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Historia de Instagram

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Instagram se ha convertido en una de las redes sociales más usadas en el mundo, y la favorita de miles de personas que la usan para subir fotos y vídeos. Sus usuarios optan por usarla por la cantidad de filtros y efectos fotográficos, marcos, entre otras opciones que la hacen única y particular de las otras redes sociales.

Últimamente, Instagram ha estado realizando algunos cambios, como por ejemplo, agregar sus filtros faciales, muy similares a las de Snapchat, e incluso han creado un medio de comunicación privada llamado Instagram Direct. Por ello, conoceremos cómo se originó Instagram, y cómo ha ido actualizando.

Historia de Instagram

Esta aplicación nació para ser la favorita de 800 millones de usuarios en el mundo. Se desarrolló por primera vez en San Francisco, y fue creado por Kevin Systrom y Mike Krieger. Ambos estaban pensando reunir sus conocimientos para crear un proyecto fotográfico móvil. Así nació “Instagram, un producto que fue lanzado en el Apple App Store el 6 de octubre del 2010.

Poco a poco, el equipo de Instagram fue creciendo, pues se integraron Josh Riedel como Gerente de la Comunidad y Jessica Zollman como evangelista de la Comunidad a mediados del 2011.

Para principios del 2011, se agregó una nueva estrategia para ayudar a los usuarios a descubrir fotos de otros usuarios que compartían imágenes con temas similares o iguales. De esa manera, se crean los hashtags, para mostrar temas relevantes y específicos, y lograr atraer a más usuarios.

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En septiembre del 2011, se pone en marca la versión 2.0 en la App Store, que incluyó nuevos cambios como los filtros en vivo, nuevas opciones para aplicar efectos de desenfoque a lugares específicos, y mejoró el editor de imágenes de alta resolución con mejores marcos, entre otros.

Para mediados del 2012, y por primera vez, Instagram crea una versión para el público de Android. Para tal acontecimiento, Instagram anunció que las personas con este sistema operativo podían registrarse para recibir alguna notificación, e indicarles que serán los primeros en probar la versión beta de la aplicación, y más de 430 mil personas lo hicieron.

Cuando se anunció que Instagram estaría disponible para el sistema operativo, se consiguió más de un millón de descargas en menos de 24 horas, y posteriormente fue una de las aplicaciones más evaluada con 4 millones de veces.

Exactamente, el 9 de abril del 2012, Instagram había sido adquirida por Facebook, por la suma aproximada de mil millones de dólares. La nueva era de esta red social va cambiando. Por ello, en diciembre de ese mismo año, se cambian algunas políticas de privacidad y condiciones de uso.

En este cambio se indicaba que Instagram era absolutamente el dueño de todas las imágenes que se publicaban en dicha red social, por ello tenía el derecho de vender las fotos de los usuarios a terceros sin notificación o aviso. Sin embargo, esta noticia no fue bien recibida por la comunidad de Instagram, pues miles de usuarios como National Geographic, artistas e incluso celebridades  buscaron la manera de deshacer dicho cambios. Esto afectó la empresa, perdiendo gran parte de sus usuarios.

En el 2013, Instagram introduce la opción de etiquetar a personas y marcas en las publicaciones. Esta característica era aclamada por sus millones de usuarios. Además, ese mismo año se agregó el Instagram Direct, una herramienta que sirve para enviar mensajes directos y privados, muy parecido a los inbox de Facebook.

Año tras año, Instagram ha ido cambiando, y en el 2015 se agregó la opción de crear publicidad desde la plataforma de Facebook, logrando que miles de marcas anuncien sus productos a través de esta red social.

El año 2016 se convirtió en el año con más cambios para Instagram pues se modificó desde el diseño, dejando su tradicional cámara vintage por un nuevo diseño atractivo y colorido. Además, agrega el Instagram Stories, una herramienta que permite subir fotos y vídeos que sólo está habilitada para 24 horas. Para finales de ese año, agrega una función más, que sería transmitir en directo, lo cual permite de los seguidores puedan unirse a la retransmisión, y la opción de “regalar corazones”.

Así es como Instagram, va formando parte de una de las redes sociales más importantes en el mundo tanto por su interactividad, conectividad, entre otras características que la hacen única, y la convierte en una de las redes sociales más usadas en el mundo.

Ross

Mejora tus marketing en redes sociales en 15 pasos

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Una buena Estrategia de Marketing en Social Media debe ayudarte a alcanzar los objetivos que has planteado para tu negocio. Para ello tiene que ser dinámica, de modo que pueda ajustarse a las variaciones que se presentan en los medios cada día. Y claro, debe contemplar cada novedad y detalle en materia de Redes Sociales, para así poder sacarles el mayor provecho en 15 pasos  fundamentales para mejorar tu Social Media Marketing. Aquí conocerás los aspectos que debes considerar y las técnicas que tienes que utilizar para potenciar tu campaña en las Redes Sociales. 

1. Atrae la atención de los usuarios con Infografías

¡Las personas aman las infografías! Ellas son capaces de resumir datos y presentarlos de una manera atractiva y didáctica, todo a la vez. Por ello te aconsejo que incluyas esta clase de productos gráficos en tus blog posts. Ellos te ayudarán a brindarle a tu audiencia un valor agregado.

Ahora bien, es justo que te preguntes: ¿cómo hago una infografía? Afortunadamente, hoy en día no es necesario ser diseñador para poder componer esta clase de gráficos. Gracias a herramientas online como Canva, puedes crearlos muy fácilmente. Y además, ¡se ven geniales!

2. Mantén tus contenidos siempre frescos

Una excelente estrategia para sacar el mayor provecho a tus contenidos, es mantenerlos siempre actualizados. Para esto te recomiendo, en primer lugar, revisar tus artículos en busca de aquellos que han recibido más aceptación por parte de la audiencia. Una vez que los hayas encontrado, debes aplicarles las actualizaciones necesarias (por ejemplo, añadir datos que hayan surgido luego de su publicación).

Una vez que tus posts más exitosos estén listos, puedes pasar a re-publicarlos en tus redes sociales. Puedes utilizar Postcron para programar entradas en Facebook, Twitter y demás redes sociales, de modo que se publiquen en el día y horario que tú determines. Voilà!

3. ¡Saca provecho a tu blog!

Como sabes, en materia de Social Media Marketing “el contenido es el rey“. En efecto, es él el que te habilita para brindarle a los usuarios un valor agregado. Ahora bien, te recomiendo que tengas en cuenta que tus blog posts pueden tener diferentes formatos, en otras palabras… ¡sé creativo!

Así, de acuerdo a tus necesidades puedes redactar artículos cortos, posts fotográficos, textos más largos, hacer microblogging y más. En todos los casos, es importante que tus contenidos estén optimizados para ser visualizados correctamente en dispositivos móviles, de donde proviene gran parte del público de las Redes Sociales. Puedes comprobar si están aptos para ello con ayuda de Windows Resizer, una extensión para Chrome que te permite conocer cómo se ve tu contenido a través de las distintas resoluciones.

4. Utiliza los botones sociales

Para impulsar la difusión de tus contenidos, es importante que le brindes a los usuarios una forma de compartir tus posts en sus cuentas y con sus amigos. Para ello sirven los botones sociales, que les permiten a las personas publicar tus posts en sus Redes Sociales con sólo presionar un botón. Si tu blog está alojado en los servidores de WordPress, puedes añadirlos con AddToAny, un plug-in desarrollado especialmente para ese sitio.

5. Organiza concursos y promociones

Organizar promociones y concursos en Facebook es una excelente forma de homenajear a tus seguidores y entretenerlos a la vez. Para ello puedes recurrir a las vísperas más importantes del año, como Navidad o el Día de la Madre. Estar presente en ocasiones especiales te ayudará a lucir más humano ante tu audiencia y favorecerá el que las personas asocien tu marca con momentos felices.

6. Trabaja con Calendarios de Contenidos para Social Media

Es importante que organices tus esfuerzos en las redes sociales, de modo que puedas llevar a cabo tu estrategia de marketing con una mayor eficiencia. Para ello tienes que asegurarte de poder medir la efectividad de tus campañas. Con ese objetivo y también para facilitar tus tareas cotidianas en las Redes Sociales, existen los Calendarios de Contenidos para Social Media.

 

Trabajar con un Calendario de Contenidos para Social Media te permite ordenar la frecuencia de tus publicaciones y te ayuda a tomar decisiones relativas a los contenidos que vas a publicar. Para ello debes introducir en él todos los posts que vas a realizar cada día, indicar los horarios y especificar los canales de distribución (Redes Sociales), entre otros datos.

7. Implementa el botón Pin It

Puedes aprovechar tus navegaciones cotidianas para conseguir contenidos interesantespara compartir con tu audiencia. ¿De qué manera? Instalando el botón Pin-It. Se trata de una extensión para Chrome que te permite enviar a Pinterest cualquier foto que encuentres en Internet. Además, añade un botón para compartir en Pinterest cada vez que acercas el puntero del mouse a una imagen. ¡Es lo más!

8. Programa contenidos para compartir con tu audiencia

Muchas veces sucede que al navegar a través de Internet te encuentras con artículos, fotografías e información interesantes para postear en Twitter, compartir publicaciones en Facebook y compartir en tus diferentes redes sociales. Para no olvidarte de hacerlo, te aconsejo utilizar la extensión de Postcron para Chrome. Con su ayuda podrás agendar fácilmente cualquier contenido que halles en la Web, para compartirlo luego con tu audiencia en el día y horario que prefieras.

9. Conoce tus estadísticas en las Redes Sociales

Para saber si tus objetivos de comunicación en Social Media está funcionando como esperas, es fundamental que obtengas una devolución de tu desempeño en cada Red Social. Básicamente, se trata de que puedas analizar cuáles son tus contenidos mejor recibidos por la audiencia y en cuáles horarios, para que puedas perfeccionar tus estrategias de publicación con esa referencia. Para esto puedes consultar herramientas de analítica como las Facebook Insights de tu Fan Page, Twitter Analytics, Google Analytics y otras.

10. Escoge los mejores contenidos para compartir con tu audiencia

Como ya dijimos muchas veces, el contenido es la mejor manera de llegar a tu audiencia y “conquistarla”, así es que ¡es importante! Por ello te aconsejo que centres tus publicaciones en torno a las temáticas que más interesan a tus seguidores. ¿Cómo saber cuáles son? ¡Muy simple! Para ello debes consultar BuzzSumo, herramienta online que te permite conocer muy fácilmente cuáles son los tópicos más compartidos en las Redes Sociales.

11. Participa de las Conversaciones

Una gran estrategia para llegar a tu audiencia en las Redes Sociales es participar de las conversaciones más populares de tu nicho. Así, de acuerdo al sitio del que se trate, puedes asegurarte de que tus publicaciones aparezcan vinculadas a determinados tópicos. Por ejemplo, en Twitter puedes hacer esto añadiendo el #hashtag correspondiente a tu post. Además, puedes enterarte de los temas más hablado en esa Red Social consultando el panel de Tendencias.

12. Interactúa con tu audiencia

Para lograr establecer un vínculo con tus seguidores, es importante que te comportes de una manera interactiva y responsiva. Así, debes asegúrate de responder a las menciones que recibas en Twitter cada vez que puedas, así como agradecer Likes y comentarios en Facebook, y demás gestos de las personas en las demás Redes Sociales. La idea es que te muestres agradecido y cercano, dado que ello estimulará a tu audiencia a seguir participando de tus propuestas.

13. Incluye llamados a la acción en tus publicaciones

Muchas veces solicitarle a tu audiencia de forma directa aquello que esperas que haga es la manera más fácil de conseguirlo. ¡Te aconsejo que hagas la prueba! Así, si lo que deseas es tener más seguidores en Twitter, invita a tu público a seguirte en esa Red Social desde tus otras cuentas. Lo mismo si esperas ganar más Me Gusta o que las personas compartan tus contenidos. Recuerda: ¡sólo pídelo!

14. Utiliza las Twitter Cards

Las Twitter Cards son la mejor manera de añadir atractivo visual a tus tuits. Al implementarlas cada una de tus publicaciones en esa Red Social exhibirá una titulación, una imagen, unas líneas de texto y un enlace al artículo. Para implementarlas, no tienes más que añadir en tu sitio el código que te será otorgado por Twitter a través de este enlace. Haz clic en este enlace para aprender todo sobre las Twitter Cards y conocer cómo activarlas paso a paso.

15. Difunde tus cuentas en las Redes Sociales de manera offline

Un punto muy importante para lograr difundir tu marca a través de las Redes Sociales es no olvidarte promocionar tus cuentas en Social Media de manera offline. Así, puedes colocar tus URLs de Facebook, usuarios de Twitter y otros datos en tus tarjetas personales y folletos. También es una buena idea colocar ploteos en las vidrieras de tu negocio y aprovechar todos los espacios expuestos a la mirada del público

De Stijl, 100 años de un movimiento artístico

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A a principios del siglo XX mientras Europa esta en la primera gran guerra moderna, las artes ultiman varios frentes terminales, suicidas, abiertos por el Cubismo y encaminados a la disolución de las formas figurativas. Diferentes abismos para llegar a una nada que simbolice lo absoluto. Futurismo, Suprematismo, Constructivismo, Neoplasticismo. Este último, que surge en los Países Bajos y al que también se denomina De Stijl, una aproximación visionaria a las artes plásticas cuya influencia se sigue considerando innovadora en nuestros días.

– Simplificación radical
– Racionalización.
– Líneas y ángulos rectos
– Formas planas, rectas y simples (líneas, cuadrados y rectángulos)
– Colores puros
– Ritmos asimétricos equilibrados.
– Colores saturados y primarios (amarillo, azul, rojo) blanco, negro y grises.
– Fondos claros.
La nación de los polders fue neutral en la guerra del 14 y ese espacio de paz que se abre es crucial para que las investigaciones broten, las convenciones artísticas se superen y las especulaciones puedan ser contrastadas. Y, por supuesto, para que las relaciones personales confluyan más allá del dolor, el miedo y la violencia. Encuentros muchas veces fortuitos cuya razón de ser toma forma al considerarse la afinidad estética y personal de sus protagonistas, evidenciando la capacidad del destino para forjarse a sí mismo.

En 1913 Theo Van Doesburg es un joven pintor de influencia impresionista que, al leer la novela autobiográfica Pasos de Vasili Kandinsky, entiende que la verdadera dimensión espiritual de la pintura surge de la mente del artista y no de la realidad natural. Ocho años mayor que Theo, Piet Mondrian es un artista considerado en los círculos parisienses, de quien Apollinaire celebraba un innovador cubismo de intensidad abstracta que no se deja abrumar por la inevitable influencia de Picasso.

A la izquierda, diseño del arquitecto Piet Klaarhammer y Vilmos Huszar. Al lado, maqueta de la casa particular diseñada por Van Doesburg.

El cierre de fronteras por la guerra causó que Mondrian se quedase en Holanda y coincidir con Van Doesburg en 1916. Tuvo así la oportunidad de conocer por medio de este al pensador teosofista a Mathieu Hubertus Josephus Shoenmaekers, quien fue el verdadero espíritu intelectual de De Stijl. Sus libros La nueva imagen del mundo, de 1915, y Principios de las matemáticas plásticas, de 1916, para el que Mondrian incluso colaboró en algunos capítulos, sientan las bases teóricas del propio pintor, pero también las del movimiento que nacería en la ciudad neerlandesa de Leiden.

Ante la certeza de un grupo de creadores cohesionado con objetivos estéticos y estructuras teóricas comunes, la necesidad de crear un órgano de difusión aparece como indiscutible. Sin embargo, la creación de la revista De Stijl en octubre de 1917 no busca ser un simple altavoz de sus propuestas. Al igual que los miembros de este movimiento reivindican la atracción gravitacional de la pintura hacia la arquitectura, y viceversa, el diseño gráfico se convierte en otra herramienta de experimentación plástica, al igual que lo sería el diseño de muebles e industrial, que acercan la experiencia estética a los usos cotidianos y la integran en un orden estético más amplio. Un bucle y una expansión que lleva al espectador de recogerse ante una obra plástica a ser parte de su dilatada esencia.

En Weimar, a donde traslada la redacción de la revista, Van Doesburg también conoció a dos arquitectos que de alguna forma acabarían inspirando una segunda evolución teórica del movimiento De Stijl, Cornelis Van Eesterin y G. Th. Rietveld. Con ellos, realizaría varios proyectos que condensarían dicha aproximación, y que podría resumirse con esta sencillez: la arquitectura debía ser elemental, económica, funcional y no monumental.

De hecho, en una exposición que realizan en la galería L’Effort Moderne de París exponen tres maquetas diferentes en las que los planos y las superficies van ampliándose de forma asimétrica y articulados en base a un volumen central. Más concretamente, Rietveld comienza en 1923 la construcción de la Casa Schröder (Utrecht,  Holanda), en la que desaparecen totalmente los tabiques, y los muebles que él mismo también diseña subrayan las diferentes líneas y puntos de fuga que se entrecruzan sin fin.

Para entonces, a la ruptura de Theo Van Doesburg con Piet Mondrian se superpone la popularización de la teorías del movimiento De Stijl, que el gran público acoge con curiosidad en la Exposición Universal celebrada en 1925 en París. Su inclusión esta vez de líneas diagonales en los proyectos y maquetas que se presentan en dicho evento incorpora un elemento radical que puede considerarse la tercera fase en el proceso intelectual de De Stijl. La cuarta dimensión. Si bien el ancho, largo y alto son desde el Renacimiento las tres dimensiones clásicas, la especulación del tiempo se convierte en el cuarto plano de una estructura. El momento presente, el espacio en el que una idea se vive, se habita. En el que el arte se transforma en función para avanzar en su impermanecia, llevando a De Stijl hasta nuestros días no solo como un estilo pertinente y actual, sino además como un referente vanguardista.

Cupra, la nueva marca de Seat

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El grupo automovilístico español SEAT viene utilizando el nombre Cupra (Cup Racing) para su sector de vehículos deportivos, pero ahora, el fabricante de automóviles ha decidido convertir Cupra en una marca independiente, con identidad propia y, por supuesto, con nuevo un nuevo logotipo. tal como en su día hizo la empresa Citroën con su submarca de «Lujo» DS.

El nuevo logo, con un aire claramente tribal, está formado por dos C que concuerdan simétricamente unidas, y reemplazará a la mítica “S” de SEAT en el centro del frontal, la cual nos habíamos ya acostumbrado. Los diseñadores de la compañía afirman que la creación de logo potente y diferenciado “es una decisión necesaria para realmente ayudar a establecer Cupra como una marca independiente de SEAT”, que a su vez es propiedad del Grupo Volskwagen.

Un aspecto muy importante que caracterizará a esta nueva marca es el color cobre, que han bautizado como ‘Cup Copper’ y que ya podemos ver en llantas, retrovisores y algunos detalles interiores de nuevos modelos como el Cupra Ateca. Según la compañía, este color se definió tras un estudio en profundidad realizado por el equipo de diseño. “El color Cup Copper, un tono que casa perfectamente con el carácter refinado del modelo”, añade. El otro tono que define a la marca es el ‘Petrol Blue’, compuesto por cian y notas de negro que según Font “realza su personalidad”.

 

La nueva imagen gráfica de Cupra tiene un punto agresivo y provocador, como una cara de un demonio, que resulta bastante oportuno para reflejar este espíritu de deporte y competición. También su aspecto estilo tribal nos recuerda a ciertos tipos de tatuaje (desfasados) y parece querer alinear la marca con un target puramente joven, deportista y provocador. Muy estilo F1, racing o incluso nos atreveríamos a decir «Tunning»

 

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La característica botella de Coca Cola (packaging)

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La forma particular que tienen las botellas de la Coca-Cola es una de las más reconocibles y uno de los iconos de diseño del siglo XX. Ha cambiado varias veces y sus líneas han variado con el paso del tiempo, pero en esencia se mantiene más o menos igual. ¿Cuál fue su origen exacto?

 Para entenderlo hay que remontarse a 1915, desde comienzos del siglo XX, la Coca-Cola era con diferencia la bebida más popular de Estados Unidos, gracias a un pionero sistema de licencias y franquicias establecido unas décadas antes. Pero la competencia no había tardado en tomar nota y Asa G. Candler, uno de los máximos responsables de la compañía por aquel entonces decidió tomar cartas en el asunto para solucionarlo.

Entre las muchas medidas que se tomaron la más importante y a su vez pionera también para las estrategias de marketing que llegarían años después fue la de rodear a la Coca-Cola de un aire premium. Tenía que rodearse del mismo incluso aunque no lo fuese en términos económicos, ya que mantuvo el mismo precio durante 70 años: hasta finales de los 50 una botella costaba 5 centavos.

“Que puedan identificarlo con los ojos cerrados”

Para ello, Candler abrió un concurso donde varios fabricantes de botellas podían aportar sus propios diseños. La única regla era que

“debía tener un diseño tan característico como para que los clientes la reconociesen con los ojos cerrados”.

 No se sabe exactamente quién fue el que dio con el diseño exacto, y Coca-Cola ya se encargó de envolverlo en sus respectiva aura de leyenda, pero durante aquel tiempo el responsable de la Root Glass Company de Terre Haute, Indiana, era Alexander Samuelson, un sueco que había emigrado al país.
Él y su equipo encontraron la inspiración precisamente en uno de los componentes que se rumoreaba tenía la Coca-Cola por aquel entonces: cacao. Y efectivamente, el fruto de una planta de cacao se parece muchísimo a esa primera botella.
La forma abombada fue suavizándose con el tiempo pero la esencia se mantiene. La forma ha trascendido como icono de la cultura popular y artistas como Salvador Dalí o Andy Warhol la utilizaron en sus cuadros. Al final, el mejor diseño siempre está en la naturaleza.
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Orígenes del diseño Actual : Arts & Crafts

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Esta tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en serie. Este movimiento surgió en 1861, cuando el diseñador inglés William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, & Faulkner. Argumentando que la verdadera base del arte residía en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano.

William Morris. The Strawberry thief. Diseño en tela de algodón. 1883 Características Sus ideas tuvieron una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

En 1861 William Morris funda el Londres, con un grupo de artistas y arquitectos, la sociedad «Morris and Co.» destinada a la construcción y fabricación de objetos artísticos y uso más corriente. Próximo a los planteamientos socialistas, quiso hacer una arquitectura para el pueblo. Pero la elaboración artesanal y la exigencia de una gran calidad de los detalles hizo que las construcciones de Arts & Crafts resultaran caras e inaccesibles a las clases populares. Paradójicamente, la buena acogida que encontró entre la burguesía facilitó su difusión, especialmente a través de los proyectos urbanísticos inspirados en la ciudad-jardín.

Su lucha iba dirigida contra la decadencia que suponía la producción industrial, de menos valor que la manual, y contra los objetos fabricados en serie por las máquinas que a causa de su precio más bajo, conquistaron el mundo, sustituyendo la belleza y la verdad por la falsedad y el engaño. Morris luchó por la perfección y originalidad de las obras de artesanía e indirectamente por la arquitectura. Como modelo tomó la artesanía de la edad media.

Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

La simplicidad de línea y los asientos de paja que se aprecian en estas sillas y banqueta para pies, son característicos del mobiliario hecho a mano que promovió el movimiento Arts & Crafts a finales del siglo XIX. Las sillas están inspiradas en muebles de campo tradicionales y fueron fabricadas con métodos artesanales.

John Ruskin es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros, artículos y conferencias, llevó una vida pública muy activa y combativa. Edward Burne – Jones es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.

Fue pintor y poeta. Sus modelos pelirrojas son casi todas ellas variaciones de Jane Morris, la mujer de William Morris. Fue uno de los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con Holman Hunt y John Millais. Dante Gabriel Rossetti

Aubrey Breadsley es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de contraste.

Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts. Construyó la «Casa roja» para William Morris, donde abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural. Arquitectura

Eric Gill es uno de los artistas más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX. Escultor, grabador, escritor y diseñador tipográfico, su obra está muy vinculada con sus creencias religiosas y su sentido personal del arte. Para la Monotype Corporation diseñó las tipografías Perpetua, Gill Sans Serif, Joanna y Pilgrim. Acuarela de Larsson con su taller de pintura

Carl Larsson es el artista más representativo de la filosofía Arts and Crafts fuera de Inglaterra, ya que la adaptó al entorno escandinavo. Dio a conocer en una serie de libros de acuarelas, en las que mostraba la vida hogareña del matrimonio con sus hijos, que alcanzaron un éxito extraordinario.

 

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La fotografia de lujo de Herb Ritts

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El trabajo de Herb Ritts se basa en el uso de  líneas limpias y simples combinadas con fuertes formas, lo que da como resultado una gráfica fácil de leer y que uno llega a sentir instantáneamente. Sin embargo el que sea una gráfica fácil no quiere decir que no trate temas controversiales.

Maestro de la fotografía comercial y artística, sus retratos y trabajos de moda editoriales incluyen clientes como Vogue, Vanity Fair, Interview y la revista  Rolling Stone, Ritts también creó campañas exitosas para Calvin Klein, Chanel, Donna Karan, Gap, Gianfranco Ferré, Gianni Versace, Giorgio Armani, Levi’s, Pirelli, Polo Ralph Lauren y Valentino entre otros.

Herb Ritts

Tanto la historia como la fantasía son capturadas y creadas por sus memorables fotografías. Contando con personajes del cine, moda, música política y sociedad. Nociones de raza y de género son majestuosamente fotografiadas.

Hace poco el J. Paul Getty Museum en los Ángeles, California, presentó la muestra “Herb Ritts L.A. Style” como un homenaje a una de las carreras más extraordinarias en el mundo de la fotografía de moda. Tras 10 años de su muerte recordamos al único fotógrafo que miraba a las celebridades con antiglamour.

Considerado en la categoría de grandes fotógrafos como Richard Avedon, Robert Mapplethorne e Irving Penn, Herb Ritts logró además imprimir un sello único a sus imágenes estilizadas, y llenas de sofisticación.

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Retrato Michael Jackson, Herb Ritts

Al fotografiar a grandes personalidades, Ritts realmente lograba capturar su lado más humano, creando un clima de mutua confianza entre él y su modelo, quien terminaba por mostrarse plenamente frente a la cámara.

Mirar su trabajo sobre retrato, desnudo y la forma en que interpretaba la figura humana, nos ayudará,a todos aquellos que estemos inmersos en el mundo de la fotografía, a reconsiderar o ampliar nuestra propia visión e interpretación en cuanto a estos temas. Y por si fuera poco, su manejo del blanco y negro era majestuoso, así que a echar un ojo a sus fotografías y a tomar nota de uno de los mejores.

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Historia detrás del logo de GE

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 Una de las marcas que han cambiado el mundo a lo largo de su historia y han sabido avanzar con ella es General Electric.
Un ejemplo de consistencia de marca, de cómo una empresa transforma una filosofía y una creencia en una propuesta de valor para sus consumidores.

Las marcas fuertes son aquellas que ‘dicen lo que hacen’, es decir, su propuesta de marca, está presente en toda su cadena de valor y sabe enfocarla a sus grupos de interés. Este es el caso de GE.

En 1876,  Thomas Edison fundó un laboratorio comercial de investigación, que sería la base de GE, donde se establecía que el objetivo de dicho laboratorio debía ser la creación de pequeños avances para la sociedad cada 12 días y un gran invento cada 6 meses. Desde la bombilla, el telégrafo, el transmisor, el gramófono o el tren eléctrico han sido algunos de los resultados de este sistema de innovación y esta filosofía de marca.

La mayor visión de la compañía fue la de comprender que su mayor invento, la bombilla, no servía de nada si los hogares no poseían un sistema de electricidad propio, ahí surgió la verdadera marca. A los sistemas de turbinas y material de distribución de energía se les llamó: General Electrics. Dando lugar en 1896 al conocido GE.

Desde su nacimiento GE, comprendió que no era un fabricante de tecnología, sino que era un amigo que te facilitaba la vida. El primer anuncio de la época rezaba ‘GE, iniciales de una amigo. Vivir mejor con electricidad’.

Es una de las primeras veces en la historia que una marca fabricante se posicionaba emocionalmente frente al consumidor.

Así empezó GE, utilizando una marca que se adecuaba a su propuesta de valor cercana y personal, creando un logotipo tipográfico de trazo, que denota sencillez, personalidad y cercanía. Este logotipo quería representar el filamento de cobre de la bombilla incandescente, un valor único e histórico de la compañía que sabrían mantener y evolucionar a lo largo de su historia.

Ya en en 1900, GE comenzó a diversificar su negocio fabricando turbinas para la aviación, escáners médicos, material aislante, etc.

Esto le llevó a plantearse su posicionamiento, hasta ahora ‘vivir mejor con electricidad’, lo que dio paso a un simple cambio de tagline que abría los horizontes más allá del componente: ‘Vivir mejor con tecnología.’

Este mismo cambio de posicionamiento, vino acompañado de la apuesta firme por GE, en lugar de General Electric, que le encorsetaba en el mundo de la electricidad. Mientras que GE había nacido como un ‘amigo’, y despertaba confianza en sus consumidores.

Este cambio vino seguido de nuevos restyling de marca, donde se creaba una identidad más comercial y más icónica, dotando de un color a la marca y proporcionando elementos de dinamismo, fuerza e innovación, manteniendo la esencia de la misma.

La marca necesitaba un icono que fuera reconocible en la nueva era de la comunicación, y mantuviera la esencia de la misma.

A medida que pasaron los años, GE fue desarrollando nuevas divisiones de negocio. En la gran grisis, desarrolló un sistema para financiar la compra de pequeños electrodomésticos. Ahí nació GE Servicios Financieros.

Fue entonces, cuando la compañía optó por un sistema monolítico de marcas descriptivas, ya que la creación de nuevas supondría una pérdida de esfuerzos e inversiones.

Este avance en servicios y productos, dio paso a una nueva propuesta de valor más amplia ‘Progreso para la gente’.

Cuatro fueron los pilares de este éxito:

  • Una idea simple de marca, que ha evolucionado con el mundo que la rodea.
  • La marca corporativa ha sido desde el primer día, el vehículo conductor que generó el vínculo del cliente con la marca.
  • Un enfoque siempre al consumidor. Propuestas cercanas a sus necesidades.
  • La identidad coherente en su historia y justificada en sus cambios siendo fiel a su herencia.

Ahora, en el S.XXI, GE afronta un nuevo reto, en un mundo más dinámico, ha tenido que adaptar su identidad a las realidades de nuestros mercados, donde la cercanía, la simplicidad, el optimismo y la didáctica, son necesarios para ser relevantes.

La nueva segmentación cromática de GE para las diferentes unidades de negocio, la simplificación de su arquitectura de marca y la creación de una imagen limpia, sencilla y fresca, son los pilares de la nueva era que sin duda seguirá cambiando nuestras vidas: ‘Imagination at Work’

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5 obras mas importantes de Roy Lichtenstein

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Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) fue uno de los máximos exponentes del pop art americano. Desde sus facetas de pintor, escultor y artista gráfico, en sus obras representó temas de la vida cotidiana y la sociedad de consumo. La mayor parte de su trabajo se concentró en la crítica del mundo contemporáneo, a través de pintadas con colores primarios.

Tras haber experimentado con el expresionismo abstracto y más tarde con el cubismo y el constructivismo, en 1961 comenzó a realizar las obras que acabarían por definir su producción artística: la pintura pop, inspirada en la nueva sociedad de Estados Unidos. No debemos olvidar que el neoyorquino fue protagonista de famosas esculturas, eso sí, ya en los últimos años de su vida. En lo referido a su personalidad, se dice que era tímido y que nunca quiso presumir del gran éxito que sus creaciones despertaban en esos años.

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El beso

Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic. Como dato curioso, en 1990 El beso fue vendido en una casa de subastas al propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares.

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Brochazo

Esta escultura, de 1996 y que puede encontrarse en el patio del Edifio Nouvelle del Museo Reina Sofía en Madrid, es una pieza más de la colección Brushstrokes de Roy Lichtenstein, una serie de pinturas y esculturas de brochazos de colores queel artista comparó en una de sus entrevistas con “lonchas de bacon”

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Mira Mickey

Realizada en 1961 y de gran tamaño, este óleo sobre lienzo de trazos dubitativos significó mucho para Lichtenstein, ya que con él tuvo lugar la ruptura con lo que había creado hasta ese momento. Sin embargo, años más tarde, cuando parecía estar totalmente asentado en el pop art y la producción masiva, el pintor se fue distanciando de la realidad, volviendo poco a poco hacia la abstracción con obras como Figuras en un paisaje (1977).

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 WHAAM!

Considerada por los críticos del arte como una de las obras más importantes del artista, esta pintura fue creada a partir de imágenes de cómics de guerra. El panel de la izquierda muestra un avión lanzando un cohete; si se observa el de la derecha, podemos ver cómo impacta a un segundo avión que arde en llamas. Whaam! es en ocasiones encasillado en el mismo género de anti-guerra que el Guernica de Picasso. Las creaciones con expresiones textuales como título pronto se convertirían en una marca del trabajo de Roy Lichtenstein, como se puede comprobar en Bratatat!  yVaroom!

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Mujer en el baño

En esta obra, ubicada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Lichtensteinjuega con un cromatismo de colores primarios que, unido a la simpleza de líneas y curvas, muestra la clara intención del autor de huir del lenguaje del expresionismo abstracto y dejar atrás la reproducción mecánica del cómic, para dar paso al trabajo manual del pintor. Lichtenstein siempre buceaba en busca de la imagen clara y contundente, que el espectador pudiera reconocer al instante