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Historia del retrato Pop Art de Marilyn Monroe

El Pop Art, movimiento artístico originado a mediados del siglo XX, se desarrolla con fuerza en la década de 1960. Surge como reacción ante las corrientes artísticas de la época, sobre todo, del Expresionismo abstracto (ver comentarios a obras de Rothko y Pollock), que se había desarrollado a partir de la Segunda Guerra Mundial, al que se consideraba vacío y elitista, demasiado elaborado y abstracto, muy alejado de la sociedad. El adjetivo popular no se identifica aquí con las manifestaciones tradicionales o folklóricas de un pueblo, sino con toda la subcultura propia de las economías capitalistas más desarrolladas. El Pop Art será la plasmación práctica de la idea que el escocés Eduardo Paolozzi había tenido ya en 1947, cuando reuniendo diversos objetos encontrados en su vida cotidiana, construyó una obra que reunía aquello que constituía a la sociedad de su época. Se tituló I was a Rich Man’s Plaything, en la que por primera vez aparecía la palabra Pop.

Sus autores recurren sistemáticamente al uso de objetos cotidianos de la sociedad de consumo, de productos del mercado, de todo lo que cualquier persona podía ver cada día. Pretenden elevar a la categoría de arte todos aquellos productoscuya difusión se realiza gracias a la publicidad de los «mass-media»: historietas de comics, fotografías de estrellas del cine, de la televisión, anuncios comerciales, fotonovelas, etc.

En términos generales, aunque no lleva implícita carga crítica alguna, sí hay una cierta crítica de la sociedad de consumo al presentarla fuera de su contexto para que la relación del espectador con el producto sorprenda y le obligue a reparar en lo que cotidianamente le tiene alienado. Con estos planteamientos se acababa con la sacralización de la obra de arte (ya lo había hecho el Dadaísmo) que dejaba de ser algo que sólo se viese en los museos.

Las creaciones del pop art parodiaban, adoptaban y capitalizaban los símbolos del consumismo, el éxito y la fama, así como la cultura de masas. Uno de los cuadros más conocidos de Warhol es la reproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-, coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados. Esta obra se encuadra en una serie de litografías que creó a principios de los años sesenta (Liz Taylor, James Dean, bote de sopas Campbell, botellas de Coca Cola, Mickey mouse, etc.). Todos ellos son símbolos de la sociedad de consumo sin significado, no esconden ningún sentido oculto como tampoco hay denuncia. Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no opinaba, no tenía nada que decir.

En su pintura, además del uso de imágenes sacadas de la vida diaria –práctica habitual entre los artistas del pop- hay otra constante: la repetición en serie de cada uno de sus temas. Esta característica está muy ligada a su particular proceso creativo ligado a la utilización de técnicas de arte aplicado –fotografías proyectadas en la tela, calcos similares a las técnicas de frotado, sistemas industriales como el serigráfico-. A Warhol le gustaba el aspecto impersonal en que desembocaba este sistema de trabajo. La misma cara de la famosa Marilyn retratada en serie resaltaba la superficialidad y banalidad de la fama.

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5 obras mas importantes de Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) fue uno de los máximos exponentes del pop art americano. Desde sus facetas de pintor, escultor y artista gráfico, en sus obras representó temas de la vida cotidiana y la sociedad de consumo. La mayor parte de su trabajo se concentró en la crítica del mundo contemporáneo, a través de pintadas con colores primarios.

Tras haber experimentado con el expresionismo abstracto y más tarde con el cubismo y el constructivismo, en 1961 comenzó a realizar las obras que acabarían por definir su producción artística: la pintura pop, inspirada en la nueva sociedad de Estados Unidos. No debemos olvidar que el neoyorquino fue protagonista de famosas esculturas, eso sí, ya en los últimos años de su vida. En lo referido a su personalidad, se dice que era tímido y que nunca quiso presumir del gran éxito que sus creaciones despertaban en esos años.

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El beso

Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic. Como dato curioso, en 1990 El beso fue vendido en una casa de subastas al propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares.

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Brochazo

Esta escultura, de 1996 y que puede encontrarse en el patio del Edifio Nouvelle del Museo Reina Sofía en Madrid, es una pieza más de la colección Brushstrokes de Roy Lichtenstein, una serie de pinturas y esculturas de brochazos de colores queel artista comparó en una de sus entrevistas con “lonchas de bacon

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Mira Mickey

Realizada en 1961 y de gran tamaño, este óleo sobre lienzo de trazos dubitativos significó mucho para Lichtenstein, ya que con él tuvo lugar la ruptura con lo que había creado hasta ese momento. Sin embargo, años más tarde, cuando parecía estar totalmente asentado en el pop art y la producción masiva, el pintor se fue distanciando de la realidad, volviendo poco a poco hacia la abstracción con obras como Figuras en un paisaje (1977).

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Considerada por los críticos del arte como una de las obras más importantes del artista, esta pintura fue creada a partir de imágenes de cómics de guerra. El panel de la izquierda muestra un avión lanzando un cohete; si se observa el de la derecha, podemos ver cómo impacta a un segundo avión que arde en llamas. Whaam! es en ocasiones encasillado en el mismo género de anti-guerra que el Guernica de Picasso. Las creaciones con expresiones textuales como título pronto se convertirían en una marca del trabajo de Roy Lichtenstein, como se puede comprobar en BratatatyVaroom!

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Mujer en el baño

En esta obra, ubicada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Lichtensteinjuega con un cromatismo de colores primarios que, unido a la simpleza de líneas y curvas, muestra la clara intención del autor de huir del lenguaje del expresionismo abstracto y dejar atrás la reproducción mecánica del cómic, para dar paso al trabajo manual del pintor. Lichtenstein siempre buceaba en busca de la imagen clara y contundente, que el espectador pudiera reconocer al instante

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La Cara de Barcelona, Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein, famoso exponente de la corriente artística Pop Art. Tenemos la suerte que en Barcelona tenemos un pedacito de esta llamativa obra de arte, la famosa Cara de Barcelona.

Todo el mundo tiene una opinión sobre esta pieza que desde la época olímpica decora un extremo del Port Vell de Barcelona, mezclándose con el pasado portuario y el presente de una de las zonas de ocio de la ciudad.

A principios de los años 90, Barcelona experimentaba una transformación que tenía como objetivo la modernización de las infraestructuras de la ciudad pero también la recuperación de muchas zonas entonces degradadas. El Port Vell sufrió una remodelación total y con ella aparecían nuevas obras de arte que lo embellecían. Una de las cartas de presentación de los Juegos Olímpicos es esta pieza del artista gráfico y escultor norteamericano Roy Lichtenstein, que llevó a cabo Diego Delgado entre los años 1991 y 1992. Imponente, la escultura se levanta hasta a 15 metros de altura en el Paseo Colom, muy cerca del edificio de Correos, dibujando su perfil característico contra el azul del cielo de Barcelona.

Desde muchos puntos de vista, deja ver un rostro o una cabeza que nace desde un trasfondo de puntos rojos en relieve. La forma del monumento parece surgir de bruscas pinceladas coloridas y libres. De hecho, forma parte de la serie de Lichtenstein titulada Brushstrokes (Pinceladas). Enmarcado en la corriente artístico del Pop Art e influenciado por la estética del mundo del cómic, el monumento es un homenaje a la ciudad que iba a acoger los Juegos de 1992 y a su arquitecto más famoso: Antoni Gaudí. Evidentemente, la cobertura de la obra con mosaico hace clara referencia a la estética gaudiniana.

Si pasas por la ciudad, no dudes en pasarte a verla, merece la pena.

Love de Robert Indiana un icono muy actual

Hace ya muchos años que el mundo del arte dejó de estar dirigido a una élite especializada para dirigirse hacia el gran público, si bien las vanguardias artísticas del XIX se alejaron más de lo que ellas mismas pretendían del gran público –a día de hoy muchas de las obras vanguardistas siguen resultando extrañas para el ojo inexperto en arte- durante el siglo XX, algunas de las conocidas como segundas vanguardias hicieron el camino inverso, llevando al arte por nuevos derroteros que paradójicamente lo acercaban a la estética popular. Este fue el caso del Pop Art, una de las vanguardias que más repercusión ha tenido desde su creación por su temática amable con productos cercanos al gran público y su estética colorista que la acerca más a los anuncios que a las formas pictóricas tradicionales.

Lo cierto es que incluso a día de hoy muchas de las obras de arte pop, no son conocidas como tal por la sociedad a pesar de que reconozcan su imagen por haberla visto plasmada una y otra vez en diferentes formatos; este es el caso de algunas de las obras de Robert Clarck ya que pese a que para muchos son reconocibles algunas de sus obras más icónicas como LOVE o HOPE, pocos tienden a identificarlas como auténticas obras de la estética pop.
Robert Clarck, más conocido como Robert Indiana por ser originario del estado de Indiana, nació en septiembre de 1928. Entre los años 1949 y 1953 estudió en el Instituto de arte de Chicago y posteriormente continuó su formación en otras instituciones como la Universidad de Edimburgo o en la Escuela de Maine. Algunos de los pintores más influyentes del mundo en esta época dejaron su impronta en la obra de Clarck, así por ejemplo resulta fundamental su relación con el artista Ellsworth Kelly para comprender la simplicidad de sus formas.

A mediados de la década de los sesenta el artista recibió el encargo que lo haría mundialmente conocido

Robert Indiana que ya había triunfado con otras obras como El sueño Americano fue seleccionado por el MOMA de Nueva York para crear una postal de navidad. El diseño elegido por el artista no podía ser más sencillo, el lienzo dividido en cuatro espacios de igual tamaño y cada uno de ellos ocupado por una letra diferente de manera que la palabra queda dividida en dos sílabas, LO arriba y Ve abajo. Un mensaje sencillo y funcional que también ha tenido lecturas más contradictorias al encontrar la letra O girada hacia la derecha y con los colores en negativo. Las letras originales eran rojas y el fondo azul y verde.

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Indiana no registró el diseño de su producción de manera que han surgido numerosas copias en diversos formatos. Hoy en algunas de las calles más famosas de las grandes ciudades mundiales como Nueva York o Tokio encontramos grandes esculturas con este mismo diseño realizadas por el propio artista. En Nueva York por ejemplo, además de la escultura de LOVE podemos encontrar otra pieza con el mismo diseño que reza como HOPE.

 

Keith Haring, un legado para el diseño gráfico

Keith Haring, admirado por muchos y quizá por otros no tanto debido a su forma de ser irreverente, es uno de los artistas más polémicos del siglo XX, gracias a su fuerte sentido de crítica hacia la sociedad en general y por su marcado activismo social, contribuyó al nacimiento de la generación pop y a que por primera vez en varios años después del nacimiento del graffiti, éste se reconociera como arte, más que una simple moda callejera.

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Dibujos de Keith Haring en el Subway de Nueva York

Su La característica principal de la obra de Keith Haring, fue que trasgredió todo lo que se pensaba que se podía hacer a través del arte, sobre todo en los 80’s. Los dibujos animados fueron su inspiración y elementos visuales como platillos voladores, personas, perros, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear fueron sus protagonistas.

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Ignorancia=Miedo, Silencio=Muerte, 1989. Nueva York.

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Mural en Nueva York

Su soporte pictórico se basaba en distintos tipos de plataformas como papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas, teniendo como influencia el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Andy Warhol.

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Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania.

El estilo característico de Keith Haring era una mezcla de su perspectiva sobre la generación pop y la cultura callejera de Manhattan, dándole valor icónico a su Graffiti, además de impregnarle el sentido de peligro, por lo que se reconoce este arte en la actualidad.

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Mural pintado en Barcelona contra el Sida

En definitiva, reflejó como ninguno la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco, las culturas cubanas y africanas. Mezcla de influencias que han inmortalizado sus obras a través del tiempo en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

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Mural sobre el sexo, religión y el papel de la mujer en el mundo occidental.

 

Su más famosa aparición artística fue cuando en el año de 1986 pintó el muro de Berlín. Su preocupación por los problemas sociales en el mundo siempre fue algo que lo incentivó a tomar medidas, por lo que creó tres años después la Fundación Keith Haring. A la edad de 31 años murió en Nueva York víctima del sida en 1990, de los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus chapas, sus camisetas, sus posters etc. todavía se destina hoy en día un porcentaje a la investigación del Sida.

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Keith Haring pintando el Muro de Berlín.

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Pop Art, uno de los movimientos artísticos más influyentes

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Interpretado como una reacción a los ideales del Expresionismo Abstracto, el Pop Art es un movimiento en el que el énfasis no lo encontramos en el arte en sí, sino más bien en las actitudes que lo conducen.
Muchas obras, entre ellas muchas de las más representativas de este movimiento, han sido y son consideradas como incongruentes, debido a que muchas de las prácticas conceptuales que les han dado forma hacen de ellas obras de difícil comprensión.

Fue a mediado de los años 1950 cuando este movimiento surgió en el Reino Unido y a finales de la misma década en Estados Unidos, aunque con diferentes motivaciones…

En el Reino Unido se conoce como precursores a un grupo de pintores, arquitectos, escultores, escritores y críticos, que desafiaban la visión modernista de la cultura y la perspectiva tradicional de las bellas artes.
Este grupo nace en 1952 y era el nido de discusiones que giraban en torno a la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, tiras cómicas, films, ciencia ficción y tecnología. Sin embargo, el término arte pop no fue acuñado hasta pasados dos años, en 1954.

En Estados Unidos aparece por primera vez a finales de los años 1950, aunque su mayor ímpetu llegó a lo largo de los 1960. Por que entonces la publicidad norteamericana había adoptado muchos elementos del arte moderno y los artistas comenzaron a buscar estilos más dramáticos que pusieran distancia entre el arte y los materiales y obras comerciales. Este es el motivo por el que podemos encontrar obras con mayor fuerza y agresividad en Norteamérica, mientras que en Reino Unido tendían a imprimir un toque más romántico, sentimental e incluso humorístico.