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El logotipo y su evolución hasta la actualidad

El mundo de hoy está lleno de logos. La lata de refresco que bebemos, el billete de transporte público e incluso la caja de medicamentos contienen logotipos. Los hay de todo tipo de formas, tipografías y colores, pero ¿de dónde vienen?

Esta pregunta es muy útil e interesante, ya que conocer la historia de los logotipos ayuda a comprender su importancia. En esta completa infografía creada por la compañía British Design Experts podemos seguir la evolución del logo a lo largo de la historia de la humanidad.

Alrededor del 1800 comenzaron a surgir los primeros y rudimentarios logos, que en ese momento tan sólo eran marcas o símbolos que señalaban quién había realizado el producto y que tipo de producto se trataba.

En la era victoriana comenzaron a surgir logos más complejos, pero no es hasta inicios de 1900 cuando surge el verdadero antecesor del logo actual. Hasta la década de los 80’s los logos buscan mostrar ideas fuertes e impactantes, con colores muy vistosos, tendencia muy frecuente de aquella época.

Actualmente se buscan logos sencillos y flexibles que diferencien la marca, como por ejemplo el logotipo de la manzana de Apple, un verdadero acierto en el mundo de los logotipos.

La mayoría de los logotipos más famosos que conocemos han ido evolucionando desde unos inicios muy diferentes hasta convertirse en lo que son actualmente. Como ejemplo podemos decir tres como McDonald’sNike o Mercedes, que como vemos en la imágen han estilizado su forma desde sus inicios más rudimentarios.

El mundo de la imagen gráfica está en constante evolución y cambio, y con ello toda su imagen gráfica. Adaptándose a modas, tendencias, ideas… eso es la capacidad de modernizarse de un logo algo muy importante en nuestra cultura.

Os dejo como broche final del artículo la premisa: renovarse o morir…

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Keith Haring, un legado para el diseño gráfico

Keith Haring, admirado por muchos y quizá por otros no tanto debido a su forma de ser irreverente, es uno de los artistas más polémicos del siglo XX, gracias a su fuerte sentido de crítica hacia la sociedad en general y por su marcado activismo social, contribuyó al nacimiento de la generación pop y a que por primera vez en varios años después del nacimiento del graffiti, éste se reconociera como arte, más que una simple moda callejera.

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Dibujos de Keith Haring en el Subway de Nueva York

Su La característica principal de la obra de Keith Haring, fue que trasgredió todo lo que se pensaba que se podía hacer a través del arte, sobre todo en los 80’s. Los dibujos animados fueron su inspiración y elementos visuales como platillos voladores, personas, perros, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear fueron sus protagonistas.

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Ignorancia=Miedo, Silencio=Muerte, 1989. Nueva York.

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Mural en Nueva York

Su soporte pictórico se basaba en distintos tipos de plataformas como papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas, teniendo como influencia el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Andy Warhol.

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Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania.

El estilo característico de Keith Haring era una mezcla de su perspectiva sobre la generación pop y la cultura callejera de Manhattan, dándole valor icónico a su Graffiti, además de impregnarle el sentido de peligro, por lo que se reconoce este arte en la actualidad.

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Mural pintado en Barcelona contra el Sida

En definitiva, reflejó como ninguno la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco, las culturas cubanas y africanas. Mezcla de influencias que han inmortalizado sus obras a través del tiempo en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

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Mural sobre el sexo, religión y el papel de la mujer en el mundo occidental.

 

Su más famosa aparición artística fue cuando en el año de 1986 pintó el muro de Berlín. Su preocupación por los problemas sociales en el mundo siempre fue algo que lo incentivó a tomar medidas, por lo que creó tres años después la Fundación Keith Haring. A la edad de 31 años murió en Nueva York víctima del sida en 1990, de los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus chapas, sus camisetas, sus posters etc. todavía se destina hoy en día un porcentaje a la investigación del Sida.

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Keith Haring pintando el Muro de Berlín.

Logos baratos grandes marcas

Hoy en día , donde el branding prima en cuanto a la imagen gráfica , 5 de las más grandes empresas del mundo actual, tienen logotipos que hoy tienen un valor descomunal, pero en su día, ellos pagaron muy poco o nada por su creación. Estos son los 5 logotipos famosos más baratos de la historia. 

Todos sabemos que una buena imagen corporativa es esencial para el marketing de una empresa. Algunos pagan millones por un diseño o rediseño. También hay marcas que con el tiempo han prevalecido intactas y que no pagaron absolutamente nada por sus logotipos.

Grandes marcas ha pagado precios desorbitados por la creación de sus marcas y al alcance de muy pocos. El caso de hoy es todo lo contrario, y seguro que muchos de vosotros os sorprenderéis.

Aquí tienes 5 logotipos que costaron muy poco o nada, pero que a día de hoy su imagen es sumamente reconocible y vale millones de millones:

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1. Coca-Cola 
Precio del logotipo: 0 dólares
El famoso logotipo de Coca-Cola fue creado por Frank Mason Robinson, en 1885.

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2. Twitter
Precio del logotipo: 15 dólares
El logotipo de Twitter fue diseñado por Simon Oxley en 2009.

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3. Microsoft 
Precio del logotipo: 0 dólares
la empresa utilizó su propio equipo de diseño interno para actualizar su logotipo en 2012.

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4. Nike 
Precio del logotipo: 35 dólares
El logotipo de Nike fue diseñado por Carolyn Davidson en 1975.

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5. Google 
Precio del logotipo: 0 dólares
El logo original de Google fue diseñado en 1998 por Sergey Brin, uno de los fundadores de Google en Gimp.

Como podéis ver, no todas las grandes empresas se han gastado millonadas en sus logotipos, y eso que alguno de ellos son iconos en lo que a branding se refiere.

Diseño Gráfico y la Música la combinación perfecta

La relación que hay entre el Diseño Gráfico y la Música, y es que realmente son dos lenguajes que van cogidos de la mano desde siempre. Ambos se aportan y enriquecen mutuamente, incluso se necesitan para funcionar. ¿Qué proyecto musical no lleva detrás un profundo estudio de diseño de imagen visual? Detrás de la producción de un disco hay diseñadores de todo tipo: gráficos, publicitarios, editoriales, técnicos… Y es que, como sabemos, el diseño gráfico se centra en la definición de la identidad visual de una empresa, producto o servicio. En este caso el producto es musical.

Son dos tipos de arte, dos lenguajes capaces de despertar sentimientos y emociones en el público que los percibe.

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Ambas comparten muchos conceptos a la hora de hablar de ellos. Por ejemplo: el tono, el ritmo, la armonía, la repetición, la intensidad… Seguro que tanto diseñadores como músicos conocen esos términos en su lenguaje, y no son tan diferentes entre sí. Pero, sobre todo, lo que tiene en común es la creatividad. Un buen diseño, así como una buena música, están basados en esta cualidad clave. Tanto uno como otro deben estar en permanente búsqueda y experimentar nuevas sensaciones que les permita expresarse y crear algo que, además de gustarles a sí mismos, despierten en los demás una reacción positiva.

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Lo que sí es cierto es que, como he comentado antes, detrás de un proyecto musical existe un profundo estudio de identidad visual. No sólo el diseño se centra en la portada del disco, sino en la imagen global que quiere transmitir dicho proyecto musical. El diseño se convierte así en un vehículo para llegar a su público. Cada tipo de música tiene un público objetivo al que pretende llegar, una personalidad y unos valores que quiere transmitir, una competencia de la que destacar… y el diseño gráfico conoce el lenguaje visual que debe utilizar para conseguir todo esto, ayudará a crear una audiencia.

Al igual que todo esto, pienso que acompañar una serie de imágenes con una melodía adecuada puede envolver al espectador de tal forma que multiplique la emoción y el sentimiento de la imagen. Esto se utiliza en muchas galerías de arte, que acompañan la exposición (casi siempre centrada en un tema concreto) con música intencionada.

Como conclusión, tomar nota de grandes trabajos de diseño de identidad visual en el mundo de la música aportará nuevas soluciones a la hora de plantear nuevos proyectos.

El post-it hecho arte

Aquellos papelitos de colores que andan adheridos por todas partes, mejor conocidos como Post-It, se encuentran en la lista de los 100 inventos que cambiaron el mundo.

¿Cómo surgieron los Post-It?

Los Post-It fue un invento del químico Dr. Spencer Silver, quien trabajaba para la compañía 3M en el año de 1968 como Científico Ejecutivo en el Laboratorio de Investigación Corporativa. Su trabajo era encontrar un pegamento de alta capacidad que pudiera ser usado en la construcción de aviones. Sin embargo, el resultado fue un pegamento de alta calidad pero lo suficientemente débil como pegar dos hojas y luego despegarlas sin dañarlas.

En 1974 otro científico de la compañía 3M, Art Fry, quien también participaba en el coro de una iglesia se enfrenta al problema de perder la página en el libro de himnos, obligándolo a buscar desesperadamente la página correcta durante las presentaciones. En uno de esos momentos, recordó el invento de Spencer y comenzó a idear una solución que finalmente terminaría en volverse una innovación para nuestro mundo. Fry toma un pedazo de papel de la oficina, que tenía el color amarillo que terminó en volverse el color oficial y lo unta del pegamento. Estos papelitos tenían la capacidad de mantenerse adheridos por mucho tiempo y podían ser reutilizados sin perder su efectividad.

Para 1977, 5 años después de la invención del pegamento, Art Fry logra superar los obstáculos de la fabricación para producir suficientes Post-It y los distribuye en todas las oficinas corporativas de 3M.

En 1978, los representantes de ventas de 3M se dan cuenta que el secreto está en dar muestras gratis, tal como ocurrió con los empleados de la compañía, para lograr el éxitos. El resultado: 90% de los consumidores de oficinas que los probaron quedaron aficionados, así que los dirigentes de 3M dan luz verde para la producción en grandes cantidades bajo el nombre de Post-It.

En 1980 se realiza el lanzamiento para Estados Unidos. En 1981 se introducen al mercado de Canadá y Europa. Hoy en día existen más de 600 productos Post-It en más de 100 países, siempre han sido fabricados de materiales reciclados, se encuentran en 8 tamaños 25 formas y 62 colores diferentes, los encontramos en todas las oficinas, hogares, bibliotecas, paredes, muros, neveras y hasta en la pantalla de tu pc.

El post it hecho arte

Otro de los muchos usos que se le han dado es el Arte. Ya que es un material muy asequible, fresco, y muy accesible… El cual puede tener muchísimas aplicaciones, el límite es el cielo. En Internet podemos encontrar varios artistas con sus obras repletas de estos papelitos. Unos ejemplos bastante buenos son los siguientes:

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I LOVE NY Historia de una marca

Tanto si has estado en Nueva York como no seguro que conoces el logo I LOVE NY pero, ¿sabías que es una marca? ¿y el dinero que mueve y su trascendencia económica?

En los 70’s la ciudad de Nueva York pasaba por uno de sus peores momentos, la delincuencia alcanzaba niveles altísimos, había una epidemia de crack y cocaína y muchos barrios estaban completamente deteriorados.

La ciudad estaba fuera de control. Además las arcas del Estado estaban vacías y el Presidente Ford denegó la asistencia federal para evitar que el Estado de Nueva York cayera en bancarrota. Fue entonces cuando el Departamento de Desarrollo Económico de NY decidió emprender una campaña publicitaria para generar turismo.

Primer boceto de Milton Glaser

Primer boceto de Milton Glaser

Para ello encargó a Milton Glaser la creación de un logo. La inspiración puede llegar en cualquier parte y en este caso fue en un taxi, una tarde lluviosa del 1976, donde dibujó el primer boceto, posteriormente cambió la colocación de los caracteres y diseñó la tipografía.

Cualquiera podría pensar que el diseñador de este logo mundialmente conocido se hizo inmensamente rico con su creación pero no fue así. Glaser, pensando que sería una campaña publicitaria de 3 meses, hizo su diseño pro bono, en beneficio de la ciudad de Nueva York y recibió a cambio 2000 $ por los gastos de producción.

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Marca registrada

El signo durante su primera década de vida se usó libremente para fomentar el turismo y mejorar la reputación de la ciudad pero según pasaba el tiempo su éxito aumentó tanto que el estado de NY decidió registrarlo como marca en 1988.

Tanto en la normativa marcaria americana como en la española, el titular tiene derecho a impedir que terceros sin su consentimiento usen un signo igual o similar para productos similares o iguales. Es decir, a partir del momento en que se registra la marca “I love NY” aquél que desee usarla debe solicitar una licencia al titular, en este caso el Estado de Nueva York. Asimismo, el titular de la marca puede oponerse al registro por terceros de signos que sean iguales o similares para productos o servicios iguales o similares.

En nuestro caso, desde que se registró la marca en la Oficina de Patentes y Marcas estadounidense el Estado de Nueva York ha enviado miles de requerimientos para que cesara el uso ilícito del logo y se han opuesto a aproximadamente 4000 registros de marca. Además el merchandising oficial marcado con el logo genera anualmente casi 30 millones de dólares. Viendo estas cifras, lo más llamativo es que su diseñador no haya reclamado parte de los beneficios.

 

¿Que es color Pantone y por qué se utiliza?

Todos nos hemos preguntado alguna vez como hacer que un color sea igual independientemente del soporte en que se aplique.

Para ello existe los colores Pantone, propiamente dicho, es una corporación/empresa norteamericana creadora del Pantone Matching System (PMS), un sistema que permite identificar colores para impresión por medio de un código determinado, es un sistema universal de colores.

Pantone produce las internacionalmente conocidas Guías Pantone (o también llamadas, Cartas Pantone”, que no son otra cosa más que tiras de papel-cartón de determinado gramaje y textura (coated, uncoated) con la impresión de una muestra de color, su nombre y formulas para obtenerlo, pero, ¿por qué son tan mencionadas y socorridas en el mundo del diseño?

Estas guías, te permiten, independientemente del sistema operativo que uses, monitor o pantalla, programa de edición de imágenes o de gráficos vectoriales de tu preferencia, tomando en cuenta que las pantallas muestran el color en modo RGB, que el color de salida en impresión sea el correcto, ya sea en Plotter o en Offset o en Offset digital, lo cual permite que siempre veamos el mismo amarillo de McDonald’s o el rojo de Coca-Cola (en CMYK).

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¿Por qué debemos usarlo?

Para empezar, partamos de la siguiente problemática: ¿Cómo explicar a la imprenta de forma exacta y precisa qué color queremos que impriman en nuestros artículos promocionales?

Evidentemente, podemos enviar por e-mail una imagen, pero nunca los colores serán iguales porque éstos no se visualizan de igual forma en cada pantalla. Cada pantalla o monitor de ordenador es diferente, las impresoras también son distintas, y aunque el equipo esté calibrado con tinta PANTONE, lo que se percibe en la pantalla no será totalmente exacto porque contiene numerosos matices.

Es por esto que se han creado los colores PANTONE. Se trata, ni más ni menos, de un código para identificar los colores a fin de facilitar la comunicación e impedir que se cometan errores. Así, cuando digamos a nuestro impresor: “quiero imprimir en color rosa 1767C”, podemos estar absolutamente seguro que el resultado será justo el que deseamos. O cuando nuestro cliente nos diga: “el fondo del dibujo es de color verde” podremos mostrarle los colores PANTONE para que escoja el tono exacto en el que está pensando.

Marketing erótico

Marketing erótico

Hoy en día la publicidad utiliza de forma bastante frecuente la sensualidad y el suave erotismo como recursos con el objetivo de llamar la atención y ‘seducir’ al consumidor.

El erotismo en la publicidad generalmente se utiliza de forma sugerente combinando el glamour y la estética principalmente sobre el cuerpo femenino. Aunque en la mayoría de los casos siempre es así, cada día aumentan los spots y campañas donde los protagonistas son modelos masculinos semi-desnudos y contorneados que despiertan el interés y la atención del público femenino.

marketing-erotico-y-publicidad-subliminal-urban-comunicacionEvidentemente el uso del sexo y el erotismo en la publicidad es justificado amparándose en la compleja estructura del cerebro humano, y las distintas motivaciones, en especial las que están relacionadas con los deseos sexuales.

De esta forma, el ‘Marketing erótico’ mantiene unos principios que de forma general, pocas veces son sobrepasados. Se mantiene una ética moral que se asocia a la sensualidad y se muestra de forma sugerente.

Sin embargo, a veces estas limitaciones soportadas por la opinión general y social llegan a extremos de riesgo. En ocasiones, algunas empresas han desarrollado campañas basadas en este factor erótico originando como resultado, «polémicas» o críticas que han conllevado a la censura de sus propios anuncios. Seguramente este fuera el principal objetivo ya que de forma habitual los anuncios que finalmente son censurados son realmente de los que más se suele hablar o debatir. Por lo tanto el objetivo de captar la atención ha sido conseguido con creces..

Entre las estrategias del Marketing, la publicidad subliminal sigue siendo una de las técnicas que más polémica y controversias generan. Este tipo de publicidad que a pesar de no ser admitida como una forma correcta de Marketing sigue utilizándose de forma sutil y encubierta a pesar de en algunos países como España, se incluye la publicidad subliminal dentro de los distintos tipos de publicidad ilícita. Además, la publicidad subliminal en la mayoría de casos es bastante difícil de detectar.

Los diferentes tipos de percepción subliminal pueden estar orientados a generar estímulos en nuestros sentidos de forma visual o auditiva. En ocasiones incluso estos mensajes pueden ocultarse bajo canciones o grabaciones sonoras e incluso sobre imágenes y fotografías de todo tipo de envases o anuncios publicitarios donde el componente sexual casi siempre aparece oculto pero presente.

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El personaje como marca: Fido Dido

El personaje como marca: Fido Dido

Muchos recuerdan a Fido Dido, el personaje de la marca 7Up más carismático y divertido de la publicidad de los años 90. Llegó a ser muy popular, inundaba con su imagen camisetas, gorras, tazas, llaveros, libretas,… incluso llegó a protagonizar un videojuego y a tener su propia línea de fijadores para el pelo, agua de colonia, snacks y gominolas. Pero ¿quien lo creó?

Fido Dido surgió en Nueva York de mediados de los ochenta basándose en lo referentes artísticos de Keith Haring, Basquiat o Warhol. Nació fruto de la unión de la habilidad en el dibujo de Sue Rose y del ingenio de Joanna Ferrone. Una servilleta de una cafetería neoyorkina fue el lienzo perfecto para un personaje que nada más ser creado ya exudaba carisma, confianza en si mismo y un espíritu libre.

No fue hasta finales de los 80, principios de los 90 cuando Fido Dido con su pelo de pincho, su ropa ancha y sus zapatillas, pasó a formar parte de la plantilla de la compañía PepsiCo. Ésta decidió retirar a su antigua mascota de la bebida 7Up llamada Spot –quien ya había reemplazado a la anterior, Fresh-Up Freddie, creada por Disney- para sustituirla por este nuevo personaje tan fresco.

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7Up necesitaba renovar sus aires, adaptarse a la nueva corriente seguida por los más jóvenes y vieron en Fido Dido el perfil que resumía todos los valores que estaban buscando. De hecho, Joanna Ferrone creó también un credo que define el estilo tan peculiar de Fido Dido; un estilo de vida que éste siguió a pie juntillas. Su ‘Fidosophy’:

La época dorada de Fido Dido fueron los años 90 en los que se dio a conocer en los spots de la marca presentándose como un personaje desenfadado, despreocupado, ‘pasota’ y feliz, con la única preocupación de no quedarse sin su bebida favorita. El personaje y su filosofía tuvieron tanto éxito que, ya no solo el merchandising tenía una gran aceptación, sino que llegaron a venderse infinidad de productos que se comercializaron más tarde con su imagen.

El éxito de Fido Dido le pasó factura a la marca. Fido Dido produjo el llamado “efecto vampiro” o “efecto distracción”; la popularidad del personaje tuvo más notoriedad que la propia marca, con lo que el público prestaba más atención a la personalidad arrolladora de Fido que al propio producto que anunciaba.

 

A finales de los 90 PepsiCo dejó de emplear a Fido Dido como embajador de 7Up. Pero en 2004 reapareció en su versión tridimensional, conservando su aspecto bicolor, para anunciar 7Up Ice en spots como UphillMirror y Beach.

En 2015, tras 30 años, volvió a aparecer retomando su aspecto de los 90 para la creación de una serie limitada vintage que aboga por la nostalgia y homenajea a Fido Dido y a todo lo que representó en los 90.

 

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10 casos de plagio: carteles, logos e ilustraciones

A lo largo de la historia el plagio es algo que se presenta en todas partes y el caso del diseño no está por demás.

El diseño y el diseñador se prestan para exponer logos o carteles muy parecidos y en algunos casos idénticos, sufriendo una fama de poca creatividad, credibilidad y profesionalidad.

Los casos de plagio siempre son noticia. Una cosa es tomar algo como inspiración y otra muy diferente es realizarla con gran similitud. El plagio en el diseño se presenta en todas partes: comercialescarteleslogos o ilustraciones.

Aquí te presentamos 10 casos de plagio que le han dado la vuelta al mundo.

Logos:

Nike VS Newport Cigarettes: El caso de plagio es muy evidente, el parecido con logo “swoosh” de Nike es muy grande. No hay nada que discutir.
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Odessa VS Feria de León: Los colores, el estilo de figuras y la forma son muy similares.
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Brasil Telecom VS Expo 2020 tailandesa: La expo fue acusa de plagio por Brasil Telecom, y con justa razón.
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Believe VS Believe: La prestigia empresa de perfumes Elizabeth Arden explicó que no era plagio ya que la tipografía no es idéntica. Pero la idea y los colores sí.
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Olimpiadas Rio 2016 VS Huatabampo: El logo que le está dando la vuelta al mundo por su original diseño no se tardo nada en ser plagiado, el círculo es exactamente igual y los colores también.
Huatabampo
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Carteles:

Carnaval de Madrid VS Carnaval de Irún: El cartel del Carnaval de Irún se presentó en un concurso, quedando en el tercer lugar. Nadie noto el parecido. El diseño es similar ya que utiliza las mismas figuras del carter original, cambiando solamente los colores.
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Publicidad Gráfica:

Banco Davivienda VS Western Union: El concepto creativo es el muy similar y las imagen hablan pos si solas. El diseño minimalista, las sombras y el acomodo es igual, cambia el color.
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Mercedes Benz Vs Smart: Las imágenes son idénticas al igual que la idea, los colores, el acomodo de la imagen y texto.
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Speed Stick VS Nexcare: la ideas es similar y el diseño debajo del agua lo dice todo.
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Quick VS Hilth: El diseño de la fotografía en primer plano de las personas es muy similar, además de realizar la misma acción: sacar la lengua.
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