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Historia del Smiley

7 agosto, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

El smiley es unos de los símbolos más reconocibles de los últimos 30 años, parece mentira como una representación esquemática de una cara sonriente, con dos puntos negros como ojos y medio círculo mostrando una expresión de plena felicidad puede enganchar tanto y ser tan famosa.

En 1963 la State Mutual Life Insurantes en Worcester, Massachusetts, una empresa de seguros, adquirió otra empresa de seguros, la Guarantee Mutual Company de Ohio.

Esta fusión generó la natural depresión de la fuerza laboral por los temores de despidos y reestructuras inevitables. La Direcciónde la nueva empresa decidió entonces hacer una campaña interna de Marketing creando la campaña de amistad. Éstaconllevaba un nuevo manual del empleado y reglas entre las que se incluía laorden de sonreír en horas de trabajo, cuandose hablaba por teléfono, serecibían clientes, etc.

No hay campaña de Marketing sin diseño, por lo tanto la empresa contrató al diseñador gráfico, Harvey Ball. Cuenta que le tomó unos diez minutos la creación del hoy famoso rostro sonriente,cobrando sólo US$ 45.
Al principio no se intentó hacer de la imagen una marca registrada, y más tardecayó en el dominio público.

El dibujo fue popularizado a principios de los años 70 por un par de hermanos, Murray y Bernard Spain, quienes, al no estarasociados con ninguna empresa, lo aprovecharon en una campaña para venderartículos novedosos. Ambos produjeron botones así como tazones de café, camisetas, pegatinas deparachoques y muchos otros artículos decorados con el símbolo y la leyenda «Que tengas un buen día» (Have a nice day), ideada por Murray. En 1972 se estimaba que había unos50 millones de botones con el smiley por todo Estados Unidos, punto a partir del cual la moda comenzó adecaer.

El smiley fue uno de los principales iconos adoptados por la cultura de música dance acid house que surgió a finales de los años 1980. Especialmente en el Reino Unido, el logotipo fue especialmenteasociado en la cultura underground dance con la droga éxtasis.

Ha habido variaciones tales como invertir la forma de la boca para conseguir una cara triste. El símbolo ha sido satirizado con una sonrisa y tres puntos (un mutante) y renació como imagen del software Microsoft Bob y con la campaña de Asda y Wal-Mart Rolling Back Prices («Volviendo a los precios del pasado»).
El smileyse ha convertido en un elemento fundamental de la cultura de Internet, con GIFs animados yotras representaciones gráficas, así como el omnipresente emoticono textual 🙂 o. De ahí surgieron los demás emoticonos. También ha sido usado para la versión imprimible de los caracteres ASCII 1 y 2 (uno «blanco», el otro «negro») en la fuente por defecto del IBM.

Mobiliario ecológico hecho de cartón

23 julio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Llevamos tanto tiempo utilizando el cartón como material en nuestro uso cotidiano acociado al embalaje de productos y como medio para realizar el transporte de los objetos, que ni siquiera somos capaces de verle otro uso o utilidad.

Hay infinidad de objetos que empleamos a diario sin saber de dónde vienen y como aparecieron, hoy vamos a dedicar este post al propio origen del cartón y su evolución y adaptación a los genuinos diseños que hoy conocemos. Porque la creatividad y la innovación juntas son infinitas.

Es interesante descubrir la trayectoria del cartón y cómo ha ido evolucionando desde los primeros y básicos embalajes y cajas hasta los modernos y originales diseños de packaging y diseño de producto de hoy en día, todo un recorrido lleno de historia y grandes oportunidades.

Barato, ligero, reciclable…El cartón es un material que ofrece ventajas, no hay duda. Es además muy resistente y duradero. Por ello, es una firme alternativa a la madera en cuanto al diseño de producto y de mobiliario.

Hablar de los orígenes del cartón y su trayectoria y aplicación es remontarse al origen cartón corrugado, propiamente conocido como el tipo de cartón estándar más utilizado.

El cartón fue resultado y surgió a partir de las necesidades básicas de los artesanos y comerciantes de embalaje y protección extra de sus productos al ser enviarlos o llevados a un punto de destino y así evitar dañar el producto.

Estas primeras láminas de cartón que se fabricaron no aportaban gran resistencia, por lo que fué a Oliver Long (1874) a quién se le ocurrió la idea de crear laminas de cartón con doble solapa ondulada, derivando finalmente en las cajas de cartón con solapas que hoy conocemos.

Posteriormente una vez probadas sus ventajas, el uso del cartón se disparó y se aplicó a infinidad de usos: Packaging y envases, embalajes, diseños de producto, diseño de mobiliario y muchos otros usos que no dejan de sorprendernos.

Historia de la aplicación del cartón al diseño de mobiliario

Son muchas las razones por las que innovar siempre ha sido algo necesario en nuestras vidas, más allá de lo que la propia sociedad nos ofrece siempre hay algo por lo que seguir buscando o creando.

Todo está ya inventado, o eso dicen, una afirmación que crea grandes dudas, ya que una vez más, no conocer los límites es algo excepcional.

La historia del mueble tiene su propio origen en el avance y desarrollo de la humanidad y el surgimiento de nuevas necesidades y formas de vida que adaptaran comodidad y bienestar.

Vamos a hacer un breve recorrido por aquellos diseñadores que innovaron y aplicaron el uso del cartón en sus diseños de producto y mobiliario convirtiéndolo no sólo en un producto ligero y atractivo sino sostenible y respetuoso.

Peter Raacke – Papp y Otto Collection 1968 – 1975

Ya en 1968 el diseñador alemán Peter Raacke fué uno de los pioneros en el empleo del cartón en sus diseños de producto y mobiliario, diseñando una colección de muebles de cartón para niños basados en un modulo hexagonal llamada Papp.

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Peter Raacke – Papp Collection 1968

Así como otra colección de sillas de cartón llamada Otto, también diseñada por Peter Raacke y que ha servido de gran inspiración para muchos de los diseñadores de producto e interiores contemporáneos.

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Peter Raacke – Otto Collection 1975

Frank Gehry y sus muebles de carton ( Easy edges) 1969 – 1973

Frank Gehry fué un conocido arquitecto e interiorista de origen canadiense y asentado en EE.UU, ganador del Premio Pritzker, reconocido por el uso de innovadores materiales y peculiares formas imposibles de los edificios que ha diseñado y su infinita creatividad.

En 1962 abre un estudio de arquitectura en Los Angeles (Frank Gehry & Associates) y entre 1969 y 1972 se dedica al diseño de la serie de muebles de cartón denominada “Easy Edges”

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Frank Gehry – Easy edges 1969-1973

Con el desarrollo de esta línea de muebles de cartón demostró su notable preocupación por el manejo de materiales básicos y de bajo costo, dándoles una forma poco convencional y mostrando su apoyo al respeto medioambiental.

Gehry privilegió la simplicidad del cartón corrugado, un material muy empleado en sus maquetas de arquitectura y lo dotó de gran originalidad.

La abundancia de diseños de piezas de mobiliario a partir de cartón aportan practicidad, modernidad, así como su vertiente ecológica y socialmente responsable que han conseguido que este tipo de decoración sea una opción más que válida y sugerente a la hora de amueblar nuestra casa y disfrutar a la vez de un entorno sostenible.

Historia logo de Atari

16 julio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Unos de los logos mas famosos del mundo del videojuego , podáramos decir que Atari siendo de los primeros es de los mas reconocibles , junto a Nintendo y Sega. Atari fue fundada por Nolan Bushnell y Ted Dadbney, durante toda su historia de más de 44 años Atari es reconocida por su destacado logo, el cual ellos apodaron como “El Fuji”, este logo icónico fue diseñado por George Opperman quien trabajaba en su propia agencia Opperman-Harrington, Inc. Conceptos del logo. Opperman explicó en una entrevista realizada en 1983 que hizo referencia al juego PONG (entre otras cosas) al crear el logo de la estilizada “A”. Pero el director de Atari, George Faraco, afirmó que no era cierto, que en realidad no hay ninguna historia real detrás del logotipo. En otras entrevistas, Faraco insistió en que el logotipo no tenía tal concepto detrás de él, y sugirió que Opperman imputó esta explicación después del hecho.

Por su parte, Bushnell cree que Opperman ofreció intencionalmente historias de origen múltiples y conflictivas para el logotipo, como la idea de que representaba un símbolo japonés o su similitud con el famoso Monte Fuji. Independientemente de la intención, la versión final del logotipo de Opperman hizo su debut público en materiales promocionales y el gabinete para el juego de arcade Space Race en 1973. Bushnell contó su propio resumen creativo para el logo de Atari: “Dije, ‘Tiene que ser muy simple. Tienes que ser capaz de reconocerlo desde cien pies de distancia si está en un papel de 8×10, y tiene que ser fácilmente reproducido en los sombreros, camisetas, o lo que sea. No puede tener muchas líneas diminutas, ya en aquella época se prestaba mucha atención a su reductibilidad, para posibles incorporaciones a merchandising. Así que podemos decir que nació un mito en el mundo de los logos atemporales

“Me encantó desde el día que lo vi. Era como “¡Eso es todo!” Nunca hubo ninguna otra intención.”

logos famosos

Diseño pixel art, programas para hacerlo posible

9 julio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Existe una vertiente, dentro del diseño gráfico, que adquiere fuerza día a día, a pesar de estar fundada en una época ya pasada (y probablemente, mantenida por nostálgicos de la misma). Está íntimamente ligada a aspectos relacionados con los videojuegos clásicos, por lo que se le suele denominar estilo retro, low-res o, incluso, 8 bits (aunque no sea estrictamente correcto en la mayoría de los casos).

Sin embargo, quizás la denominación más conocida de este género es el llamado Pixel art (arte basado en píxels), un género cuadriculado que utiliza esos pequeños y anticuados cuadraditos de una forma muy clásica.

A continuación, una lista de programas gratuitos (funcionales en sistemas actuales) que pueden servirnos para crear, diseñar o construir gráficos de tipo pixel art, para utilizar en nuestros proyectos o diseñar juegos en competiciones tan originales como el Ludum Dare (torneo de desarrollo de videojuegos en 48 horas).

1. MOAI

Si eres de la vieja escuela y traes encima horas y horas de experiencia y costumbre con clásicos del MSDOS como el Autodesk Animator, este programa te encantará. Se trata de un remake del mencionado Autodesk Animator, software de edición de los 90, introduciendo algunas mejoras adicionales así como la posibilidad de guardar en formatos más actuales como JPG o PNG (e incluso manteniendo el viejo formato LBM).

Destaca la fidelidad del entorno con respecto a su predecesor. Desarrollado por Codethulhu(), esta disponible para descarga en plataformas Windows.

URL | MOAI

2. Grafx2

Grafx2 también pertenece al grupo de los editores de la vieja escuela. En este caso, absorbe parte del espíritu del Deluxe Paint (ver más adelante) y otro antiguo editor para Amiga llamado Brilliance.

Es un software open source (GPL) y está especialmente diseñado para pixel Art con herramientas clásicas, pero también introduce técnicas más actuales como la incorporación de capas o soporte de transparencias.

Grafx2 es el programa con el cuál diseñé las imágenes de Big Bang Theory como una aventura gráfica de Sierra (King Quest o Lizard Leisure Larry). Aunque originalmente se diseñó para plataformas Windows y Linux, ya incorpora multitud de versiones y ports adicionales, como por ejemplo, para Grafx2 para Android (útil para tablets o phablets, smartphones tipo Galaxy NOTE).

URL | Grafx2

3. Paint.NET

Esta vez, avanzamos en el tiempo y analizamos un software más actual, que también brinda posibilidades como editor gráfico (y no sólo como editor pixel art). Sin embargo, debido a sus cómodas y sencillas opciones, puede ser ideal para el diseño de gráficos pixelados.

En el artículo Cómo dibujar a una persona a estilo 8 bits tienes una guía paso a paso para dibujar tu propio (y artesanal) personaje pixel art utilizando este programa.

Permite el uso de capas, efectos y otras herramientas comunes en cualquier editor gráfico. Está disponible para plataformas Windows.

URL | Paint.NET

4. GIMP

Otro de los editores gráficos más famosos es el conocido GIMP, instaurado como alternativa al todopoderoso Photoshop. Aunque a priori, su interfaz pueda resultar algo complicada, se puede configurar para crear geniales diseños pixel art sin esfuerzo alguno.

Un Dalek, de Doctor Who: Don’t pixelate! DON’T PIXELATE!!

En PixelsMil puedes encontrar una fantástica guía para configurar GIMP para Pixel Art. Si eres más de Photoshop, no hay problema, también tienen una guía para configurar Photoshop para Pixel Art.

URL | GIMP

5. Graphics Gale (Free edition)

Otro software bien conocido entre los editores de gráficos retro es Graphics Gale, el cuál destaca por su multitud de opciones y herramientas. Permite la edición de múltiples frames, soporta canales alfa, transparencias, capas, etc…

Si te gusta el programa y además quieres utilizarlo para la creación de cursores, iconos o GIF animados, puedes comprar la versión de pago, por apenas 15 euros.

URL | Graphics Gale

6. IDraw Chara Maker 3

IDraw3 es un sencillo programa orientado para la creación de sprites para RPG Maker, un famoso editor de juegos RPG. Aunque el programa tiene algún tiempo, es perfectamente compatible en los sistemas actuales y sirve perfectamente para aquellos que busquen algo sencillo y cómodo.

No obstante, la instalación del programa puede dar algunos problemas en Windows actuales. Si es así, simplemente seleccionar las propiedades del archivo de instalación (botón derecho / Propiedades) y marcamos en Compatibilidad el sistema Windows XP SP3. Así no tendremos problema alguno en su instalación.

URL | IDraw Chara Maker 3

7. Microsoft Paint (Classic)

Si echamos de menos la época en la que diseñabamos en el clásico Microsoft Paint de Windows XP, antes de transformarse en el horrible y actual Paint, podemos descargarlo de MSPaint XP, volviendo a utilizar su simple (pero efectiva) interfaz. También incluye la versión de Paint de Windows 98.

El cubo de compañía de Portal.

Mucho cuidado al instalar el MSPaintXP, ya que la instalación tiene varios programas de publicidad. Declinar y rechazar todos, excepto el propio programa.

Obviamente, este software funcionaría sólo en plataformas Windows. Si buscas algo parecido para Linux, tienes a tu disposición KolourPaint. Si por el contrario, posees un sistema Mac, puedes probar con Paintbrush for Mac.

URL | MSPaint XP

8. Pickle

Pickle es un software originalmente pensado para diseñar «tiles», mosaicos repetidos para formar escenarios o fondos en juegos de estilo RPG o similares. No obstante, también da la posibilidad de crear imágenes o sprites de animaciones.

Funciona mediante Adobe AIR, por lo que es compatible con Windows, Mac o Linux.

El omnipresente Nyan cat, dibujado en Pickle.

Si estás interesado en algo más profesional para la edición de mapas o «tiles», puedes probar Tile Map Editor o TileStudio, aunque se alejan del perfil de editores gráficos para Pixel Art.

URL | Pickle

9. Piq (Advanced)

Si lo que nos interesa es una herramienta con la que poder editar imágenes de forma online, tu opción debe ser, sin lugar a dudas, Piq. Este software proporciona dos modalidades: simple, donde sólo tenemos lo estrictamente necesario para dibujar y advanced (en la imagen), donde contamos con más herramientas y opciones para realizar diseños desde Internet.

Otros editores simples del mismo estilo podrían ser PixOthello (Windows) o Pixel Art(Adobe AIR), eso sí, sin la característica de utilizarlo de forma online.

URL | Piq

10. PyxelEdit

PyxelEdit es otro sencillo (pero completo) software de edición de pixel art, que incorpora herramientas como utilización de capas, reutilización de mosaicos o herramientas básicas de diseño.

Aunque se trata de una aplicación que funciona bajo Adobe AIR (y por lo tanto, multiplataforma), también incorpora una versión portable para Windows, en la que no hace falta tener instalado el Adobe AIR.

URL | PyxelEdit

Cola Cao, y su historia como marca

2 julio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Cola Cao pertenece al grupo Nutrexpa surgió en los años 40, en Galicia, en una España hambrienta por las secuelas de la Guerra Civil, el eslogan era » Mama dar a vuestros hijos esto mezclado con leche, que es bueno para la salud». La empresa en sus inicios contaba con una veintena de trabajadores, la fabricación era artesanal; muy pronto pasaron a ser cincuenta, su siguiente paso fue abrir una factoría en Barcelona, rebasando todas las dificultades de la época. Dispone de centros de producción en Chile, Portugal y China.La fabricación en los inicios era artesanal.

Tras la consolidación de la empresa, gracias a sus dos productos tradicionales, amplia su oferta mediante la incorporación de empresas competitivas del sector de la alimentación y que más tarde configurarán el actual Grupo Nutrexpa.

1940 Fundación de Nutrexpa S.A. por D. José Ignacio Ferrero Cabanach y D. José Mª Ventura Mallofré en el barrio de Gracia de Barcelona. Se elaboran productos como: Cubitos de «bouillabaisse» a base de harinas y pescado fresco desecado, Levadura Gloria, Flan Gloria, Crema Cacao y Miel de la Granja San Francisco.

1945-46 Se registra y sale al mercado Cola Cao, el producto estrella de Nutrexpa.

1955 Se crea la canción del negrito, que se convertirá en todo un clásico y da un giro a la publicidad en España, cambia la visión que se tenía.

En 1956 la empresa se propone un nuevo reto comunicativo, surge la idea de crear una canción publicitaria, que llevará acabo a través del medio de mayor audiencia de los años 60, la radio. Patrocinaba una radionovela, género de mucho éxito, en la cadena Ser. La canción pasa a ser la pieza fundamental de su publicidad, debido al gran éxito que tuvo. A partir de este momento, la curva de ventas y participación del mercado es imparable.
La canción no queda exenta de críticas por librepensadores que la consideraban racista.
En los años 90 realizaron una campaña limitada, en la que se regalaba la canción en versión karaoke en los packs grandes de Cola Cao.

2007, Julio. Relanzamiento marca Cola Cao. Nutrexpa decidió renovar la imagen de la gama Cola Cao. “El nuevo branding aporta modernidad y dinamismo, y resume visualmente, de una manera muy notoria, la personalidad de la marca. Un mundo activo y un sabor auténtico, que refuerzan las sinergias con el target y el liderazgo de la marca”, Batllegroup, la agencia de diseño de branding y packaging responsable del proyecto de revitalización gráfica de la histórica marca y del packaging de la gama de productos Cola Cao de Nutrexpa.
La nueva imagen, que no perderá de vista el familiar bote amarillo con tapa roja, reunirá toda la energía del producto.
Al relanzamiento le acompañó una nueva campaña publicitaria realizada por DDB Barcelona, según ha podido saber Marketing News.
En España, actualmente se producen más de 40 millones de kilos anuales, lo que supone más de un kilo de Cola Cao por español al año.
Cada día el chocolate esta entrando mas en nuestras vidas; en barritas, bombones, yogures, etc.
Además, el consumo se disparó aún más tras su paso del hogar a la hostelería gracias a la implantación de los sobres con raciones individuales. En la imagen observamos el primer sobre individual.

El envase de toda la vida: Se mantenido fiel durante todos estos años, cuando pensamos en Cala Cao a todos se nos viene el tarro amarillo con la tapa roja, de plástico (se empezó a utilizar este material en 1978).
Exceptuando una época en la que era marrón y en 1968 el envase era de aluminio y cartón.
Este es uno de los envases mas recientes, y el muñeco es que se puede apreciar es uno de los que forma la nueva familia publicitaria de Cola-Cao.

Evolución

Este es el primer anuncio publicitario, de lo que va ser una gran campaña publicitaria, que va seguir avanzando hasta nuestros días.

Este es otro de los anuncios de esta marca, concretamente del año 1965.

Cola Cao ya no es sólo un producto para la alimentación, sino que también ha pasado a formar parte de la actividad cultural de nuestro país, desayuno durante más de 50 años, testigo del desarrollo y sobrevivió a la llegada de los cereales en los 90. Incluso se ha convertido en objeto de exposiciones de pintura y de concursos de corales, gracias a la canción que le representa.

Historia Logo de Adidas

25 junio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Adidas fue fundada en los primeros años de la decada de 1920 por Adolf Dassler y su hermano Rudolf Dassler. Aunque no lo crean la empresa se llamó inicialmente “Gebrüder Dassler Schuhfabrik” que en español significa algo como “La Fábrica de zapatos de los hermanos Dassler Después de tener varias diferencias con su hermano, Rudolf decide separarse y fundar PUMA AG en 1948. Como consecuencia de esto, Adolf toma las riendas de “Gebrüder Dassler Schuhfabrik” y decide rebautizarla “Adidas”, este nuevo nombre proviene del diminutivo de Adolf “Adi” y de la primera silaba del apellido Dassler “das”. La empresa se registró oficialmente el 18 de agosto de 1949.

Logo Adidas 1972, actualmente utilizado como imagen para los productos clásicos.

Desde 1949 la compañia ha utilizado como elemento principal para sus logos las tres rayas. En el año de 1972 se implementa el logo de “trebol” que actualmente, y desde 1996, solo se utiliza para productos clásicos y representa la herencia y la historia de la marca. Hay otras versiones para el significado del logo de Adidas. Una de ellas dice que esta imagen muestra 3 hojas de Laurel para destacar el Espiritu Olímpico, ya que Adidas en sus inicios desarrollo ropa y zapatillas deportivas para varios atletas participantes de este evento, también se dice que este logotipo no representaba las hojas de Laurel, sino la Antorcha Olímpica.

Logo Adidas 1996

Desde 1996 las tres barras comenzarian a ser imagen de Adidas, este nuevo logo representa el futuro de la marca y su eficiencia. Tambien se dice las tres rayas de este diseño simbolizan los 3 grupos de productos de la compañia que son: Adidas Sport Performance, Adidas Originals y Adidas Style.

Logos Productos Adidas

Estos son los logos de los 3 grupos de productos de Adidas: Adidas Originals, es una marca para los productos clásicos; Adidas Sport Performance, es una marca diseñada para los productos deportivos y Adidas Style es una marca para ropa formal.

Historia logo IBM

18 junio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

El logo de IBM es, hoy en día, es uno de los logos más reconocidos en el campo tecnológico, es de las marcas ma reconocibles de este siglo y del pasado.

IBM Es tambíen conocido, más para quienes tienen relación con el campo de la informática como “The big Blue” o “El Gigante Azul”

Esta compañía se ha realizado varios rediseños de su marca tratando de simplificarla y de hacerla más fácil de recordar por los consumidores y por supuesto más memorable.

Logo 1911

Logo IBM 1924

Su nombre fue abreviado varias veces, ya que en un momento fue llamada “International Business Machines” para luego convertirse en “IBM” que definitivamente cae mejor en la retentiva de las personas, es ágil, fácil de pronunciar y de recordar.

Logo IBM 1947

Logo IBM 1956

El logo que conocemos actualmente, empezó a ser la imagen de la compañía en el año de 1972 y fue diseñado por Paul Rand. Este diseño tiene las letras IBM en color azul, con un efecto de entrelineado para dar la sensación de dinamismo y movimiento, aunque también por su tipo de letra puede dar la sensación de estabilidad.

Logo Actual de IBM, diseñado en 1972

La clave del éxito del logo de IBM tiene mucho que ver con el manejo de su imagen corporativa, y su logo que se ha rediseñado con relación a los tiempos.

Esta empresa fue fundada a finales del siglo XIX por Herman Hollerith con el nombre Tabulating Machine Company.

Actualmente la empresa se ha rebautizado con el nombre de Lenovo.

Logos de película

12 junio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Tu ves estos logos en cada comienzo de las películas, pero ¿alguna vez te has preguntado quién es el niño en el logo de DreamWorks? O ¿en qué montaña se inspiraron para el logo de Paramount? O ¿Quién es la dama de la antorcha de Columbia? Vamos a averiguarlo:

1. DreamWorks SKG: El niño en la luna

En 1994, el director Steven Spielberg, el presidente del estudio Disney Jeffrey Katzenberg, y el productor David Geffen, iniciales SKG al fondo del logo, se juntaron y fundaron un nuevo estudio llamado DreamWorks.

Spielberg quería que el logo para Dreamworks fuera un recordatorio de la época de oro de Hollywood. El logo iba a ser una imagen generada por computadora de un hombre en la luna, pescando, pero el supervisor de efectos visuales Dennis Muren de Industrial Light and Magic, que ha trabajado en varios filmes de Spielberg, sugirió que un logo pintado a mano se podría ver mejor. Muren le pidió a su amigo el artista Robert Hunt que lo pintara.

Hunt también mandó una versión alternativa del logo, la cual incluía a un pequeño joven en la luna creciente, pescando. A Spielberg le gustó más esta versión y el resto es historia. Ah, ¿y el chico? Era el hijo de Hunt, William.

El logo de DreamWorks que ves en las películas fue hecho en ILM (Industrial Light and Magic) a partir de pinturas hechas por Robert Hunt, en colaboración con Kaleidoscope Films (diseñadores de los storyboards originales), y por Dave Carson (director) y Clint Goodman (productor) de ILM.

2. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM): Leo, el León

En 1924, el publicista de estudio Howard Dietz diseñó el logo de “Leo, el León” para la Goldwyn Picture Corporation de Samuel Goldwyn. El se basó en el equipo de atletismo de su alma mater, la Universidad de Columbia, los Leones. Cuando Goldwyn Pictures se fusionó con Metro Pictures Corporation y Louis B. Mayer Pictures, el recién formado MGM mantuvo el logo.

Desde entonces, ha habido cinco leones tomando el rol de “Leo, el León”. El primero fue Slats, quien agració los openings de los filmes mudos de MGM desde 1924 a 1928. El siguiente león, Jackie, fue el primer león cuyo rugido fue escuchado por la audiencia. Aunque las películas eran mudas, la famosa secuencia “growl-roar-growl” de Jackie era tocada en un fonógrafo mientras el logo aparecía en pantalla. Él tambien fue el primer león en aparecer en Technicolor en 1932.

El tercer león y, probablemente el más famoso, fue Tanner (aunque en esos tiempos, todavía se usaba a Jackie para las películas blanco y negro de MGM). Después de un breve uso de un sin-nombre (y muy melenudo) cuarto león, MGM se quedó con Leo, el cual el estudio ha usado desde 1957.

El lema de la compañía Ars Gratia Artis significa El arte por el Bien del arte.

3. 20th Century Fox: El logo de los faros

En 1935, Twentieth Century Pictures y Fox Film Company (que en aquellos tiempos era una compañía con una cadena de teatros) se fusionaron para crear la Twentieth Century-Fox Company

El logo original de Twentieth Century Pictures fue creado en 1933 por el famoso artista de paisajes Emil Kosa Jr. Después de la fusión, Kosa simplemente reemplazó Pictures Inc. por Fox para hacer el logo actual. Aparte de este logo, Kosa también es famoso por su pintura mate de las ruinas de la Estatua de Libertad al final de la película de El Planeta de los Simios (1968), y otras.

4. Paramount: La Montaña Majestuosa

La Paramount Pictures Corporation fue fundada en 1912 con el nombre de Famous Players Film Company por Adolph Zukor, y los magnates del teatro, los hermanos Daniel y Charles Frohman.

La ‘Montaña Majestuosa’ de Paramount fue primeramente dibujada como un garabato por W.W. Hodkinson durante una reunión con Zukor, basado en la montaña Ben Lomond de su niñez en Utah [EE.UU.] (el logo en vida real que hicieron después es probablemente el Artesonraju de Perú). Es el logo más viejo que ha sobrevivido en los filmes de Hollywood.

El logo original tenia 24 estrellas, las cuales simbolizaban las 24 estrellas que tenía contratadas Paramount en ese entonces (ahora tiene solo 22 estrellas, pero nadie me pudo decir por qué redujeron el número de estrellas). Las pintura original también ha sido reemplazada con una montaña y estrellas generadas por computadora.

5. Warner Bros: El Escudo WB

Warner Bros. (asi es, es legalmente Bros. y no Brothers) fue fundada por 4 hermanos judíos que emigraron de Polonia: Harry, Albert, Sam y Jack Warner. De hecho, esos no son los nombres con los que nacieron. Harry se llamaba Hirsz, Albert era Aaron, Sam era Szmul y Jack era Itzhak. Su apellido original es desconocido (alguna gente dice que fue Wonsal, Wonskolaser o incluso Eichelbaum, antes de ser cambiado a Warner).

En el principio, Warner Bros. tuvo problemas al tratar de atraer a los máximos talentos. En 1925, a instancia de Sam, Warner Bros. hizo el primer largometraje “hablado” (cuando Harry escuchó la idea de Sam, dijo “¿Quién demonios quiere escuchar a los actores hablar?). Eso fue lo que impulsó al estudio e hizo a Warner Bros. famoso.

6. Columbia Pictures: La Dama de la Antorcha

Columbia Pictures fue fundada en 1919 por los hermanos Harry y Jack Cohn, y Joe Brandt como Cohn-Brandt-Cohn Film Sales. Muchas de las primeras producciones del estudio fueron asuntos de bajo presupuesto, así que le pusieron el apodo de Corned Beef and Cabbage (algo así como maiz, carne y repollo). En 1924, los hermanos Cohn compraron Brandt y renombraron su estudio Columbia Pictures Corporation en un esfuerzo para mejorar su imagen.

El logo del estudio es Columbia, la personificación femenina de América. Fue diseñado en 1924 y la identidad de la modelo de la Dama de la Antorcha nunca fue concluyentemente determinada.

En su autobiografía de 1962, Bette Davis proclamó que Claudia Dell fue la modelo, mientras que en 1987 la revista People nombró a la modelo y actriz de ColumbiaAmelia Batchler como esa chica. En el 2001, el Chicago Sun Times nombró a una mujer local que trabajaba como extra en Columbia llamada Jane Bartolomew como la modelo. Dado que el logo ha cambiado con los años, podría ser que ¡todos estén en lo correcto!

La Actual Dama de la Antorcha fue diseñada en 1993 por Michael J. Deas, quien fue comisionado por para regresar a la Dama a su look “clásico”.

Aunque la gente pensó que la actriz Annette Bening era la modelo, fue de hecho una ama de casa y muralista de Louisiana llamada Jenny Joseph quien modeló la Dama de la Antorcha para Deas. En vez de usar su cara, Deas dibujó una composición de muchas características creadas por computadora.

La Cara de Barcelona, Roy Lichtenstein

4 junio, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Roy Lichtenstein, famoso exponente de la corriente artística Pop Art. Tenemos la suerte que en Barcelona tenemos un pedacito de esta llamativa obra de arte, la famosa Cara de Barcelona.

Todo el mundo tiene una opinión sobre esta pieza que desde la época olímpica decora un extremo del Port Vell de Barcelona, mezclándose con el pasado portuario y el presente de una de las zonas de ocio de la ciudad.

A principios de los años 90, Barcelona experimentaba una transformación que tenía como objetivo la modernización de las infraestructuras de la ciudad pero también la recuperación de muchas zonas entonces degradadas. El Port Vell sufrió una remodelación total y con ella aparecían nuevas obras de arte que lo embellecían. Una de las cartas de presentación de los Juegos Olímpicos es esta pieza del artista gráfico y escultor norteamericano Roy Lichtenstein, que llevó a cabo Diego Delgado entre los años 1991 y 1992. Imponente, la escultura se levanta hasta a 15 metros de altura en el Paseo Colom, muy cerca del edificio de Correos, dibujando su perfil característico contra el azul del cielo de Barcelona.

Desde muchos puntos de vista, deja ver un rostro o una cabeza que nace desde un trasfondo de puntos rojos en relieve. La forma del monumento parece surgir de bruscas pinceladas coloridas y libres. De hecho, forma parte de la serie de Lichtenstein titulada Brushstrokes (Pinceladas). Enmarcado en la corriente artístico del Pop Art e influenciado por la estética del mundo del cómic, el monumento es un homenaje a la ciudad que iba a acoger los Juegos de 1992 y a su arquitecto más famoso: Antoni Gaudí. Evidentemente, la cobertura de la obra con mosaico hace clara referencia a la estética gaudiniana.

Si pasas por la ciudad, no dudes en pasarte a verla, merece la pena.

Símbolos famosos, lazo rojo contra el sida

27 mayo, 2017/0 Comentarios/en blog/por UrbanCo

Hablando de símbolos famosos, no podemos olvidarlo del famoso lazo rojo, que simboliza la lucha contra el Sida, es un símbolo internacional ideado para mostrar apoyo a la lucha contra esta enfermedad y solidarizarse con las víctimas y portadores del VIH en todo el mundo.

lazo rojo, que simboliza la lucha contra el Sida, es un símbolo internacional

Fue creado en 1991 por Frank Moore como una iniciativa del Visual Aids Artists Caucus,² un grupo caritativo de artistas de Nueva York. Los artistas que formaban el grupo querían crear un símbolo visible para mostrar solidaridad con las personas afectadas por el VIH, las fallecidas por el sida y sus allegados. Se inspiró en el lazo amarillo que algunas familias de soldados estadounidenses en la Guerra del Golfo colgaban en las puertas de sus casas, como símbolo de la esperanza en su regreso sanos y salvos. Se eligió el color rojo por su conexión con la sangre y el concepto de pasión; y se concibió para portar cerca del corazón simbolizando el amor.

El lazo rojo enseguida se extendió entre los colectivos de lucha contra el sida. La primera figura pública que lo portó fue Jeremy Irons en los premios Tony de 1991.² Pronto pasó a ser el símbolo de la prevención y lucha contra el sida, convirtiéndose en un emblema políticamente correcto y accesorio de moda en las solapas de los famosos.

El lazo rojo se extendió por el mundo como símbolo de los esfuerzos para combatir la enfermedad y prevenirla. Sigue siendo el principal símbolo elegido por los gobiernos y ONGs en sus campañas informativas contra el sida y las fundaciones que recaudan fondos para la investigación y asistencia a los enfermos.