo logras el éxito estará asegurado y con paciencia y perseverancia el posicionamiento llegará.

Frecuencia de publicación

 

No es necesario publicar cada día (si se puede, manteniendo la calidad, perfecto, pero para ello puede ser necesario tener un equipo dedicado única y exclusivamente a generar contenido) si no es el caso recuerda esto: la calidad siempre debe ir por delante de la cantidad. Intenta publicar artículos bien pensados y estructurados, pensando siempre en el usuario.

Esto evidentemente lleva su tiempo con lo cual debes tenerlo en cuenta y marcarte un calendario editorial que puedas cumplir.

Tres post a la semana es un número correcto, uno al mes como mínimo (dependiendo de tu disponibilidad) dedica tiempo a escribir e intenta cumplir los plazos editoriales que te has marcado. Con el tiempo llegarán los resultados y no te arrepentirás.  Un consejo, intenta publicar tus artículos entre semana ya que los fines de semana el impacto será menor.

Redes sociales

REDES-SOCIALES-POST

Twitter, Facebook, Instagram y Google + son las principales redes sociales y Google cada vez las tiene más en cuenta a la hora de posicionar un sitio web. Comparte cada artículo en las mismas y logra que tus seguidores que las compartan en sus propias redes ¿Cómo? sencillo. Si les resulta interesante lo harán. Con esto lograrás impulsar aún más el alcance de tus artículos. Con el tiempo tendrás una buena cantidad de material y llegado un punto es muy recomendable que mantengas vivos tus antiguos post, volviéndolos a compartir en redes sociales, incluso actualizando el contenido de los mismos y volviéndolos a compartir. Eso sí, no insistas una y otra vez con los mismos artículos, intenta siempre ofrecer variedad e interactuar con tu comunidad y no siempre compartas cosas acerca de tu empresa. Se aburrirán.

 

redes sociales barcelona

Cuentas de instagram muy creativas

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Hoy en día, la visibilidad en al redes sociales es sumamente importante, todos queremos visibilidad y followers , pero todo depende de la originalidad de tu contenido. A continuación te mencionamos algunas cuentas de Instagram más que interesantes , tanto por su contenido como por sus impresionantes fotos.

 

@archivoda

La primera cuenta es sobre el ARCHIVO Diseño y Arquitectura. Ahí encuentras fotos de objetos creativos y edificios con buen diseño.

 

@logoarchive

Esta cuenta se encarga de publicar logotipos originales y creativos. Hechos por diseñadores de todas partes del mundo.

Algunos de estos logotipos, son de empresas que en la actualidad ya no existen. O existen pero con otro nombre.

De hecho ese es el objetivo de la cuenta; buscar, restaurar, recuperar y preservar viejos logotipos.

@mike_stout_tattoo

Ésta cuenta en Instagram es para los que les gustan los tatuajes. Tatuajes pequeños, minimalistas y en color negro.

Pareciera que estos tatuajes estuvieran elaborados con la técnica de puntillismo.

A pesar de su diminuto tamaño, en los tatuajes se ven diferentes  elementos y objetos.

@mariomaple

Mario Maple es un artistas que le encanta hacer dibujos con temas surrealistas.

En su cuenta de Instagram,  tiene una serie de dibujos con rostros de mujeres. Pero esas mujeres tienen alguna deformación en el rostro.

Son de esos dibujos grotescos, raros y extraños, pero que no puedes dejar de ver.

Precisamente por eso mismo, son dibujos muy pintorescos que no puedes dejar de observarlos.

@borisgroh

Boris Groh, también es un artista que hace dibujos surrealistas. Pero sus ilustraciones son más del tipo futuristas.

Casi en todas las ilustraciones dibuja a una esqueleto de un gigante. Ese esqueleto se la pasa caminando por ciudades destruidas.

Pero también tiene otras ilustraciones hechas con el mismo estilo. Pero en lugar de esqueletos, dibuja cucarachas gigantes.

@arthur_louis_ignore

Ali es un artista urbano que decora las calles de las ciudades, con tapetes.

Estos tapetes son efímeros, porque los hace con pintura blanca. Con el paso del tiempo, los tapetes, poco a poco van desapareciendo.

Lo interesante de los tapetes, es su diseño. Algunos son muy elaborados y otros son como si tuvieran un efecto de pixelado.

@iherok

Y para terminar, la cuenta de Irenaeus Herok.

Tiene una serie de fotografías aéreas de carreteras en Dubai, cubiertas casi por completo por arena.

Notas que son carreteras, porque se alcanza a ver una pequeña porción de la carretera.

O porque se puede ver un pequeño automóvil, tratando de abrirse camino entre montañas de arena.

Breve historia del Packaging

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Una llamativa presentación puede hacer la diferencia que toda marca anhela para instalarse en las preferencias del público. Es en esa importante misión cuando el Packaging – el arte y tecnología de construir empaques- aparece nítido en el horizonte publicitario como un medio para conseguir que esa primera impresión más que un momento, sea una cuestión de largo tiempo.

En 1966, Ruben Rausing, fundador de la revolucionaria Tetra Pak, dijo que el secreto de un buen empaque es la conexión que propone y el concepto práctico del ahorro antes que el costo. Aunque pragmática, esta afirmación pinta de cuerpo entero lo que significa el packaging, un término de la lengua inglesa que aunque la Real Academia Española (RAE) no incluye en su diccionario, significa en el sentido estricto: la ciencia, el arte y la tecnología de inclusión o protección de productos para la distribución, el almacenaje, la venta, y el empleo. Esto mismo, en pocas palabras, sugiere el cúmulo de procedimientos por el cual una empresa destina esfuerzos para que su producto tenga la mejor presentación posible a través del mejor empaque, transmitiendo valores de marca y su posicionamiento dentro de un mercado. Comercialidad pura.

web low cost barcelona

Publicidad de Jabón Sunlight – 1899

Aunque hoy se asume como inconcebible que un producto venga sin empaque, en realidad hace poco más de un siglo y medio, era la regla general. No podía ser de otra manera. Ante la falta de consumidores críticos y sociedades que más que el bienestar luchaban por sobrevivir, la idea de presentar mejor un producto, sea cual fuese, era considerado innecesario y sobre todo costoso. La revolución que significó para la humanidad la era industrial y las comunicaciones propició un cambio en el pensamiento y puso la primera piedra para la construcción de nuevas necesidades. De ese tiempo data el primer ejercicio real de packaging conocido –además de licores y medicinas- cuando en 1885 el empresario William Lever decidió envasar su jabón bajo la marca comercial Sunlight, dotándole de una personalidad innovadora y amigable que en poco tiempo borró del mapa a sus competidores.

Breve historia del packaging

Desde entonces, el arte de personalizar los productos se hizo masivo y general. Los propios adelantos tecnológicos y la consiguiente renovación de las técnicas de impresión, sumado al aumento de la alfabetización y el enriquecimiento de las naciones del primer mundo, permitieron que literalmente “ejércitos” de potenciales consumidores exigieran una mayor calidad y asimismo, entender sin problemas el discurso (no información) contenido en las etiquetas. A pesar de la informalidad y modestia de los pioneros, la idea de desarrollar un packaging con una identidad definida que vendiera bien el producto, quedó grabada en el ADN de las firmas para siempre. Nunca más productos anónimos y desapercibidos. Nunca más artículos sin emociones, sin cualidades empáticas y especialmente, dirigidos a nadie.

Entonces fue como una revelación. Tan así que más tarde, ya en los años 20, la inquietud por presentarse adecuadamente ante los compradores caló tan hondo que se convirtió en moneda corriente encontrar tiendas en Inglaterra, los Estados Unidos o Alemania, que ya vendían envasadas prácticamente la mitad de sus mercancías. Y en todas ellas –como ocurre hoy- se confirmó que las marcas además de vender un producto, iniciaron una competencia directa por ofrecer a los clientes la mejor experiencia. Otros hechos ayudaron a que el mercado se agrandara más. Entre ellos, la invención de la refrigeradora, que alargó la vida de los productos perecibles desarrollando la demanda de envasados, y por otro lado, el uso generalizado del automóvil que llevó a las personas a recorrer mayores distancias en busca de mejores ofertas y precios. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial y con el surgimiento de autoservicio, el packaging comienza a tomar mayor vigor comercial gracias a un hecho fundamental: Desaparece el vendedor y con él, el prescriptor que aconsejaba la elección de un producto u otro.

Los años siguientes y una multitud de hechos que serían largos de precisar potenciarían la noción y alcances del packaging. Sin embargo, no podemos dejar de mencionar algunos demasiado importantes como la aparición de los supermercados (un espacio de máxima competencia) y profesiones como diseñador industrial, la modernización de las prácticas de marketing, la televisión, la mejora de las herramientas de diseño y el aporte de las computadoras e Internet, completarían un universo del cual la publicidad se ha nutrido y del que el packaging, como vehículo importante de sensaciones físicas, ha alcanzado trascendencia y conseguido así su forma actual.

 

De Stijl, 100 años de un movimiento artístico

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A a principios del siglo XX mientras Europa esta en la primera gran guerra moderna, las artes ultiman varios frentes terminales, suicidas, abiertos por el Cubismo y encaminados a la disolución de las formas figurativas. Diferentes abismos para llegar a una nada que simbolice lo absoluto. Futurismo, Suprematismo, Constructivismo, Neoplasticismo. Este último, que surge en los Países Bajos y al que también se denomina De Stijl, una aproximación visionaria a las artes plásticas cuya influencia se sigue considerando innovadora en nuestros días.

– Simplificación radical
– Racionalización.
– Líneas y ángulos rectos
– Formas planas, rectas y simples (líneas, cuadrados y rectángulos)
– Colores puros
– Ritmos asimétricos equilibrados.
– Colores saturados y primarios (amarillo, azul, rojo) blanco, negro y grises.
– Fondos claros.
La nación de los polders fue neutral en la guerra del 14 y ese espacio de paz que se abre es crucial para que las investigaciones broten, las convenciones artísticas se superen y las especulaciones puedan ser contrastadas. Y, por supuesto, para que las relaciones personales confluyan más allá del dolor, el miedo y la violencia. Encuentros muchas veces fortuitos cuya razón de ser toma forma al considerarse la afinidad estética y personal de sus protagonistas, evidenciando la capacidad del destino para forjarse a sí mismo.

En 1913 Theo Van Doesburg es un joven pintor de influencia impresionista que, al leer la novela autobiográfica Pasos de Vasili Kandinsky, entiende que la verdadera dimensión espiritual de la pintura surge de la mente del artista y no de la realidad natural. Ocho años mayor que Theo, Piet Mondrian es un artista considerado en los círculos parisienses, de quien Apollinaire celebraba un innovador cubismo de intensidad abstracta que no se deja abrumar por la inevitable influencia de Picasso.

A la izquierda, diseño del arquitecto Piet Klaarhammer y Vilmos Huszar. Al lado, maqueta de la casa particular diseñada por Van Doesburg.

El cierre de fronteras por la guerra causó que Mondrian se quedase en Holanda y coincidir con Van Doesburg en 1916. Tuvo así la oportunidad de conocer por medio de este al pensador teosofista a Mathieu Hubertus Josephus Shoenmaekers, quien fue el verdadero espíritu intelectual de De Stijl. Sus libros La nueva imagen del mundo, de 1915, y Principios de las matemáticas plásticas, de 1916, para el que Mondrian incluso colaboró en algunos capítulos, sientan las bases teóricas del propio pintor, pero también las del movimiento que nacería en la ciudad neerlandesa de Leiden.

Ante la certeza de un grupo de creadores cohesionado con objetivos estéticos y estructuras teóricas comunes, la necesidad de crear un órgano de difusión aparece como indiscutible. Sin embargo, la creación de la revista De Stijl en octubre de 1917 no busca ser un simple altavoz de sus propuestas. Al igual que los miembros de este movimiento reivindican la atracción gravitacional de la pintura hacia la arquitectura, y viceversa, el diseño gráfico se convierte en otra herramienta de experimentación plástica, al igual que lo sería el diseño de muebles e industrial, que acercan la experiencia estética a los usos cotidianos y la integran en un orden estético más amplio. Un bucle y una expansión que lleva al espectador de recogerse ante una obra plástica a ser parte de su dilatada esencia.

En Weimar, a donde traslada la redacción de la revista, Van Doesburg también conoció a dos arquitectos que de alguna forma acabarían inspirando una segunda evolución teórica del movimiento De Stijl, Cornelis Van Eesterin y G. Th. Rietveld. Con ellos, realizaría varios proyectos que condensarían dicha aproximación, y que podría resumirse con esta sencillez: la arquitectura debía ser elemental, económica, funcional y no monumental.

De hecho, en una exposición que realizan en la galería L’Effort Moderne de París exponen tres maquetas diferentes en las que los planos y las superficies van ampliándose de forma asimétrica y articulados en base a un volumen central. Más concretamente, Rietveld comienza en 1923 la construcción de la Casa Schröder (Utrecht,  Holanda), en la que desaparecen totalmente los tabiques, y los muebles que él mismo también diseña subrayan las diferentes líneas y puntos de fuga que se entrecruzan sin fin.

Para entonces, a la ruptura de Theo Van Doesburg con Piet Mondrian se superpone la popularización de la teorías del movimiento De Stijl, que el gran público acoge con curiosidad en la Exposición Universal celebrada en 1925 en París. Su inclusión esta vez de líneas diagonales en los proyectos y maquetas que se presentan en dicho evento incorpora un elemento radical que puede considerarse la tercera fase en el proceso intelectual de De Stijl. La cuarta dimensión. Si bien el ancho, largo y alto son desde el Renacimiento las tres dimensiones clásicas, la especulación del tiempo se convierte en el cuarto plano de una estructura. El momento presente, el espacio en el que una idea se vive, se habita. En el que el arte se transforma en función para avanzar en su impermanecia, llevando a De Stijl hasta nuestros días no solo como un estilo pertinente y actual, sino además como un referente vanguardista.

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Orígenes del diseño Actual : Arts & Crafts

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Esta tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en serie. Este movimiento surgió en 1861, cuando el diseñador inglés William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, & Faulkner. Argumentando que la verdadera base del arte residía en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano.

William Morris. The Strawberry thief. Diseño en tela de algodón. 1883 Características Sus ideas tuvieron una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

En 1861 William Morris funda el Londres, con un grupo de artistas y arquitectos, la sociedad «Morris and Co.» destinada a la construcción y fabricación de objetos artísticos y uso más corriente. Próximo a los planteamientos socialistas, quiso hacer una arquitectura para el pueblo. Pero la elaboración artesanal y la exigencia de una gran calidad de los detalles hizo que las construcciones de Arts & Crafts resultaran caras e inaccesibles a las clases populares. Paradójicamente, la buena acogida que encontró entre la burguesía facilitó su difusión, especialmente a través de los proyectos urbanísticos inspirados en la ciudad-jardín.

Su lucha iba dirigida contra la decadencia que suponía la producción industrial, de menos valor que la manual, y contra los objetos fabricados en serie por las máquinas que a causa de su precio más bajo, conquistaron el mundo, sustituyendo la belleza y la verdad por la falsedad y el engaño. Morris luchó por la perfección y originalidad de las obras de artesanía e indirectamente por la arquitectura. Como modelo tomó la artesanía de la edad media.

Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

La simplicidad de línea y los asientos de paja que se aprecian en estas sillas y banqueta para pies, son característicos del mobiliario hecho a mano que promovió el movimiento Arts & Crafts a finales del siglo XIX. Las sillas están inspiradas en muebles de campo tradicionales y fueron fabricadas con métodos artesanales.

John Ruskin es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros, artículos y conferencias, llevó una vida pública muy activa y combativa. Edward Burne – Jones es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.

Fue pintor y poeta. Sus modelos pelirrojas son casi todas ellas variaciones de Jane Morris, la mujer de William Morris. Fue uno de los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con Holman Hunt y John Millais. Dante Gabriel Rossetti

Aubrey Breadsley es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de contraste.

Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts. Construyó la «Casa roja» para William Morris, donde abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural. Arquitectura

Eric Gill es uno de los artistas más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX. Escultor, grabador, escritor y diseñador tipográfico, su obra está muy vinculada con sus creencias religiosas y su sentido personal del arte. Para la Monotype Corporation diseñó las tipografías Perpetua, Gill Sans Serif, Joanna y Pilgrim. Acuarela de Larsson con su taller de pintura

Carl Larsson es el artista más representativo de la filosofía Arts and Crafts fuera de Inglaterra, ya que la adaptó al entorno escandinavo. Dio a conocer en una serie de libros de acuarelas, en las que mostraba la vida hogareña del matrimonio con sus hijos, que alcanzaron un éxito extraordinario.

 

Las ilusiones ópticas de Escher

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Clasificar la obra de Escher no resulta algo sencillo, para los matemáticos: fue un artista, para los artistas: fue un matemático. La creación de escenarios fantásticos o situaciones imposibles podría vincularlo con los surrealistas, aunque no se interesó por la psicología y sus obras no derivaron específicamente de los sueños; si notamos el estilo surrealista en su afán de escapar de la realidad. Su estilo más reconocido se basa en la experimentación hasta los límites de lo posible que muestran su dominio de la geometría, la perspectiva y la división del plano en figuras iguales.

M. C. Escher. Cielo y aguaI. 1938.   M. C. Escher. Manos dibujando. 1948.   M. C. Escher. Relatividad. 1953.

Sus primeras obras retrataban paisajes y arquitectura de forma realista, la Alhambra de Granada (España), fue uno de sus edificios predilectos al momento de reflejar la realidad, su ornamentación recargada, se repartían el espacio de forma esquemática y perfecta, influyó a las creaciones siguientes, en las que empiezan a mostrar divisiones regulares del plano y patrones de repetición.

Posteriormente, Escher se destacó por grabados en madera, xilografías y litografías. Entre sus obras se encuentran algunas similitudes que nos permiten reconocer su trabajo.

Características generales:
– Juegos visuales
– Utilización del blanco y el negro en su mayoría
– En las imágenes en blanco y negro, el juego de luces y sombras es el principal protagonista, así como las texturas de las cosas que ayudan a diferenciar las formas.
– Dualidad, búsqueda del equilibrio y simetría
– El infinito frente a lo limitado
– Figuras imposibles
– Fondos reticulados con diversos patrones
– Mundos imaginarios
– Ilusiones ópticas
– Sorpresas ocultas
– Impresión de espacios sin límites
– Sensación de normalidad dentro de lo anormal o imposible
– Cuerpos platónicos, cintas de Möebius, geometría hiperbólica, etc.
– Sustitución de los sólidos principios tradicionales por nuevas leyes y extraños principios geométricos.
– Espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.
– Ciclos, Metamorfosis, Teselaciones y Traslaciones

No basó su trabajo en los sentimientos y siempre buscó crear su propio universo. Evitando utilizar elementos de obras anteriores (excepto en los encargos).

Bruno Ernst (uno de sus biógrafos) analizó y clasificó sus obras en tres categorías:
– La estructura del espacio: paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
– La estructura de la superficie: metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
– La proyección del espacio tridimensional en el plano: representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Su visión abstracta se conjugó con el arte y con las matemáticas; pero Escher sentía que tenía más en común con los matemáticos que con los artistas, aunque en las conferencias de matemáticas aplicadas, por ejemplo, sólo podía responder ante los expertos, a través de la experimentación visual que realizaba en sus obras.

Actualmente su trabajo se encuentra plasmado en posters, puzzles, camisetas, corbatas, portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos

Logotipos famosos: Starbucks

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Unos de las marcas mas reconocibles de nuestra sociedad es el de Starbucks. Starbucks es lugar de culto para los más cafeteros. Se trata de una cadena de cafeterías-tiendas de café, con más de 17.000 establecimientos repartidos en 49 países. Hay quien se recorre las ciudades buscando su logo para sentarse en un sofá y navegar por su wifi disfrutando de una gran taza de café.

Sin embargo, su logo no ha sido siempre tal y como lo conocemos hoy en dia, de hecho, ha sufrido grandes cambios desde su creación en 1971, tal y como relata Deadprogrammer’s Café en su blog. De hecho, quienes sólo conocen el logo moderno, seguramente se han preguntado alguna vez quién es esa mujer, y qué tiene en las manos. La historia tiene la explicación a este misterio.

El primer logo conocido de Starbucks (1971-1987) es la imagen de una sirena con dos colas inspirada en una ilustración de un libro noruego del siglo XV.

Inicialmente en Starbucks se vendía café en grano, té y especias, un tipo de comercio lejano al que conocemos.

Starbucks - imagen original siglo XVPrimer logo de Starbucks

En 1987, Howard Schutz, fundador de un negocio similar llamado Il Giornale, adquirió Starbucks, fusionando ambas compañías, y le dio al logo un toque más estilizado y el color verde que hoy relacionamos con la marca. Tal y como se puede observar, el logo de Il Giornale tiene cierto parecido al de Starbucks, que heredó sus estrellas. Se mantuvo así intacto hasta 1992.

Logo Starbucks, segunda versión

En 1992 se le dio el último retoque al logotipo, quedando mucho más esquemático, ocultando parcialmente las “colas” de la sirena (es prácticamente imposible saber lo que son) y modernizando un poco los bordes y los colores. Así ha quedado desde entonces hasta nuestros días. Convirtiéndose en una de las imágenes gráficas mas reconocibles de nuestro siglo.

 

Logo Starbucks