Curiosa historia del logo de Levi's

Curiosa historia del logo de Levi’s

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Levi Strauss fue fundado en 1853 en California, Estados Unidos, como una compañía de fabricación de pantalones resistentes a las rasgaduras, en comparación con la competencia. La resistencia de sus prendas se debió a la implementación del uso de remaches de cobre, patentados por la compañía, y así reforzar los puntos de tensión donde los pantalones normalmente se rasgaban, principalmente la esquinas de los bolsillos y la base de la cremallera.

El logotipo de los “dos caballos” de Levi’s fue creado en 1886 en un intento de ilustrar el anterior punto, como uno de los más importantes, que impulsó de venta entre los compradores del siglo XIX:

agencia diseño

Evolución logo Levi’s

Muchos rumores  se han compartido en la web, centrando en conectar un relato sobre esclavitud y tortura, efectuada en los Estados Unidos. En la cual se afirmando que el logotipo de la marca Levi’s representa a un esclavo desgarrado por los caballos.

Volviendo un poco a la actualidad, durante estos años hemos visto que la imagen visual de Levi’s ha ido evolucionando hasta llegar al mínima expresión, nada que ver con sus inicios.

Exactamente en el año 2011, Turner Duckworth, decidió enfocarse en la figura de las alas de murciélago de la firma, la cual es característica en las bolsas traseras de los jeans. Además de ser un elemento visual que ha permanecido a lo largo de los años en la publicidad de la marca.

El reto de Duckworth era modernizar esa figura, hacerla más elegante en su forma. Para ello analizó la marca y pronto se dio cuenta que la figura de las alas de murciélago siempre ha sido constante en el diseño de los jeans y de los diferentes logotipos que ha tenido la marca.

Iconos del diseño de los jeans.
Diseño del bordado de Levi’s

Además, del color rojo de la marca y un elemento más es la R de marca registrada, la cual está ligeramente recortada. De ahí surgió el actual logotipo, en el que está más estilizada la figura, roja como siempre y con la R en un circulo ligeramente recortada.

La lección sobre esto es simple. Para construir el branding de una marca y hacerla icónica sólo se necesita analizar los elementos visuales que han sido constantes en la empresa, como los productos y después enfocarse en ellos para mejorarlos.

 

La arriesgada fotografía de David LaChapelle

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La arriesgada fotografía de David LaChapelle, uno de los fotógrafos más influyentes de los últimas décadas.

Durante los 80’s Warhol quedó enamorado de las fotos que había visto de LaChapelle, y le dio la oportunidad de publicar en su revista, Interview. Casi todas las fotos de esta publicación eran sobre  celebridades y lo que más quería reflejar Warhol en su revista, es la belleza, quería que todo aquel que saliera en ella saliera, bien, hermoso, y virtuoso.

Luego de que Warhol muere en el 87, la revista interview ya no es lo mismo, las ventas bajan y LaChapelle comienza a buscar su sustento de maneras no tan artística, deja de lado lo grotesco, el glamour y el surrealismo, para tomar cada trabajo que se le ofrezca, así fuera tomar fotos en una boda.

David decide no darse por vencido y vuelve a tomar el tipo de fotografía que él tanto amaba sacar, las conceptuales, con arte, escenario y es así que este vuelve a resurgir en los 90’s y revistas como Vogue, Rolling Stone, I-D, Vibe entre otras lo buscan más que como a un fotógrafo a una estrella.

A finales de los 90`s LaChapelle ya se había convertido en un fotógrafo de prestigio, al cual lo admiraban todos los artistas del medio, y no habría una sola celebridad que se negara a ser fotografiada por él, entre ellas están:  Whitney Houston, Christina Aguilera, Pamela Anderson, Kylie Minogue, Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Marilyn Manson, Drew Barrymore, Elton John…

La arriesgada fotografía de David LaChapelle

Muchas de estas formaron parte de un proyecto del fotógrafo llamado LaChapelle Land, una publicación con retratos de las celebridades más populares dentro del mundo del espectáculo.

barcelona

 

No Solo es fotógrafo

Por otro lado, David coqueteó con la imagen en movimiento, siendo director de uno de los vídeos más impresionantes del músico y productor Moby, llamado Natural Blues, en el cual podemos ver una estética que escapa del glamour de la fotografía, sino que todo lo contrario, mostrando un mundo triste y deprimente:

A parte de este, también ha dirigido otros videoclips musicales de artistas conocidos, así como algunos anuncios comerciales bastante alternativos.

David LaChapelle persigue la belleza pero siempre con reflexión y con un mensaje que siempre se deja ver, a veces de manera implícita y otras explicita.

La exposición que se realizó durante el 2009 hasta el 2012, en el museo de Nueva York llamada Still Life, nos muestra con ironía a diferentes tipos de celebridades, las cuales están representadas muertas o destrozadas, o en paquetes como productos.

Las obras de LaChappelle han sido expuestas en un sinfín de museos alrededor de todo el mundo, su corriente artística es el pop art, el cual tiene como fin llevar al arte a donde las masas pudieran tener acceso, no solo a lugares de élite donde solo unos pocos pudieran verlos, admirarlos y criticarlos.

Actualmente LaChapelle sigue trabajando para varios medios, con colaboración de lo que él llama su familia, que son un grupo de estilistas, diseñadores de escenario, artistas urbanos y vestuaristas, sin su equipo su trabajo sería muy difícil de lograr, ya que cada una de las fotos de LaChapelle es una puesta en escena de algo que nunca antes vio él ni quien participa.

fuente: david LaChapelle

estudio diseño grafico

Claves para optimizar e imprimir imágenes

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Hoy en día la mayoría de nuestras fotos están en formato digital, y acumulamos cientos y miles de fotografías en nuestros discos duros. Las copias de seguridad se hacen imprescindibles, si queremos proteger nuestros archivos más preciados. Sin embargo, parece que hemos olvidado una de las mejores maneras de asegurar nuestras fotografías y, por qué no, también de disfrutarlas: imprimirlas. Ver tus fotografías en el ordenador está bien pero, ¿dónde queda la nostalgia de hojear un álbum? O, dando un paso más, es muy satisfactorio observar tus mejores fotos impresas en tamaño grande, o sobre lienzo o metacrilato, por ejemplo.

¿Cómo Puedo Imprimir mis Fotos?

Las fotografías, como cualquier archivo digital, pueden ser impresas con cualquier impresora. Sin embargo, dependiendo tanto de la máquina que usemos como del soporte sobre el que lo hagamos, la calidad de las mismas puede llegar a ser desde pésima hasta excelente.

Existe papel fotográfico para imprimir nuestras fotografías con una impresora doméstica. Pese que ya existen impresoras de muy buena calidad al alcance de la mayoría, una fotografía nunca va a quedar igual de bien con una impresora doméstica que con una específica para fotografía, independientemente de que sea láser o por inyección de tinta. Aun así, si te corre prisa y no necesitas un resultado de alta calidad, puede servirte.

Pero si estás buscando una buena calidad, sin duda lo mejor es imprimirlas en un laboratorio, ya que ellos cuentan con impresoras profesionales y de gran formato para poder realizar todo tipo de impresiones, desde las típicas 10×15 hasta fotografías mucho más grandes. Muchos laboratorios solo trabajan para profesionales autónomos, por lo que lo más normal será acudir a cualquier tienda de fotografía para imprimir tus fotos. Sin embargo, los laboratorios suelen tardar un poco de tiempo en poder tener listas tus fotografías.

Si tienes algo de prisa o incluso si quieres imprimir tus fotos al momento, muchos fotógrafos y grandes superficies cuentan con impresoras profesionales instantáneas. No ofrecen una calidad tan buena como la que puede conseguir un laboratorio, pero sí tendrán mejor calidad que lo que puedas conseguir tú en casa con una impresora doméstica. Estas impresoras instantáneas profesionales no usan la típica tinta o tóner, sino una cinta de tinta con los 3 colores necesarios (cian, magenta y amarillo). Estas cintas aplican de manera uniforme la totalidad de la tinta necesaria para imprimir la fotografía, por lo que no aparecerán nunca las típicas líneas de impresión que suelen aparecer en las fotografías impresas con una impresora doméstica, ya que éstas imprimen poco a poco por líneas, y eso suele notarse.

Además cuentas con un sinfín de opciones para poder imprimir tus fotografías: fotos en brillo o en mate, álbumes digitales, fotolibros, ampliaciones de gran formato, pósters, fotografías sobre lienzo, metacrilato, paneles ligeros, madera y mucho más.

 

1. El Tamaño de la Impresión

Existen una serie de tamaños estándar que son los que nos vamos a encontrar en cualquier tienda de fotografía. Pese a que podríamos hacer la foto al tamaño que queramos y encajarla dentro de estos tamaños estándar para luego recortarla, lo más lógico es que adecuemos nuestra foto a estas medidas para imprimirla ya a ese tamaño. Aquí es donde nos vamos a encontrar con el primer problema: normalmente nuestra foto no va a encajar perfectamente dentro de los tamaños estándar.

El tamaño «de toda la vida» de impresión de fotos para álbum es el famoso 10×15 cm. En este tamaño encajan casi perfectas las fotografías con proporción 3:2, las que podemos sacar con cualquier DSLR de medio formato. Sin embargo, no todos los tamaños estándar tienen esta misma relación de aspecto, por lo que tendremos que ser muy cuidadosos a la hora de encajar nuestra foto para que no se corten zonas que nos importen, o para respetar en la medida de lo posible las reglas compositivas que hayamos querido seguir.

Aunque cada laboratorio puede tener tamaños diferentes o pasos intermedios entre estos, los tamaños estándar más comunes son 6×9, 9×13, 10×15, 13×18, 15×20, 20×25, 20×30,30×40, 30×45, 40×60, 60×90, 70×100, 80×120 y 100×150 (medidas en cm.)

2. La Resolución de la Impresión

Otro punto importante es la resolución de nuestra impresión. De nada nos sirve encargar una ampliación de gran formato y de alta calidad si vamos a imprimir a una resolución demasiado pequeña. El resultado sería pésimo. Este es el siguiente problema que nos vamos a encontrar: necesitamos tener una resolución adecuada al tamaño de impresión.

Dependiendo del los megapíxels de nuestro sensor, nuestras fotografías tendrán un tamaño máximo diferente. El tamaño de nuestras fotografías se mide en píxels, que son esos pequeños cuadraditos por los que está formada la imagen.

Otra cosa que tenemos que tener muy en cuenta son los píxeles por pulgada (ppp) de nuestra foto. Para una buena impresión lo recomendable es que haya 300ppp, por lo que si para imprimir nuestra imagen a un determinado tamaño necesitamos una resolución con menos ppp perderemos nitidez en la impresión. Esto lo podemos comprobar fácilmente en cualquier programa de edición como por ejemplo Adobe Photoshop. Si abrimos nuestra fotografía y vamos al menú Imagen/Tamaño de imagen podremos comprobar qué tamaño tiene en píxeles (e incluso lo podemos cambiar a otras unidades) y el tamaño físico que alcanzaría a diferentes resoluciones ppp.

 

¿Entonces a Qué Resolución Puedo Imprimir mi Foto?

A la hora de imprimir nuestra fotografía en papel, el tamaño final que ocupará nuestra foto dependerá de la resolución de impresión. De este modo, cuanto menos resolución apliquemos a la impresión, mayor tamaño en papel obtendremos. Como te comentaba, una impresión profesional requiere al menos una resolución de 300ppp, aunque a partir de 150ppp los resultados pueden ser aceptables.

A partir de los tres elementos que acabamos de ver (tamaño del papel, tamaño de la fotografía y resolución de impresión) generamos una fórmula que se puede aplicar para resolver la siguiente pregunta: ¿Que medida en centímetros tendrá una fotografía impresa según su tamaño en píxels y su resolución en ppp?

tamaño del papel (cm) = (tamaño fotografía (píxels) * 2,54 cm/pulgada ) / resolución (puntos por pulgada)

Como te comentaba al principio, la calidad final también dependerá del tipo de superficie sobre la que vayamos a imprimir y el tipo de impresora que se utilice para ello. Si además estamos pensando en impresiones en gran formato (pasar nuestras fotos a pósters o tamaños muy grandes), al contemplar las fotos a cierta distancia también podemos bajar el nivel de exigencia.

 

CMYK vs RGB

Por otra parte, también cabe decir que por norma general nuestras cámaras y ordenadores usan el modo de color RGB (red, green, blue) en el que los colores primarios son el rojo, el verde y el azul. Sin embargo, a la hora de imprimir normalmente se usa el modo de color CMYK (cian, magenta, yellow, key). Es por eso que, a veces, las diferencias de color también ocurren por la conversión de modo que hace la impresora (o el laboratorio) en nuestra fotografía antes de imprimirla.

Por eso, será conveniente que antes de guardar tu fotografía en el formato que desees (por ejemplo JPG, que es el más común) la pases a Modo de Color CMYK. Por ejemplo, desde Photoshop puedes hacerlo fácilmente yendo al menú Imagen/Modo/Color CMYK. Verás que los colores de tu fotografía cambian ligeramente, por lo que podrás modificarlos antes de guardarla si no te convencen en este modo.

¡Imprime tus Fotografías!

Quizás te habías planteado imprimir algunas de tus fotografías para hacer algún regalo especial. Pero puedo asegurarte que si ese regalo te lo haces a ti mismo también, lo agradecerás. No hay mejor forma de disfrutar de tus propias fotografías que verlas impresas de manera física, hojearlas en un álbum o, mejor aún, disfrutar de todos sus matices en una impresión a gran formato.

Si no lo has hecho aún, ¡anímate a imprimir tus fotografías!

Rebranding del logo de eBay

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La web de subastas eBay, nació hace 25 años, su concepto era muy innovador. Por entonces, el concepto de compra y venta por internet muy nuevo y desconocido pero hoy día es bastante habitual. Con el paso del tiempo, este tipo de plataformas han pasado a formar parte de nuestro día a día, pero la compra online ha cambiado de forma radical en estos años.

eBay ha planteado un cambio de identidad para mostrar su apuesta por la innovación y por la diversidad. El discreto rediseño de su logotipo y la puesta por un nuevo estilo visual ha sido desarrollado por Form& junto con el propio equipo de marca de eBay.

Primer logo de eBay

En el año 2012, eBay presentó un rebranding de su marca con letras multicolor condensadas y una imagen un muy aniñada. Hoy, con el diseño nuevo se mantiene esta esencia gráfica con un cambio formal casi imperceptible ya que las letras se separan ligeramente para mejorar su legibilidad y hacerlo menos compacto.

Además, se mantiene la apuesta multicolor pero de una forma más elegante dotando al logotipo de uniformidad cromática en los cuatro caracteres pero variando sus fondos según la nueva paleta de color. En general, este es un cambio lógico que no asume grandes riesgos porque a día de hoy los logotipos tienen ser discretos y, en cierto sentido, muy monótonos.

El universo tipográfico es creado a partir de una Market Sans, creada en exclusiva para este proyecto. Aunque es equilibrada y resulta demasiado correcta, Market Sans no aporta una gran personalidad al conjunto de la identidad y tal vez lo más llamativo es su gran parecido formal con el logotipo.

Además de un nuevo estilo fotográfico de carácter dinámico y muy joven, lo más destacable del nuevo lenguaje visual de, sin duda, es su nueva paleta de color.  ha apostado por una paleta muy amplia y con colores llamativos claramente orientados a los entornos online donde la marca vive de forma habitual.

 

 

 

Impresión 3d, la nueva forma de imprimir

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Nos encontramos inmersos en la que algunos consideramos la próxima revolución en fabricación. Por ejemplo el presidente Obama, que el pasado mes de febrero en su Discurso sobre el Estado de la Nación planteó un objetivo de Política Industrial relevante: “Guarantee that the next revolution in manufacturing is Made in America”. Esta declaración no es más que la punta del iceberg de una tecnología que ya está revolucionando la fabricación de muchos productos, procesos y servicios, tecnología que generará innovaciones revolucionarias que cambiarán completamente la forma de trabajar de muchos sectores. Hablamos de la fabricación aditiva, más conocida como Impresión 3D.

Veamos algunos de los desarrollos que ya están en proceso:

  • La NASA pretende que los astronautas se impriman la comida en el espacio, para lo cual ha concedido 125.000$ para que se desarrolle un prototipo de impresora que lo consiga. De esta forma será posible comer a la carta en el espacio.
  • En la Universidad de Princeton han desarrollado un oído impreso en 3D, que permite “escuchar” frecuencias más allá de las que actualmente nuestro oído está capacitado para escuchar.
  • En Australia, un equipo de investigadores del Australia’s Victorian Organic Solar Cell Consortium (VICOSC) han conseguido imprimir celdas fotovoltaicas en formato A3.
  • En Japón ya imprimen caras para colocarlas en muñecas. Una evolución no descartable en un futuro sería la impresión de una cara utilizando piel generada a partir de células madre, destinadas a la reconstrucción facial en personas que han sufrido accidentes o cáncer de piel.
  • En Europa, la Agencia Espacial Europea se plantea construir una estación lunar utilizando la impresión 3Dsin tener que trasladar materiales desde la Tierra, sino que utilizarían como materia prima las rocas lunares.
  •  Esta es una pequeña muestra del amplio abanico de desarrollos que están en proyecto o son una realidad. Sin embargo, lo que hace que esta tecnología sea una revolución es su precio o coste, que ha ido bajando de forma importante. A nivel particular, ya existen impresoras que desde 399$ nos permiten imprimir productos en diversos materiales, totalmente útiles para la vida en casa como, por ejemplo, herramientas o piezas para muebles.

    Ya en un ámbito más lúdico, pero sin duda con una aplicación espectacular empresarialmente hablando, hemos visto cómo en las pasarelas de moda ya han empezado a desfilar modelos con trajes impresos en 3D.

Que esta tecnología no es una moda pasajera lo vemos en el hecho de que los países más avanzados del mundo están invirtiendo en Centros de Innovación en Impresión3D para el desarrollo de sus Industrias de Fabricación, que les permita conseguir innovaciones radicales que les den el liderazgo mundial en muchos sectores. Por ejemplo, en China una alianza empresarial prevé en los próximos años abrir diez centros repartidos por su territorio. EE.UU. no se iba a quedar atrás, y recientemente se ha abierto un concurso por 200 millones de dólares para crear tres Centros de Innovación que, a su vez, forman parte de un plan para tener 15 Institutos de Innovación en Fabricación 3D por todo el país que supondrían una inversión global de unos 100.000 millones de dólares.

Con todo lo expuesto, nos podemos plantear un futuro para la innovación que es casi de Ciencia Ficción, pero que es fascinante y sobre todo real. En muchos productos no habría necesidad de tener recambios en stock de todos los componentes, ya que sería suficiente con conectarse vía Internet con la máquina o producto estropeado, un sistema interno informaría de las piezas estropeadas, se enviarían a imprimir los diversos recambios para que el operario de turno pudiera substituirlas, con lo que el servicio sería más eficiente para el cliente porque no tendría que sufrir algunos dobles viajes a “buscar una pieza que no he traído”.

Imaginemos lo que esto puede suponer en lugares en que el acceso es difícil, o que debido a causas climátológicas o de otra naturaleza quedan aislados: ssi tuviesen acceso a impresoras 3D de diferentes tamaños, podrían fabricarse productos que necesitasen para su día a día o para reparar los desperfectos ocasionados.

 

diseño grafico barcelona

En un futuro se podría llegar a la situación de que nos escaneen tridimensionalmente, y ese archivo quedaría grabado en una tarjeta con nuestro historial clínico. Así, cuando se nos estropearan una muela por una caries, el odontólogo imprimiría la réplica “idéntica” a la natural. Esto sería aplicable a fracturas de huesos o enfermedades que inutilicen órganos como el hígado o el riñón.

En definitiva, esta tecnología supone una oportunidad increíble para las mentes innovadoras, que podrán crear nuevos productos, procesos o servicios con el único límite de la imaginación.

 

Historia del Photoshop

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Casi todo el mundo ha oído hablar hoy en día de Photoshop, pero que sabemos realmente de él. Para muchos es el mejor programa de retoque fotográfico que ha existido, para otros solo una herramienta que permite a las revistas publicar falsas fotos de famosos. Pero alejándonos un poco de esto, vamos mucho mas allá, al principio de todo…

Photoshop es uno de los programas mas vendidos en todo el mundo. Se ha convertido en un estándar para varias industrias y es una fuente de recursos de gran calibre para Adobe Systems Inc. Sin embargo, hoy conoceremos los humildes orígenes de este sensacional programa que tantas horas de creatividad nos proporciona, tanto en el área profesional como artística.

Nos vamos a 1987. Encontramos a Thomas Knoll, candidato a doctorado en visión de ordenadores.

Para ello intenta escribir un programa que sea capaz de reproducir imágenes en pantalla con tramas de gris. Estamos hablando de cuando los monitores apenas mostraban algo en Blanco y Negro. El programa se llamó Display. Escrito originalmente en un ordenador Mac Plus, como diversión para el doctorado, Display llamó la atención de su hermano John, el cual había trabajado en la ILM (Industrial Light and Magic), nada menos que la empresa de efectos especiales de George Lucas. La ayuda de John fue inestimable para poder producir nuevas versiones de Display con funciones cada vez mas amplias. Meses mas tarde, Display era capaz de leer y escribir diversos formatos de ficheros gráficos, trabajaba en color -adaptándose al cambio de hardware- y se estableció la base para los plug-ins. Las selecciones ya eran en aquel entonces una realidad, incluso con bordes suavizados (calado). Otras opciones disponibles eran los niveles, el balance de color, el ajuste de tono y saturación y algunas posibilidades de pintura.

1988. Casi un año mas tarde John cree tener la base para un producto comercial. Por aquel entonces solo existía una aplicación similar a lo que pretendían crear los hermanos Knoll, PhotoMac. Entonces empezaron los cambios de nombre de la aplicación. Tras muchos intentos fallidos -los nombres ideados ya existían- alguien les sugirió Photoshop. Y desde aquel día así se llama el programa. Problemas financieros, visitas y contactos con diversas posibles fuentes de financiación finalmente consiguieron atraer la atención de Barneyscan, un fabricante de scanners. La primera versión comercial de Photoshop, la 0.87, apareció junto a estos dispositivos. Unas 200 copias. Tras contactos con Apple y de vuelta a Adobe, Russell Brown, el principal director de arte, queda absolutamente impresionado con Photoshop. Las circunstancias eran algo adversas. Acababa de firmarse un contrato con Letraset por su producto ColorStudio. Convencido de que Photoshop era mucho mejor, Adobe decide comprar la licencia para la distribución de Photoshop.

1989-1990. Durante este periodo sigue el desarrollo del producto sin apenas beta testers.

Se siguen las sugerencias para mejorar la aplicación y mientras, Thomas escribe y reescribe el código. En febrero de 1990 aparece Photoshop 1.0. Tras encontrar diversos bugs y corregirlos, aparece la versión 1.0.7. La competencia no puede con su interface elegante y su código bien escrito. La calificación es excelente. En estos años la revolución de la autoedición esta tomando fuerza, y Photoshop se aprovecha de ello en gran medida. Russell Brown produce una serie de demostraciones divertidas y espectaculares para mostrar la facilidad de uso y potencia de Photoshop. ColorStudio dispone de características que no están presentes en Photoshop, pero tiene una gran desventaja en contra. Letraset ha posicionado su producto en el mercado vertical, dejando al margen al público en general. Se desarrolla y publica la versión 2.0 de Photoshop, convirtiéndose en un estándar de facto. A partir de este momento empiezan a entrar mas ingenieros en juego. Thomas Knoll ya no es suficiente para lo que va a venir en siguientes ediciones. Mark Hamburg, el “hombre trazados”, incorpora la tecnología necesaria para el tratamiento de trazados. Photoshop 2.0 permite integrar gráficos procedentes de Illustrator, soporta el modo CMYK, duotonos, y la herramienta Pluma. Steven Guttman se convierte en el primer Product Manager de Photoshop y empieza una larga tradición dando nombres clave a las versiones beta. La número 2.0 se llamó Fast Eddy. Photoshop 2.0 gana un amplio rango de clientes en la industria de la impresión gracias a su soporte para la cuatricromía. La separación de colores genera una revolución en el mundo de la autoedición. Las ventas se disparan. Pero ello no impide que el desarrollo siga adelante. Llega el momento de plantearse una versión para entorno Windows. Esta debe desarrollarse en paralelo a la versión Mac. La versión Windows se llamó Brimstone, y la de Mac, Merlin (de ahí seguramente los huevos de Pascua en los que aparece el mago). La nueva versión se convierte en Photoshop 2.5, no 3.0 como debería haber sido. Esta incorpora novedades tales como mejores paletas, soporte para ficheros de 16-bits, etc. Lo mas notable es que se trata de la primera versión Windows. Aparece un serio competidor en el horizonte Windows. Se llama Aldus PhotoStyler. Además, existen problemas en la gestión de memoria. Solucionado el problema aparece la versión 2.5.1, la primera para funcionar con chips Power PC. . La mayor diferencia estará destinada en convertirse en una de las mas brillantes características del programa, las capas. Aquí aparece la controversia. Parece, según la prensa, que esta función ha sido plagiada de otro programa, Live Picture.

1994-1995. A finales de septiembre de 1994 aparece la versión Mac de Photoshop 3.0.

En noviembre, para Windows. Esta versión no estaba exenta de problemas diversos. Falta de documentación, código beta no desactivado, etc. De aquí se derivaron 3.0.1 y 3.0.3 para resolver estos conflictos. Con todo, Photoshop 3.x marcó un hito. A partir de ahora era posible trabajar con objetos gracias a las capas, y ello lo cambió todo por completo. La edición y retoque, la composición de imagen, prácticamente todas las operaciones eran mucho mas flexibles. La falta de una función Deshacer múltiple se paliaba en parte gracias a la posibilidad de copiar capas y eliminarlas después.

1996. Tras un largo periodo en el que se pensó haber llegado a máximo con Photoshop 3.0, vuelven los esfuerzos e ilusiones para dar paso a la siguiente versión.

Para ello se toma una decisión radical: modificar por completo la interfaz del programa. El objetivo final es solo uno: unificar criterios e interfaces entre todas las aplicaciones Adobe. Sin entrar en la polémica suscitada por estos cambios, la futura versión va a contener una serie de novedades importantes. Se desarrollan las acciones, las capas de ajuste, las rejillas y las guías. Se trabaja en la transformación libre, y en la aceleración de la pantalla mediante caché. Así fue el inicio de la versión 4.0, llamada Big Electric Cat. A pesar del sufrimiento y desagrado expresado por gran parte de la comunidad de usuarios de versiones anteriores, respecto a los cambios de interfaz y atajos de teclado, Photoshop 4.0 tuvo un éxito rotundo. El numero de libros escritos sobre Photoshop supera el centenar. Aparecen compañías como setas, ofreciendo sus productos: plug-ins, add-ons para Photoshop. ¿Hay algo que pueda hacer pensar en mejorar aún mas el producto? Seguramente la World Wide Web tenga mucho que ver en esto. Se necesitan muchas herramientas para hacer frente a la demanda gráfica en Internet, y todo esto lleva al equipo de ingenieros de Adobe a replantearse una revisión y nueva edición de Photoshop. Photoshop 5.0 ya está en desarrollo e incorporará herramientas y características nunca antes soñadas. Una de las mas impactantes es la Paleta Historia, una interesante e inteligente forma de pensar en la herramienta Deshacer, pero de forma mucho mas dinámica, flexible y clara. La estructura de la función deshacer, por definición lineal, aquí deja de serlo. Es posible retroceder varios pasos, bifurcadas hacia otro camino y no perder el trabajo hecho en el anterior. Increíble. Algunas herramientas sufren cambios, como el pincel de clonar o pluma. Y llegamos a la mejor de todas las novedades, la gestión de color. Para algunos significa un gran avance para otros, un desastre. Gracias al uso de la gestión de color pensada como perfiles independientes, es posible trabajar con originales procedentes de diversos orígenes -diapositivas, video, scanners, fotografías, etc- sin alterar el esquema de color original. Hasta el momento solo era posible hacerlo gracias a instrumental especializado y caro. La ganancia de punto también sufre cambios en su implementación. Tal como ocurrió con el soporte de cuatricromía en su momento, estos cambios tienen su mayor impacto en la industria de las artes gráficas.

En mayo de 1998 aparece Photoshop 5.0.

A pesar de todas estas mejoras, quedaba un tema pendiente, la Web. ImageReady hace su aparición como respuesta a la demanda de los usuarios. Se trata de un “casi” Photoshop, con funciones especificas para la Web. Recorte de imagen, optimización de la misma para mejorar el tiempo de descarga navegando por Internet, etc. La primera versión no tuvo el impacto deseado, quizá debido a falta de funciones y herramientas ya existentes en otros ámbitos, programas o incluso en plug-ins para Photoshop. Con la aparición de Photoshop 5.5, ImageReady 2.0 forma parte del mismo paquete, convirtiéndose en compañeros inseparables.

La permanencia de Photoshop 5/5.5, se podría decir que marcó la cima del vertiginoso ascenso de lo que ya se consideraba como el líder absoluto en la edición de imágenes.

Tal vez nunca hubo tal explosión en lo referente a creación de aplicaciones secundarias relacionadas al programa como lo fueron los centenares de Plugins de distintas compañías.
Tan fuerte ha sido la marca que impuso Photoshop 5, que hasta hoy día hay usuarios que mantienen instalada y en uso esta versión. A partir de este momento Photoshop continuaría creciendo y sorprendiendo a sus usuarios con características que en cada versión demuestran que la creatividad de los ingenieros de Adobe es sencillamente inagotable, pero sin un camino que ir abriendo sino simplemente posicionado sobre su trono de liderazgo.

Adobe Photoshop CS6

Su lanzamiento en Mayo 2012 ofreció muchas mejoras en términos de velocidad y rendimiento a la vez que añadia la edición mejorada de vídeo y 3D. Esta nueva versión casi obliga a pensar en utilizar potentes ordenadores como los barebones y en esta página te proponen buenos barebones.

Mejoras en las capas, la herramienta de Recorte, de los archivos Camera Raw y el nuevo Relleno automático fueron los elementos destacados de la versión CS6.
Preparado para la versión 13, con el código interno de “Superstition”, era el fin de la compra de la aplicación completa en modo Suite. A partir de la siguiente, empezó el modelo de suscripción. La versión 13.1.3 fue la última version de Photoshop en ofrecerse con una licencia permanente.

Adobe photoshop CC 2013El salto al Cloud con Photoshop CC

En Junio 2013, todo cambió con el lanzamiento del versión Creative Cloud de Photoshop.
Esto permitía lanzar actualizaciones más frecuentes a los suscriptores.
La primera versión CC fue la 14 llamada también Lucky 7. La integración en la nube ( Cloud) con la recinte compra por parte de Adobe de la empresa Behance y eso permitía tener sincronizadas las preferencias en el Cloud.

Photoshop CC 2014

La versión 15.0 de Photoshop CC salió en Junio 2014 trayendo entre otras mejoras las guías y objetos inteligentes, una rueda de colores que se quedaba abierta, capas compuestas actualizables, integración completa con TypeKit, une menú de búsqueda de fuentes que se podia buscar, mejoras en el Relleno de contenido y por supuesto mejoras en las sincronización en el CLoud.

Photoshop CC 2015 y sus múltiples variaciones de versiones..

Esta nueva versión se lanzó con nueva interfaz al abrir la aplicación que presentaba una lista de archivos o íconos, ajustes de documentos y contenidos de la biblioteca y todo esto en un fondo oscuro.
También proponía por vez primera un enlace hacía Fuse CC, una nueva aplicación de creación objetos y modelos 3D y que se podian integrar directament en el programa Photoshop desde el Cloud.
En el 2015 y 2016 salieron varias actualizaciones del conjunto Creative Cloud desde la CC 2015.1 hasta la CC 2015.5.1 (que corresponde a la versión 17.0.1)

Photoshop CC 2017 : no hay casi nada nuevo bajo el sol… 😉

En resumen, Photoshop es uno de los programas que más impacto ha tenido en más industrias. Con beneficios millonarios, la compañía que lo ha hecho posible nos depara nuevas emociones y características que no podemos ni siquiera pensar, y los inicios fueron simplemente un divertimento de Thomas Knoll mientras preparaba su tesis, que por cierto, nunca finalizó.

Las ilusiones ópticas de Escher

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Clasificar la obra de Escher no resulta algo sencillo, para los matemáticos: fue un artista, para los artistas: fue un matemático. La creación de escenarios fantásticos o situaciones imposibles podría vincularlo con los surrealistas, aunque no se interesó por la psicología y sus obras no derivaron específicamente de los sueños; si notamos el estilo surrealista en su afán de escapar de la realidad. Su estilo más reconocido se basa en la experimentación hasta los límites de lo posible que muestran su dominio de la geometría, la perspectiva y la división del plano en figuras iguales.

M. C. Escher. Cielo y aguaI. 1938.   M. C. Escher. Manos dibujando. 1948.   M. C. Escher. Relatividad. 1953.

Sus primeras obras retrataban paisajes y arquitectura de forma realista, la Alhambra de Granada (España), fue uno de sus edificios predilectos al momento de reflejar la realidad, su ornamentación recargada, se repartían el espacio de forma esquemática y perfecta, influyó a las creaciones siguientes, en las que empiezan a mostrar divisiones regulares del plano y patrones de repetición.

Posteriormente, Escher se destacó por grabados en madera, xilografías y litografías. Entre sus obras se encuentran algunas similitudes que nos permiten reconocer su trabajo.

Características generales:
– Juegos visuales
– Utilización del blanco y el negro en su mayoría
– En las imágenes en blanco y negro, el juego de luces y sombras es el principal protagonista, así como las texturas de las cosas que ayudan a diferenciar las formas.
– Dualidad, búsqueda del equilibrio y simetría
– El infinito frente a lo limitado
– Figuras imposibles
– Fondos reticulados con diversos patrones
– Mundos imaginarios
– Ilusiones ópticas
– Sorpresas ocultas
– Impresión de espacios sin límites
– Sensación de normalidad dentro de lo anormal o imposible
– Cuerpos platónicos, cintas de Möebius, geometría hiperbólica, etc.
– Sustitución de los sólidos principios tradicionales por nuevas leyes y extraños principios geométricos.
– Espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.
– Ciclos, Metamorfosis, Teselaciones y Traslaciones

No basó su trabajo en los sentimientos y siempre buscó crear su propio universo. Evitando utilizar elementos de obras anteriores (excepto en los encargos).

Bruno Ernst (uno de sus biógrafos) analizó y clasificó sus obras en tres categorías:
– La estructura del espacio: paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
– La estructura de la superficie: metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
– La proyección del espacio tridimensional en el plano: representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Su visión abstracta se conjugó con el arte y con las matemáticas; pero Escher sentía que tenía más en común con los matemáticos que con los artistas, aunque en las conferencias de matemáticas aplicadas, por ejemplo, sólo podía responder ante los expertos, a través de la experimentación visual que realizaba en sus obras.

Actualmente su trabajo se encuentra plasmado en posters, puzzles, camisetas, corbatas, portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos

branding barcelo

Historia del logo de BMW

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BMW es una de las marcas automovilísticas mas importantes de todos los tiempos. Símbolo de constante evolución tecnológica e innovación, la imagen de sus coches siempre estará asociada a unos estandares de calidad por encima de la media, siendo totalmente reconocibles.Los orígenes del logo de BMW disipando el mito de que el emblema fue creado en base a las hélices de los aviones.

Los Motores de los aviones son el origen del mito. La gente piensa que el logotipo de BMW se basa en una hélice giratoria. El origen de esta interpretación es la portada de una revista de aviones BMW. La imagen inferior,  fue tomada en 1929, años después de que se datara la existencia del logo.

BMW magazine cover illustration

En muchos sitios puedes leer que el logotipo de BMW tiene sus orígenes en una hélice de un avión girando, incluso en sitios bastante populares, pues según BMW, eso es falso.

El origen de que se confundiera el logotipo de BMW y su significado con las hélices de un avión es simple leyenda urbana.

Para el fabricante germano, proviene de unos anuncios de BMW de 1929  en donde se fundía el logotipo con las palas de las hélices del avión con el fin de potenciar los nuevos motores radiales de aviación.

Para liar más la cosa, Wilhem Farrenkopf, director de prensa de BMW en 1942, el cual escribió un artículo donde ponía como explicación para el origen del logotipo las hélices mencionadas antes.

La confusión es tal que BMW decidió realizar hace algunos meses un vídeo explicando precisamente la cuestión para intentar zanjar el tema de una vez por todas.

Y es que el primer logo origen de BMW se registró el 5 de octubre de 1917, de la RAPP Motors, una de las compañías que formaría más tarde la conocida BMW. De él, se obtuvo el círculo exterior, mientras que los colores (blanco y azul) son los colores de la bandera bavara, región alemana origen de la marca, y que se diseñaron de la forma que todos conocemos porque no estaba permitido usar comercialmente símbolos nacionales.

No obstante, aún existen corrientes que apoyan la teoría de las hélices, aclarando que surgió cuando BMW, fundada en 1917 para fabricar motores de aviación militares durante la primera guerra mundial, copió el emblema de un club de aviones bávaros que, a su vez, se habían inspirado en los molinos de viento de la localidad. Historia bastante retorcida, pero aún lo es más cuando afirman que BMW, con la finalidad de que no se la vincule con la guerra, lleva años esforzándose en desterrar esa corriente que explica la historia de su logotipo. El problema de esta teoría es que, como en todas las historias conspiranoicas, nadie sabe dónde está y nadie ha visto ese primer logotipo del club de aviación “copiado” por BMW. Y estaría bien verlo, puesto que así se sabría si la inspiración (por las disposición de las letras) fue por el logotipo de RAPP Motors, o ya las tenía el otro logotipo, el del Club de Aviadores (o carecían de ellas, lo que aclararía más la cuestión).

BMW logo Rapp logo

BMW logo 1917

BMW logo 1933

BMW logo 1953

BMW logo 1979

BMW logo 2011

diseño grafico barcelona

historia del logo de google

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Septiembre de 2015 fue la fecha que eligió Google para estrenar su nuevo logo, luego de que el 11 de agosto del mismo año anunciara la mayor reorganización que ha tenido en su historia.

Desde su blog corporativo, Tamar Yehoshua, Vicepresidente de gestión de producto y Bobby Nath, Director de experiencia del usuario explicaron que “…Actualmente, las personas interactúan con los productos de Google a través de una gran variedad de plataformas, aplicaciones y dispositivos, a veces desde todos en un mismo día…” “… Hemos tomado el logotipo y la marca Google, que originalmente fue creada para una página del navegador en el escritorio, y las actualizamos para un mundo de uso sin fronteras a lo largo de un sinfín de dispositivos y diferentes tipos de entrada”.

El nuevo logo mantiene la línea de su predecesor, pero utilizando una tipografía sans-serif con colores un poco menos brillantes. De hecho, el nuevo logo parece una fusión entre el antiguo logo de Google y el de Alphabet Inc. (empresa de la cual ahora Google es subsidiaria). El nuevo logo ya puede observarse en la página de inicio junto a un Doodle que muestra como se borra el anterior logo y se dibuja el nuevo.

Se vienen más modificaciones en Google, todo para que lleve concordancia con el nuevo logo, otra de ellas es por ejemplo la pequeña G que se mostraba cuando los usuarios hacían click al micrófono, ya no es azul, es multicolor.

A pesar de no ser la primera modificación en el logo de Google, esperan que la remodelación sea “…No sólo para el Google de hoy, sino para el Google del mañana”.

Aquí te dejamos un vídeo que compartió Google desde su Blog mostrando la evolución de su logo:

Historia del logotipo de Google

Hemos querido que Google sea la tercera marca en nuestra “colección” de Historia de las grandes Marcas porque a pesar de que sea relativamente joven, Google ya es mucho más que un simple logotipo. Se podría decir incluso que la palabra Google para muchos es sinónimo de internet, y por lo tanto su marca, la más asociada con este medio.

Su éxito se debe en parte al gran potencial de su tecnología siempre en progreso, pero tal vez, sin su sencillez visual, no hubiese llegado hasta donde ha llegado, ya que en Google lo que prima es la información.

De ahi que la gran mayoría prefiera tener Google como página de inicio y así evitar otros buscadores más recargados que terminan cansando con el paso del tiempo.

Y es que el logo de Google ya se ha hecho tan familiar, es tan sencillo y amigable que parecería imposible que fuese de otra manera. Ver los antecedentes de lo que es el logo actual, es casi como un “sacrilegio” a nuestra concepción del afamado buscador.

Los primeros diseños

En 1995  Sergey Brin y Larry Page se conocen en la Universidad de Stanford y poco más tarde comienzan a trabajar en el Digital Library Project de la Universidad de Stanford.

En 1996 comienzan a desarrollar un buscador llamado BackRub. Este nombre se lo dan debido a que la mayor habilidad de este motor de búsqueda es analizar los back links.

En 1997 Backrub se transforma en Google. Sobre el primer logo se puede decir poco salvo que la genialidad y talento de Sergey Brin y Larry Page para la programación no relucía en su faceta artística.

Poco más tarde, en 1998, Sergey Brin diseña este nuevo logo que ya se va pareciendo más al actual, pero que aún distaba mucho en sus rasgos tipográficos y sutileza de colores, los cuales, aun siendo en esencia y en el mismo orden los actuales,  aún son demasiado al estilo de los colores web html de aquella época.

Según google.dirson.com esos colores surgieron de las piezas de Lego dada la afición de sus fundadores por este juguete, con el que hicieron el primer servidory al cual han rendido un homenaje con un logo conmemorativo con motivo de su 50 cumpleaños.

Este “primer” logo tenía además un uso abusivo de sombras, lo cual le daba un aspecto un tanto amateur. Sergey utilizó para diseñarlo el software de edición de imágenes GIMP. Se puede observar en este logo como incorporaba un signo de exclamación que recordaba al emblema del portal más famoso de aquellos días, Yahoo.

Rediseño Logotipo Google 2010 y 2013

En Mayo de 2010 Google lanzó un nuevo logotipo sutilmente rediseñado.

Mantuvo la misma tipografía con un grosor ligeramente mayor y los colores en esencia fueron los mismos y en el mismo orden, solo que con otro matiz más sutil.

La mayor característica de este nuevo rediseño es que eliminó la sombra paralela, y las sombras del interior de las propias letras son también más sutiles,  lo cual produce la sensación de una imagen de marca más limpia y moderna. 

En Septiembre de 2013 Google lanza un nuevo y sutil re-diseño, eliminando ya por completo las sombras interiores (o efectos de bisel) dejando un aspecto más plano o “diseño flat” como se le ha denominado a esta nueva tendencia que comenzó a florecer por aquella época en donde los logos o iconos de apps pasaron de tratar de simular relieves a tener formas más planas y simples.