Tarjetas creativas

Hoy hablaremos de la importancia de tener una buena tarjeta de visita para nuestro negocio, sobretodo si es diferente a lo demás y original e innovadora. Una tarjeta de presentación puede marcar la diferencia, por eso debe de diseñarla de manera creativa y lograr destacar de entre la multitud, incluso mostrar un poco de lo bien que sabes hacer tu trabajo como diseñador.

Sea o no para ti el diseño, las tarjetas de presentación que crees serán una carta de presentación de tu trabajo, pues representan lo que mejor sabes hacer y tus ideas.

No olvides los principios básicos
Aunque parezca obvio, no debes dejar de pasar los principios básicos como la sangría de 5 milímetros para el corte, 300 dpi en el caso de usar imágenes, tamaños legibles en la tipografía, colores CMYK.

El tamaño importa
Se recomienda un tamaño de 55×85 milímetros, que es la medida de una tarjeta de crédito, aunque existen otras medidas, pero un buen diseño siempre puede ocupar un espacio pequeño sin perder atracción.

No obvies el margen de error
Mantén una sangría apropiada de entre 3 y 5 milímetros, evita el borde sencillo, pues podría quedar desalineada a la hora de cortarla.

Acabados especiales
Los acabados especiales pueden generar un impacto muy positivo. Algunos de ellos son las tintas especiales, standings, texturas, diseños metálicos, entre otros. Toma en consideración que los costes se elevan, pero será visualmente mas impresionante y atrayente.

algunos ejemplos:

 

 

Marcas con historia: IKEA

  • Probablemente sean muchos los que tengan en casa un mueble de IKEA, esa marca sueca que se caracteriza por la venta de muebles para montar tú mismo en casa. 

Por aquel entonces, Ingvar Kamprad, un jovencito de apenas 5 años, tenía claro que quería montar un negocio. Comenzó su andadura empresarial vendiendo cerillas entre sus vecinos, una actividad que amplió dos años más tarde, utilizando para ello un vehículo, su bicicleta, con el fin de alcanzar un mayor radio de acción. Pronto descubrió las ventajas de comprar al por mayor, que le permitían obtener un mayor margen de beneficios y vender a mejor precio.

Un poco de historia

En los años 40, este joven emprendedor monta su primera tienda IKEA, donde inicialmente vendía productos de alta demanda, como marcos de cuadros, tapetes, bolígrafos o carteras, a precios económicos. Pronto despertaría su interés por los muebles, sobre los que se dedica a investigar sobre su diseño, montaje e incluso a las vías de promoción y publicidad, como el catálogo o el cuidado de la exposición, con el fin de destacar y aumentar así la notoriedad de su negocio. Ya en 1945 hizo su primer anuncio, utilizando la camioneta del reparto de leche, además de prensa local y algún tipo de venta por correo.En 1948 introduce la comercialización de muebles, a partir de los productos de fabricantes cercanos, con gran aceptación por parte del público, aunque no es hasta 1953 cuando Kamprad decide abrir la primera exposición IKEA, obligado en parte por la feroz competencia con su principal competidor, lo que le lleva a mostrar su producto físicamente, con el fin de que sus clientes puedan comprobar su calidad. En cambio, ya en 1951 se publica el primer catálogo IKEA, cuyo concepto perdura hasta nuestros días, cuya tirada en1955 alcanzó el medio millón de ejemplares.

IKEA o cómo optimizar espacio con el fin de ofrecer el mejor precio

En 1956, una vez más, la competencia le hizo agudizar el ingenio, haciéndole idear los paquetes planos, como un medio para ahorrar espacio en el transporte, y por consiguiente, gastos de envío y almacenaje. La idea surge cuando uno de los colaboradores de la empresa decide quitarle las patas a una mesa para facilitar su transporte.

A partir de los años 60, se va consolidando el concepto IKEA, con el nacimiento de sus reconocidos productos estrella, y la apertura de nuevas tiendas en Suecia. Desde la década de los 80, la empresa comienza a expandirse fuera de sus fronteras, abriendo tiendas en países europeos, como Italia, Reino Unido o Francia, y saltando incluso a EE.UU. No es hasta el siglo XXI cuando se establece en Rusia y Japón. En la actualidad está presente en más de 40 países.

Ya en la década de los 90 la empresa da muestras de una sensibilidad especial y concienciación social, creando productos especialmente indicados para niños, así como espacios infantiles dentro de las tiendas, e incorporando la preocupación y cuidado del medio ambiente como parte fundamental de la filosofía de la empresa.

El logotipo de IKEA

A lo largo de 70 años el logo de IKEA ha sufrido numerosos cambios para adaptarse a los tiempos. El actual «emblema» de la compañía se ha ganado un lugar entre las marcas más reconocidas no sin dejar atrás ni olvidados sus orígenes como base de su diseño actual. Que el logotipo de Ikea sea azul y amarillo, como la bandera sueca, no es casualidad. La cadena de muebles está muy vinculada a su país de origen, tanto en su concepto de hogar decoración y negocio, como en estilo y materiales.

 

A pesar de su diseño actual, el logotipo de IKEA presenta diferentes adaptaciones y por ejemplo, en su catálogo podremos verlo manteniendo su forma pero en esta ocasión con diferentes variaciones de color en sus letras. En algunos países como Dubai, su logotipo se presenta utilizando para ello un logotipo adaptado a su idioma oficial, el árabe.

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IKEA, Publicidad y Marketing

IKEA es también un referente a nivel publicitario; sus acciones publicitarias representan la sencillez de la marca, junto con la creatividad e innovación del mensaje. Así, podemos destacar uno de los últimos claims que identificaba su estrategia publicitaria «Bienvenido a la República Independiente de mi Casa»; cuyo éxito llevó a la marca a comercializar el popular felpudo que se incluía en el anuncio. Muchos han sido los anuncios y comerciales de esta popular marca que han dejado huella por su innovación, creatividad y estilo propio.

 

La empresa también innova en sus acciones en marketing online, creando aplicaciones web muy dinámicas, que enganchan a los usuarios desde el primer momento, fomentando la interacción y premiando las interacciones con concursos y promociones.

IKEA tampoco se lo ha pensado dos veces a la hora de dar a conocer sus productos al público en general, sacando sus productos a la calle, literalmente. Famosas son sus acciones de Ambient, street marketing y Marketing de guerrilla, recreando ambientes IKEA, que hacen la vida más cómoda y divertida, como por ejemplo el tiempo de espera en la parada del autobús.

Barcelona, ciudad de diseño

Barcelona, ciudad de diseño

La inauguración, en diciembre del 2014, del Museo del Diseño de Barcelona, que acoge un fondo de 70.000 objetos, es quizás la muestra más clara de que Barcelona ha sido durante toda su historia una ciudad vinculada al diseño y a las artes del objeto. El legado que el diseño ha dejado en la ciudad durante siglos es prolífico: están presentes las artes decorativas y el diseño industrial, la cerámica, el mundo del textil y la indumentaria y las artes gráficas. Barcelona ha vivido constantemente vinculada al diseño como disciplina artística y, también, como herramienta de transformación social.

Referentes centenarios

Barcelona ha sido siempre una ciudad pionera en el mundo del diseño. En el 2003, una de las instituciones de referencia en esta disciplina, el Fomento de las Artes Decorativas (FAD), cumplía cien años de vida y trabajo dedicados a la defensa encarnizada del valor del diseño como elemento modernizador y útil de la vida cotidiana. Así se ha concebido siempre el diseño en la ciudad: como una disciplina ética y estética. Y es que Barcelona ha destacado en los principales movimientos artísticos de ámbito internacional.

La relación del diseño con Barcelona viene de lejos. No en vano, aquí se creó, en 1775, la primera escuela de diseño de Españala Llotja, con el objetivo de formar dibujantes que diseñaran motivos ornamentales para la emergente industria textil catalana. Después se convertiría en una escuela de artes plásticas por donde han pasado grandes nombres del arte, como Pablo Picasso, Joan Miró, Josep Maria Sert o Òscar Tusquets.

Barcelona fue un claro exponente del art noveau desarrollando un movimiento propio, el modernismo, una corriente que superaba las fronteras artísticas para propugnar una transformación radical de los espacios urbanos y, por extensión, de la vida en la ciudad. El modernismo, efectivamente, consiguió desligarse de la herencia clásica y abrir nuevos horizontes, e incorporó la modernidad en todas las disciplinas artísticas: de la arquitectura a las artes decorativas, que se integraron en el diseño de espacios con total naturalidad.

La primera Exposición Universal de Barcelona, celebrada el año 1888, es una muestra del poder innovador de la ciudad: hasta 400.000 personas pisaron una ciudad en pleno apogeo, atrevida y creativa, llena de arquitectos dispuestos a reinventar tradiciones urbanísticasintegrándolas con los nuevos materiales. Así es como la bóveda catalana o el ladrillo de teja conviven armoniosamente con la cerámica, el hierro colado y las grandes estructuras metálicas. Las curvas, la asimetría, y los motivos naturalistas del mosaico fueron la manifestación elocuente del paso irreversible hacia las vanguardias, que llegarían con la segunda Exposición Internacional, la de 1929.

El aterrizaje del racionalismo

La arquitectura de vanguardia aterriza en Barcelona de la mano del GATPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), con Josep Lluís Sert o Josep Torres i Clavé al frente. El grupo, inductor de las ideas de la escuela Bauhaus en la ciudad, promovió la integración del diseño en una arquitectura al servicio de la reforma social, que se vio interrumpida por el estallido de la Guerra Civil. La arquitectura de Sert pervive todavía en muchísimos edificios de la ciudad, algunos emblemáticos, como la Fundación Joan Miró, en Montjuïc o el Pabellón de la República, una réplica del edificio racionalista que Sert proyectó para representar a España en la Exposición Internacional de París de 1937. El espacio se proyectó de nuevo en el barrio de la Vall d’Hebron con motivo de los Juegos Olímpicos de 1992.

Eclosión del diseño contemporáneo

Precisamente, entre los años ochenta y noventa, el diseño del objeto y la creatividad tomó un nuevo impulso en la ciudad. Seguramente, uno de los máximos exponentes es el artista multidisciplinar Javier Mariscal, autor de la mascota de los Juegos Olímpicos, que años antes había diseñado uno de los logos más conocidos de la ciudad, el BAR CEL ONA.

BCN Design Tour

El Barcelona Centro de Diseño ha desarrollado una aplicación para teléfonos móviles y tablets que permite adentrarse en la cultura del diseño barcelonés: se trata de un mapa que recoge los principales locales, entidades, escuelas, hoteles, bares, restaurantes y tiendas de moda y librerías que ayudan a entender por qué Barcelona se ha convertido en capital mundial del diseño.ruta-del-diseno-barcelona-urban-comunicacion

El logotipo y su evolución hasta la actualidad

El mundo de hoy está lleno de logos. La lata de refresco que bebemos, el billete de transporte público e incluso la caja de medicamentos contienen logotipos. Los hay de todo tipo de formas, tipografías y colores, pero ¿de dónde vienen?

Esta pregunta es muy útil e interesante, ya que conocer la historia de los logotipos ayuda a comprender su importancia. En esta completa infografía creada por la compañía British Design Experts podemos seguir la evolución del logo a lo largo de la historia de la humanidad.

Alrededor del 1800 comenzaron a surgir los primeros y rudimentarios logos, que en ese momento tan sólo eran marcas o símbolos que señalaban quién había realizado el producto y que tipo de producto se trataba.

En la era victoriana comenzaron a surgir logos más complejos, pero no es hasta inicios de 1900 cuando surge el verdadero antecesor del logo actual. Hasta la década de los 80’s los logos buscan mostrar ideas fuertes e impactantes, con colores muy vistosos, tendencia muy frecuente de aquella época.

Actualmente se buscan logos sencillos y flexibles que diferencien la marca, como por ejemplo el logotipo de la manzana de Apple, un verdadero acierto en el mundo de los logotipos.

La mayoría de los logotipos más famosos que conocemos han ido evolucionando desde unos inicios muy diferentes hasta convertirse en lo que son actualmente. Como ejemplo podemos decir tres como McDonald’sNike o Mercedes, que como vemos en la imágen han estilizado su forma desde sus inicios más rudimentarios.

El mundo de la imagen gráfica está en constante evolución y cambio, y con ello toda su imagen gráfica. Adaptándose a modas, tendencias, ideas… eso es la capacidad de modernizarse de un logo algo muy importante en nuestra cultura.

Os dejo como broche final del artículo la premisa: renovarse o morir…

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Keith Haring, un legado para el diseño gráfico

Keith Haring, admirado por muchos y quizá por otros no tanto debido a su forma de ser irreverente, es uno de los artistas más polémicos del siglo XX, gracias a su fuerte sentido de crítica hacia la sociedad en general y por su marcado activismo social, contribuyó al nacimiento de la generación pop y a que por primera vez en varios años después del nacimiento del graffiti, éste se reconociera como arte, más que una simple moda callejera.

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Dibujos de Keith Haring en el Subway de Nueva York

Su La característica principal de la obra de Keith Haring, fue que trasgredió todo lo que se pensaba que se podía hacer a través del arte, sobre todo en los 80’s. Los dibujos animados fueron su inspiración y elementos visuales como platillos voladores, personas, perros, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear fueron sus protagonistas.

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Ignorancia=Miedo, Silencio=Muerte, 1989. Nueva York.

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Mural en Nueva York

Su soporte pictórico se basaba en distintos tipos de plataformas como papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas, teniendo como influencia el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Andy Warhol.

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Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania.

El estilo característico de Keith Haring era una mezcla de su perspectiva sobre la generación pop y la cultura callejera de Manhattan, dándole valor icónico a su Graffiti, además de impregnarle el sentido de peligro, por lo que se reconoce este arte en la actualidad.

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Mural pintado en Barcelona contra el Sida

En definitiva, reflejó como ninguno la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco, las culturas cubanas y africanas. Mezcla de influencias que han inmortalizado sus obras a través del tiempo en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

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Mural sobre el sexo, religión y el papel de la mujer en el mundo occidental.

 

Su más famosa aparición artística fue cuando en el año de 1986 pintó el muro de Berlín. Su preocupación por los problemas sociales en el mundo siempre fue algo que lo incentivó a tomar medidas, por lo que creó tres años después la Fundación Keith Haring. A la edad de 31 años murió en Nueva York víctima del sida en 1990, de los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus chapas, sus camisetas, sus posters etc. todavía se destina hoy en día un porcentaje a la investigación del Sida.

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Keith Haring pintando el Muro de Berlín.

¿Cómo se retocaban las fotos antes del Photoshop?

Hoy en día rodeados continuamente de portadas, de revistas, anuncios, todas con fotos perfectas, modelos de piel de bebé, sin celulitis, con la iluminación perfecta… y todo gracias al tan famoso Photoshop. Pero no os habéis preguntado nunca  ¿Cómo se retocaban las fotos antes del Photoshop?

Los retoques fotográficos no son cosa exclusiva de los tiempos actuales. Desde el nacimiento de la misma fotografía, los profesionales de este medio ya retocaban las imágenes bien para hacer retoque, o para pulir sus imperfecciones. El fotógrafo británico Tony Richards explica que los  cámaras británicos de principios del siglo XX, usaban un lápiz para perfeccionar sus imágenes, obtenidas con la técnica del colodion húmedo.

No es muy común que fotógrafos ni editores gráficos muestren los secretos de su trabajo de forma tan abierta como lo hace Magnum Photos. El que fuera responsable de impresión en la agencia, Pablo Inirio, explicó hace tiempo cómo era el trabajo de editar, retocar y mejorar fotos décadas antes de que existiera Photoshop. Si aún no lo has visto, merece mucho la pena.

El arte de transformar una foto cualquiera en una imagen espectacular

Por los 66 años de historia de Magnum, y por las manos de Inirio, han pasado algunas de las fotos más icónicas de la historia. Y fue en su sala de revelado donde tuvo lugar un laborioso y cuidado proceso de retoque de forma tradicional, sin software ni ordenadores de por medio.

Lo que ves arriba son fotos del antes y después de ese proceso. Editar implicaba marcar con meticulosidad las zonas de la foto en las que querías hacer cambios (mejorar la luz, oscurecer…) y revelar decenas de veces de nuevo la imagen modificando con los materiales químicos justo las zonas a alterar.

No solo había que tener una paciencia infinita en el trabajo, había que ser además un auténtico maestro en ello. Antes, el proceso de editar y retocar una foto podía durar horas, o días. Hoy es instantáneo. Un concepto que Photoshop ha llevado al mundo profesional e Instagram a la masa. ¿Mejor la era de Photoshop que la de antes? Diferente.

El toro de osborne, una de las grandes marcas reconocidas de España

Todos hemos visto alguna vez en algún viaje por carreteras españolas una enorme silueta negra de un toro que se alza imponiéndose frente al resto del paisaje. Una imagen que nos ha acompañado desde hace años y que ya ha entrado a formar parte del repertorio iconográfico colectivo, reconocido como “el toro de Osborne”.

Tenemos que remontarnos a 1956 para dar con el nacimiento de este logotipo, cuando el Grupo Osborne encomienda a la agencia madrileña Azor el diseño de una valla publicitaria para su brandy Veterano. Manuel Prieto fue el encargado de esta labor, y tal fue la repercusión que se ha convertido en un auténtico símbolo nacional.

Manolo Prieto fue el diseñador de la famosa silueta del toro de Osborne

Boceto realizado por Manolo Prieto para el logotipo de Bodegas Osborne.

Botella brandy Veterano de las bodegas de Osborne

La historia de las famosas vallas publicitarias

Las primeras vallas que se instalaron eran de madera y tenían una altura de 4 metros, lo cual debía de ser suficiente para una buena visibilidad. Sin embargo, en 1961 se empiezan a construir en metal debido a los daños que sufrían por las fuertes condiciones meteorológicas, y posteriormente en 1962, tras un cambio en la normativa de carteles publicitarios, se instalan vallas de hasta 14 metros,convirtiéndose en auténticos gigantes de las carreteras.

Aunque pueda parecer algo impensable, estos toros, que ya eran más de 500 en toda la Península, estuvieron a punto de desaparecer por orden del Reglamento General de Carreteras de retirar todos estos carteles publicitarios en 1994. Pero tal era el poder de este símbolo, que tanto Ayuntamientos como Comunidades Autónomas se unieron en una iniciativa llamada Salvemos al toro para promover no sólo su permanencia en las carreteras, sino su proclamación como Bien Cultural. Finalmente ese mismo año es declarado en el Congreso de los Diputados como patrimonio cultural y artístico de España.

Y, ¿qué ha ocurrido hasta el día de hoy?

Actualmente se mantienen unos 90 toros en toda España, la mayor parte en Andalucía, y exceptuando las comunidades de Cataluña, Murcia y Cantabria. Su identificación con el enaltecimiento nacional y el sentimiento de patriotismo nacional ha desencadenado que haya sido atacado en muchas zonas de la Península. Concretamente, en Cataluña y Galicia algunos de estos toros han sufrido ataques debido a estos tintes políticos.

"Le taureau Osborne de Cabezas de San Juan" por Grez licenciado bajo CC BY-SA 3.0

Un logotipo que se integra en nuestra cultura

A pesar de todo ello, no podemos negar que el toro de Osborne sigue siendo a día de hoy uno de los símbolos nacionales por excelencia, incluido en diseños de banderas españolas que se dejan ver en eventos de diferente índole. Un logotipo que además traspasa fronteras, siendo reconocible por extranjeros y foráneos como algo típico de la cultura española.

Existen numerosas tiendas oficiales repartidas por toda España en las que se comercializa ropa, calzado y complementos con la silueta del toro de Osborne como protagonista.
Se han creado toda una serie de productos de merchandising que incluyen el popular logotipo del Toro de Osborne

Este es un claro ejemplo de cómo una marca comercial llega a crear un auténtico símbolo nacional a través su logotipo. Del mismo modo, las bodegas Osborne se han convertido en una de las bodegas más reputadas y reconocidas del país, y podríamos considerarlas casi también como parte de nuestro patrimonio cultural.

Diferencias entre logotipo, isotipo, imagotipo…

Diferencias entre logotipo, isotipo, imagotipo…

En ocasiones, nuestra costumbre de hablar coloquialmente de cuestiones profesionales caemos en ciertas imprecisiones que pueden confundir a nuestros interlocutores.

Cuando se nos pide que creemos un «logotipo», o un «logo», si es aún más coloquial, lo más probable es que se esté solicitando una un grafismo para su marca, una marca corporativa o hasta puede que toda la identidad visual concentrada. Casi seguro que no habrá problemas para entenderse e incluso es más que probable que los interlocutores no profesionales tengan también en mente qué parte desean de todo el posible catálogo de diseño gráfico de su marca que le podemos ofrecer. En cualquier caso, sí que es necesario que el profesional distinga el punto del proceso desde el que parte y qué son datos previos y qué condiciones a definir.

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La imagen corporativa es la suma de características que el público objetivo tiene en mente acerca de una entidad corporativa y que la definen. Es la forma en la que la perciben hasta en lo más abstracto. Es lo que se pretende conseguir al realizar, entre otros, el trabajo de diseño gráfico de la marca. Lógicamente no será sólo lo gráfico lo que determine la imagen corporativa aunque seguramente la palabra imagen puede llevar a confusión y haga parecer incorrectamente que se trata sólo de algo visual.

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Identidad corporativa es lo representa a la corporación, podemos decir que es la materialización de la imagen corporativa; lo que se usa en concreto para conseguir la imagen corporativa. Es importante recordar que para representar a la corporación, para su imagen corporativa, no sólo se utilizan recursos gráficos.

La identidad visual es la parte gráfica de la identidad corporativa (por eso también se usa a veces “identidad gráfica”) A nuestro juicio y por lo que acabamos de exponer, lo correcto es que llames “manual de identidad visual” y no “manual de identidad corporativa” si sólo incluyes información relativa a la expresión gráfica que representa a la entidad.

Marca corporativa es la suma de los diferentes componentes de la identidad visual de la corporación, como pueden ser la tipografía, los colores, el logotipo… Se entiende que esa suma no es una arbitraria yuxtaposición de los elementos sino el uso según los criterios correspondientes que lo definen.

Isotipo es un icono (dibujo o imagen) usado para representar una marca. Podemos clasificar el isotipo en diferentes categorías en función de cómo se haya generado.

  • Hablamos de pictograma cuando se trata de un dibujo que no representa texto en absoluto. Pictograma figurativo si lo que muestra es una imagen que se puede identificar o recuerda algo real y concreto o pictograma abstracto en caso contrario.
  • Nos referimos a monograma cuando la imagen se obtiene utilizando las letras (ya sea todas o algunas) del nombre de la marca formando un nuevo símbolo que las integra. Las letras con las que se forma el monograma pierden parte de su identidad para otorgarla al nuevo símbolo que se crea.
  • Si las letras no han perdido (sensiblemente) su identidad y disposición, lo llamaremos sigla.
  • Inicial. Se refiere a la representación de la marca por la primera letra de su nombre.
  • Recibirá el nombre de firma si conserva todas las letras y es el trazado de las mismas lo que determina la personalidad y representatividad de la marca.

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Logotipo es la expresión de la marca por medio de texto. Como es lógico, ese texto seguramente estará representado por una tipografía muy identificativa, muchas veces transformada o hasta definida ad hoc buscando la máxima representatividad de la marca ¿Cuál es el límite? Como decíamos antes, la firma, máxima expresión de texto personalizado, suele considerarse isotipo. Está claro que no siempre es sencillo poner nombre a las cosas.

Imagotipo es la unión de isotipo y logotipo. La suma de isotipo y logotipo puede dar lugar a diferentes imagotipos diseñados para diferentes aplicaciones o usos.

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Cuando la unión de logotipo e isotipo es única y sólo con la disposición diseñada cobra sentido, se denomina isologo (o logosímbolo) a la representación de la marca.

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Terminamos con lo realmente importante es tener claras las ideas.

La ilustración como elemento de la marca 

La ilustración como elemento de la marca

A lo largo de la historia han habido muchas marcas que se utilizado de la ilustración como una herramienta más para la comunicación gráfica. Pero hay otras que han hecho de la ilustración la base de esa comunicación, cogiendo como un elemento significativo del carácter de su marca, la cual va ligada.

En la última década del siglo XIX y con los primeros calendarios realizados por Coca Cola, la compañía ya se rodeó de lo mejor de la época dorada de la ilustración y la pintura norteamericana: imágenes optimistas y alegres que intentaban insuflar ánimo en los oscuros años de la depresión de los años ’30; El reflejo del “modo de vida americano”, las escenas familiares y cotidianas  que la vida con este refresco de cola en la mano siempre podía era mejor.

Coca Cola apostó muy pronto por el potencial de la comunicación ilustrada para transmitir la fuerza de su discurso y sus valores, estableciendo además la filosofía y la estética que se nos muestra en gran parte de la publicidad y las marcas de la primera mitad del siglo XX. Otra de las grandes que siguieron el camino de Coca Cola fue Kellogg’s, que a día de hoy continúa valiéndose de la ilustración como elemento indispensable en su comunicación.

Durante los ’40,’50 y ‘60 en España, marcas y productos como Osborne, Bic, Norit o Cruz Verde , por citar algunos de los más significativos, nos dejaban piezas de pioneros como Manolo Prieto, Artigas, Giralt Miracle o Pla-Narbona, que marcaron la ‘época dorada de la ilustración española’ en publicidad.

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Habría que diferenciar que la frontera entre lo que es diseño gráfico y la ilustración es difícil de separar.

Hace poco nos encontramos con una campaña de otra gran compañía, McDonald’s, que ha plasmado de manera sencilla pero magistral y con minimalistas iconos, seis de sus productos más vendidos: Big Mac, Cheesburguer, patatas fritas, sundae, McFish y Chicken Nuggets. La campaña ha sido realizada por TBWA París.

Aunque en la actualidad no hay comparación con la calidad y contundencia de entonces, en los ’90 un canal de televisión revolucionó la estética de la televisión musical y el entretenimiento. MTV marcó un estilo inconfundible, provocador y gamberro, apoyado visualmente con sorprendentes piezas de animación a modo de cortinillas (bumpers). La programación musical continuada, las series y su estilo visual hicieron de MTV un icono y una marca mundial como pocas.

Y la ilustración es parte también importante de la imagen de marca del gigante Google. Los doodles que nos ofrece para celebrar eventos especiales, efemérides o fechas señaladas son creados para la ocasión por ilustradores y diseñadores (generalmente anónimos) y son ya parte de nuestra cultura visual cotidiana.

Hay muchas otras marcas que han recurrido a la ilustración o bien como un elemento más de parte de su comunicación o bien como parte fundamental de su personalidad e identidad visual.

 

Packaging creativo

Hoy veremos distintos ejemplos en los que el packaging cumple con diferentes funciones, además de envoltorio del producto, un valor añadido que siempre suma importancia en cuanto a la venta del producto y le da un valor diferencial.

Una forma de crear un golpe de efecto sobre el usuario con un packaging que realmente esconda mucho más en su interior. Una manera de engañar visualmente al ojo y que puede hacer, en aquel que va a comprar el producto, que se decida por este en vez de por el de la competencia. Cualquier producto por aburrido que parezca puede convertirse en otro muy original y creativo.

Solo hay que pensar en similitudes y a veces, hasta con el material más común, podemos conseguirlo. Además nos podemos ayudar con los colores y sus combinaciones, para conseguir dar un aire distinto a un producto común.

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Un packaging con más de una función

En otras ocasiones el packaging, además de ser el envoltorio y proteger al producto, puede tener una segunda función, unida al uso principal de este producto. De esta manera, en el caso del vino, se convierte en el posavasos del mismo, mientras que el caso de la comida, es nuestro plato.

De esta manera conseguimos que tenga una segunda función muy útil para su uso y que lo facilite.

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Packaging creativo y minimalista

Para terminar os traigo este packaging muy original y creativo a la vez muy minimalista. El envoltorio en si es un tarro de cristal, pero usamos la etiqueta para imprimir esa originalidad. En ella se estampa la silueta de la fruta, con esta. Así, podemos saber inequívocamente de que es la mermelada que se guarda en su interior.

Como veis distintos packaging que imprimen un toque de creatividad y originalidad a la vez que conseguimos dar un toque especial que nos va a diferenciar de la competencia.

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