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Orígenes del packaging

¿Qué es el Diseño Editorial?

En una sociedad donde los seres humanos tienen hasta un 90% de más memoria visual que auditiva o kinestésica, queda claro porque el impacto de las imágenes es tan vital para cuanto medio impreso o virtual existe. Esta característica, naturalmente, obliga a cada libro, revista, periódico u otro similar, a causar una buena impresión de entrada. ¿Por qué el Diseño Editorial es tan importante?

La gente compra un medio, por el estímulo visual que representan sus páginas (iniciales o finales), por la contundencia del diseño exterior o interior de la publicación y el concepto gráfico condensado en él. El potencial comprador, en poquísimos segundos, examina los detalles visibles y posibles y hace su elección. Y aunque no lo crea, lo ve prácticamente todo. Desde la imagen de la portada, la contraportada, el color, los títulos, la organización de la información, la línea gráfica editorial que supone y todo lo que a su juicio la hace sobresalir de otros textos o páginas web. 

El diseño por tanto, es la llave de acceso a la popularidad, por lo que se comprende la necesidad de poseer una gráfica que destaque por sobre los demás. Esto se constata a cada momento, en cualquier librería que se recorre, en la biblioteca que se camina, en el puesto de venta de periódico al que acude, en los anaqueles de revistas de los centros comerciales que se frecuentan. Lo primero que elegimos es lo que más nos atrae visualmente. Así ha sido desde que la industria gráfica, potenciada por el perfeccionamiento del software de diseño, alcanzó su madurez. Todas las grandes publicaciones y periódicos que han tenido éxito (desde Rolling StonesTimeEl País de España, etcétera) lo han sabido. La primera impresión cuenta. Y mucho.

El Diseño Editorial es la estructura y composición que forma a libros, revistas, periódicos, catálogos, caratulas, volantes, afiches, entre otros. Es la rama del diseño grafico que se enfoca de manera especializada en la estética y diseño tanto del interior como el exterior de los textos. Decimos especializada porque cada tipo de publicación tiene necesidades de comunicación particulares.

Ningún proyecto de línea editorial puede parecerse al de otro salvo en aspectos generales.

Hay un tipo de diseño único para cada tipo de publicación, por lo cual se requiere de profesionales capaces de alcanzar un equilibro simétrico entre el texto y la parte gráfica.

Por tanto, un excelente diseño editorial radica en lograr una unidad armónica y comunicativa entre el interior, exterior y contenido del texto. ¿Cómo se logra eso? Teniendo en cuenta una variedad de factores. En principio, lograr una coherencia gráfica y comunicativa entre el interior, el exterior y el contenido de una publicación. No se puede armar, por ejemplo, una revista de temas literarios con el aspecto de una publicación deportiva. Ni sugerir variedad de colores para una revista de esencia política. Cada tipo de publicación tiene sus especificaciones desde lo estético hasta el contenido, derivadas de los objetivos editoriales y según a qué tipo de público va dirigida la publicación (aspectos sociales, culturales y de género).

Para lograr el mercadeo exitoso de cualquier publicación, también es importante tener en cuenta la evolución y las tendencias del género en el que estará. Ya sea negativo o positivo, los diseños editoriales de otras publicaciones deben ser considerados como referentes a la hora de emprender la tarea de crear un nuevo diseño editorial para sacar mejores conclusiones. Es evidente que las tendencias y estilos de diseños de todo tipo cambian y evolucionan a través del tiempo. No es el mismo un diseño de los años 90 a uno actual y no apelan a las necesidades y gustos de la misma manera. El estilo y las tendencias actuales son clave para el mercadeo exitoso de toda publicación.

 

diseño ecológico

Nuestra preocupación por el medio ambiente, el calentamiento global y el fin de algunos recursos básicos es cada vez mayor y por ello ha nacido una nueva corriente dentro de los profesionales del diseño: el diseño sustentable, antes conocido como eco-diseño o «green design». Podemos definirlo1 como la capacidad para diseñar objetos, edificios, ciudades… cuyos principios sean la sostenibilidad económica, social y medio ambiental. Comprende, pues, numerosos campos entre los que encontramos la arquitectura, el diseño ambiental o del entorno, el urbanismo, la ingeniería, el diseño gráfico, el diseño de interiores y el diseño de moda.

Su mayor propósito es el de producir lugares, productos y servicios de un modo en el que se reduzca la utilización de fuentes no renovables, y por lo tanto se minimice el impacto negativo de la actuación de los seres humanos en el ecosistema.

Reducir el impacto medioambiental

El diseño gráfico sustentable es aquel que considera el impacto medioambiental de los productos relacionados con el diseño gráfico tales como el embalaje, etiquetas, publicidad gráfica, publicaciones, etc. Para desarrollar un diseño ecológico debemos considerar los elementos que se utilizan en el proceso de cada trabajo: diferentes soportes, mano de obra, transporte, utilización del producto, y su eliminación.

El diseñador puede contribuir al diseño sustentable fijándose estrategias que afectan en varios aspectos a su trabajo cotidiano:

  1. Trabajo en el estudio: hábitos y entorno.
  2. Elección y producción del material: elección de imprentas, servicios, buscar material cercano a la residencia para evitar de este modo una mayor utilización del transporte, elegir modos de hacer llegar la información que precisen menos materias primas, o un sistema de alquiler de algunos productos que rebaje el consumo privado, etc.
  3. Eco-feedback: diseño centrado en el usuario.

Nuestros hábitos de trabajo pueden favorecer a la preparación de un producto ecológico. Para ello podemos favorecer un entorno adecuado a este fin, como la elección de bombillas de bajo consumo, reutilizar papel para las pruebas del diseño, apagar completamente los equipos que no estén siendo utilizados, etc.

Imprentas, tintas y papeles

Podemos realizar un diseño sostenible si elegimos imprentas que consuman poca energía y cuyos productos consumibles perjudiquen lo menos posible al medio ambiente. Hoy en día existen sistemas de impresión que, además de respetar la naturaleza, garantizan la máxima calidad en el diseño. Las tintas convencionales están basadas en petróleo y se mezclan con disolventes con alcohol de base, que transmiten gases tóxicos a la atmósfera, perjudiciales para la salud y para el ecosistema. Como alternativa, existen máquinas que desarrollan soluciones ecológicas, como la impresión sin alcohol y el offset sin agua.3 Otra opción es la utilización de tintas a base de aceites naturales, que no emplean aceites minerales. La ventaja de estas tintas es que se mantienen frescas en el tintero, ofrecen una buena absorción y dejan menos residuos. Por otra parte, los diseñadores cada vez utilizamos con más frecuencia acabados con barniz, por lo que también deberíamos exigir a la imprenta con la que trabajemos que empleen o bien barnices al agua, o bien exentos de amoniaco y aminas.

En todo caso no debemos pensar que con el papel reciclado no se pueden realizar trabajos de calidad, ya que los grandes avances en la tecnología del reciclado permiten ya elegir papel usado de altas prestaciones para las aplicaciones más complejas. Lo mejor es elegir un papel certificado por algún organismo cuyo etiquetado nos informe de sí es ecológico, y lo clasifique según su grado de agresión al medio ambiente.

Existen etiquetados desarrollados en diferentes países que nos permiten, distinguir si el papel que vamos a elegir es ecológico, reciclado, libre de cloro elemental (ECF) o totalmente libre de cloro (TCF), como la Etiqueta Ecológica Europea, cuyos criterios ecológicos se pueden consultar en la Web.

Mediante el scripting trabajamos sobre la información directa que aparece escrita en el producto. Por ejemplo, el diseñador puede informar a los consumidores mediante pictogramas, que una vez agotados se deben reciclar los envases en los cubos adecuados. Sin embargo, se puede llegar más lejos si además se transmite información específica sobre el impacto de sus acciones, lo que se denomina eco-feedback. Un buen ejemplo son las etiquetas que informan al usuario cuánto tardaría el producto en descomponerse en la naturaleza si no recicla adecuadamente sus residuos domésticos. Otra iniciativa de eco-feedback es mostrar en la pantalla del televisor un mensaje que informe al usuario de la cantidad de energía que ahorrará si desconecta completamente el aparato en vez de mantenerlo en situación de espera. El eco-feedback ofrece pues a los usuarios, información sobre la eficacia económica y ecológica de sus actos. Una alternativa más radical es la de crear productos cuyo diseño impida su uso no sustentable, es lo que llamamos «diseño de funcionalidad forzada». Un ejemplo es el invento de las anillas para las latas de refresco. En los años 80 del siglo pasado estas anillas se tiraban a la basura, mientras las actuales evitan su separación del envase, forzando al usuario a un comportamiento más sustentable.

Además de los proyectos que promueven el diseño centrado en el usuario, al analizar las iniciativas relacionadas con el diseño para la sostenibilidad debemos mencionar las prácticas emprendidas por estudios concretos, como el canadiense SmashLab de Vancuver, que bajo el lema Design can change (El diseño puede cambiar), ofrece consejos sobre la práctica sostenible del diseño y da la posibilidad de registrarse y pasar a formar parte de un listado de diseñadores comprometidos.5 También es obligado mencionar las reflexiones que propone el arquitecto Ken Yeang en su libro EcoDesign, A Manual for Ecological Design, que ofrece soluciones concretas sobre cómo integrarnos dentro del entorno natural sin perjudicar la supervivencia del planeta.

Diseño gráfico en redes sociales

El diseño gráfico está cobrando mucho protagonismo en las redes sociales, por lo que Community Manager y diseñadores gráficos deben ir unidos.

 

El trabajo de los Community Manager y el de los responsables de fotografía y diseño gráfico deben ir de la mano. Aunque si eres Social media o Community Manager y no tienes conocimientos en diseño también puedes optar por ampliar tu formación en diseño gráfico para que tus contenidos sean todavía más atractivos. Ten en cuenta que dentro de una buena estrategia de social media debe estar generar y compartir contenido visual que llame la atención y sobre todo que emocione a los usuarios para poder resaltar sobre la competencia.

¿Cómo crear diseños que llamen la atención en redes sociales?

Es importante que todo diseño transmita un mensaje claro y visual, ya que si nuestro diseño no dice nada no vamos a captar la atención de los usuarios en las diferentes redes sociales. ¡Toma nota de todo lo que necesita un diseño para comunicar!

  • Diseño de imágenes con texto: Para comunicar un mensaje claro y visual es fundamental que exista una estratégica composición entre imágenes, texto, figuras y tipografía. De tal forma que quede una perfecta armonía en todas las redes sociales de la marca y generen participación por parte de los usuarios.
  • Colores: Antes de elegir las distintas tonalidades para tu diseño en redes sociales, debes tener en cuenta el significado de los colores, lo que transmites con ellos, adaptar la gama cromática a lo que quieres comunicar y seleccionar como máximo hasta 3 colores para que tu diseño no parezca un carnaval. Si no quieres complicarte mucho la vida en la elección de los colores, puedes optar por escoger los colores corporativos de la empresa o marca.
  • ¿Tipografías que vamos a usar?: Aquí también tienes que elegir como máximo 2 tipografías o fuentes para tu diseño y combinarlas muy bien. Un consejo para hacer una buena combinación es basarte en el contraste, como por ejemplo: sans serif con cursivas o serif con sans serif.

Pensar en el diseño:

  • Simplifica:En el diseño lo sencillo hace más fácil la comprensión del mensaje, por eso es importante que tu diseño tenga las tipografías, imágenes y colores justas y más necesarias. También debes utilizar textos cortos y fondos simples.
  • Destacar lo más importante: Esto guiará a nuestros seguidores hacia nuestro interés. Es tan sencillo como resaltar el texto con una fuente impactante o con un color que resalte del resto, siempre y cuando tengamos en cuenta la gama cromática del color.
  • Inspírate en otros: No tiene nada de malo que tomes nota de lo que hacen las grandes marcas, tanto si son de tu sector como si no, esto te ayudará para crear tus propias imágenes.
  • Pide opiniones de terceros: Esto te ayudará tanto para saber si tu mensaje está bien transmitido como para mejorarlo y hacer que tus próximas creaciones sean todavía mejor.

Puesto que la práctica hace al maestro, que no cunda el pánico si tus primeros diseños no son del todo buenos, ya que en pocos meses conseguirás perfeccionar tu técnica.

Tarjetas creativas

Hoy hablaremos de la importancia de tener una buena tarjeta de visita para nuestro negocio, sobretodo si es diferente a lo demás y original e innovadora. Una tarjeta de presentación puede marcar la diferencia, por eso debe de diseñarla de manera creativa y lograr destacar de entre la multitud, incluso mostrar un poco de lo bien que sabes hacer tu trabajo como diseñador.

Sea o no para ti el diseño, las tarjetas de presentación que crees serán una carta de presentación de tu trabajo, pues representan lo que mejor sabes hacer y tus ideas.

No olvides los principios básicos
Aunque parezca obvio, no debes dejar de pasar los principios básicos como la sangría de 5 milímetros para el corte, 300 dpi en el caso de usar imágenes, tamaños legibles en la tipografía, colores CMYK.

El tamaño importa
Se recomienda un tamaño de 55×85 milímetros, que es la medida de una tarjeta de crédito, aunque existen otras medidas, pero un buen diseño siempre puede ocupar un espacio pequeño sin perder atracción.

No obvies el margen de error
Mantén una sangría apropiada de entre 3 y 5 milímetros, evita el borde sencillo, pues podría quedar desalineada a la hora de cortarla.

Acabados especiales
Los acabados especiales pueden generar un impacto muy positivo. Algunos de ellos son las tintas especiales, standings, texturas, diseños metálicos, entre otros. Toma en consideración que los costes se elevan, pero será visualmente mas impresionante y atrayente.

algunos ejemplos:

 

 

Love de Robert Indiana un icono muy actual

Hace ya muchos años que el mundo del arte dejó de estar dirigido a una élite especializada para dirigirse hacia el gran público, si bien las vanguardias artísticas del XIX se alejaron más de lo que ellas mismas pretendían del gran público –a día de hoy muchas de las obras vanguardistas siguen resultando extrañas para el ojo inexperto en arte- durante el siglo XX, algunas de las conocidas como segundas vanguardias hicieron el camino inverso, llevando al arte por nuevos derroteros que paradójicamente lo acercaban a la estética popular. Este fue el caso del Pop Art, una de las vanguardias que más repercusión ha tenido desde su creación por su temática amable con productos cercanos al gran público y su estética colorista que la acerca más a los anuncios que a las formas pictóricas tradicionales.

Lo cierto es que incluso a día de hoy muchas de las obras de arte pop, no son conocidas como tal por la sociedad a pesar de que reconozcan su imagen por haberla visto plasmada una y otra vez en diferentes formatos; este es el caso de algunas de las obras de Robert Clarck ya que pese a que para muchos son reconocibles algunas de sus obras más icónicas como LOVE o HOPE, pocos tienden a identificarlas como auténticas obras de la estética pop.
Robert Clarck, más conocido como Robert Indiana por ser originario del estado de Indiana, nació en septiembre de 1928. Entre los años 1949 y 1953 estudió en el Instituto de arte de Chicago y posteriormente continuó su formación en otras instituciones como la Universidad de Edimburgo o en la Escuela de Maine. Algunos de los pintores más influyentes del mundo en esta época dejaron su impronta en la obra de Clarck, así por ejemplo resulta fundamental su relación con el artista Ellsworth Kelly para comprender la simplicidad de sus formas.

A mediados de la década de los sesenta el artista recibió el encargo que lo haría mundialmente conocido

Robert Indiana que ya había triunfado con otras obras como El sueño Americano fue seleccionado por el MOMA de Nueva York para crear una postal de navidad. El diseño elegido por el artista no podía ser más sencillo, el lienzo dividido en cuatro espacios de igual tamaño y cada uno de ellos ocupado por una letra diferente de manera que la palabra queda dividida en dos sílabas, LO arriba y Ve abajo. Un mensaje sencillo y funcional que también ha tenido lecturas más contradictorias al encontrar la letra O girada hacia la derecha y con los colores en negativo. Las letras originales eran rojas y el fondo azul y verde.

Love robert indiana urban comunicacion
Indiana no registró el diseño de su producción de manera que han surgido numerosas copias en diversos formatos. Hoy en algunas de las calles más famosas de las grandes ciudades mundiales como Nueva York o Tokio encontramos grandes esculturas con este mismo diseño realizadas por el propio artista. En Nueva York por ejemplo, además de la escultura de LOVE podemos encontrar otra pieza con el mismo diseño que reza como HOPE.

 

Historia de la tipografía

La tipografía que utilizamos diariamente, sobretodo en el mundo del diseño gráfico tiene muy antiguos orígenes, que están relacionados con la caligrafía y los manuscritos, que ya eran usados antes del año 2500 A.C.
Durante toda la edad media la «industria editorial» se centraba en los monasterios donde los libros eran copiados a mano por monjes especializados, llamados copistas; esta labor se hacia en el scriptorium, el donde se copiaban los textos.

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Posteriormente con el invento de la imprenta, en la época del renacimiento, la tipografía tomo una especial relevancia. En esta época Johanes Gutembreg imprimió su biblia de 42 líneas utilizando sin embargo, caracteres del periodo gótico.

Ya hacia el año de 1500 D.C. la imprenta se había difundido de forma exponencial, la técnica había tenido tanta difusión que en Europa ya existían alrededor de 1100 imprentas instaladas y en funcionamiento.

Este auge de los tipos móviles, permitio un gran desarrollo a la producción de materiales impresos los cuales utilizaban tipografías como la minúscula carolingia y a las mayúsculas cuadradas romanas; adaptadas de los caracteres e inscripciones encontrados en las ruinas del imperio romano.

Estas fueron entre otras, las primeras tipografías romanas, clásicas o con serifa. Llamamos serifas a las pequeñas extensiones o adornos que pueden llevar los caracteres tipográficos.
La primera tipografía con serifas apareció en el año de 1465, posteriormente se estilizaron sus líneas y se dio origen a la llamada bastardilla, similar a los que actualmente conocemos como itálica.

Con el paso del tiempo se ha desarrollado el diseño de tipografías y familias tipográficas en infinidad de variedades de estilos. Actualmente los sistemas informáticos permiten la utilización y el almacenamiento de cientos de fuentes.

La familia tipográfica, en tipografía, es un conjunto de tipos basado en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como por ejemplo, en el grosor y anchura, pero manteniendo características comunes. Los miembros que integran una família se parecen entre sí pero tienen rasgos propios.

Las partes que componen y caracterizan un tipo son: la altura de las mayúsculas y minúsculas, el Anillo, la ascendente, las astas montantes; onduladas o de espina, la transversal, el brazo. la cola, la descendente, la inclinación, la serifa, entre otras.

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Google y sus Doodles

Con el paso del tiempo, los doodles que aparecen en la página principal de Google han hecho más divertido el efectuar búsquedas en Google. Cuando se crearon los primeros doodles, nadie hubiera podido adivinar que éstos se convertirían en algo tan popular y en un elemento tan importante de la experiencia de búsqueda para los usuarios de todo el planeta. Hoy en día son muchas las personas que esperan con ansias la publicación de nuevos doodles, y que incluso los han convertido en objetos de colección.

Un doodle es la versión especial que se hace de nuestro logotipo, integrando elementos decorativos, para conmemorar fechas y eventos especiales. Ya sea que se trate del inicio de la Primavera, el cumpleaños de Albert Einstein o el 50 aniversario del descubrimiento del ADN, el equipo encargado de los doodles siempre encuentra formas creativas para celebrar estas ocasiones especiales.

Muchas empresas ni siquiera considerarían el jugar o pasar un buen rato rediseñando su logotipo, pero en Google el hacerlo es ya incluso parte de la escencia de marca. Además de ser una forma divertida de reconocer eventos y personalidades importantes, también ilustra la personalidad creativa e innovadora de la empresa.

¿Cómo surge la idea de los doodles?

En 1999 surgió el concepto de los doodles, cuando Larry y Sergey, fundadores de Google, jugaron con el logotipo corporativo para comunicar su asistencia al festival Burning Man que se lleva a cabo en el Desierto de Nevada. Ellos incluyeron el dibujo de un palo de madera detrás de la segunda o de la palabra Google, y su intención era notificar, en una forma divertida a los usuarios que los fundadores estarían «fuera de la oficina». Si bien ese primer doodle fué muy sencillo, la idea de decorar el logotipo para festejar eventos especiales fué bien recibida por nuestros usuarios.

Un año más tarde, en el 2000, Larry y Sergey le encargaron a Dennis Hwang, que entonces era un becario en el equipo de webmasters, que produjera un doodle para el Día de la Bastilla. Contentos con los resultados, nombraron a Dennis Jefe de Doodles, y éstos se conviertieron en elementos recurrentes de la página principal de Google. Al comienzo se incluyeron las festividades de mayor visibilidad; hoy en día los doodles representan una gran gama de eventos y aniversarios, desde las Olimpiadas hasta eclipses.

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¿Quién elije los doodles que se realizarán y cómo deciden que eventos merecen contar con un doodle?

Un grupo de Googlers se reúne periódicamente para analizar los eventos y festividades que recibirán un doodle. Las ideas a integrar en el diseño de cada doodle se obtienen de distintas fuentes incluyendo a los Googlers y público en general. El proceso de selección de doodles busca celebrar eventos y aniversarios interesantes, que reflejen la personalidad y el gusto por la innovación de Google. Somos conscientes que la lista de doodles no es exahustiva, pero intentamos que los doodles reflejen creatividad e innovación

¿Cómo pueden los usuarios de Google/el público proponer ideas para los doodles?

El equipo de los doodles está abierto a las ideas de los usuarios; las solicitudes de doodles pueden enviarse a proposals@google.com. El equipo recibe numerosas solicitudes, así que si no recibes una respuesta de inmediato, por favor ten en cuenta que revisamos y tenemos en consideración todas las solicitudes que nos envían.

Historia del emoticono

Qué sería de Internet, móviles y tablets hoy en día sin los emoticonos. Las conversaciones que al final te ponen la cara sonriente 🙂 . Pero ¿a quién se le ocurrió utilizar estos símbolos por primera vez? Esta es la historia de los emoticonos.

Como habrás podido comprobar en más de una ocasión, puede ser difícil saber cuando alguien está siendo sarcástico por escrito. Y esto era tan cierto en 1982 como lo es ahora. El 19 de septiembre de ese año, el profesor e investigador Scott E. Fahlman de la Carnegie Mellon University Computer Science formaba parte de una discusión en un foro sobre el estado de un grupo de ascensores, algo que terminó siendo una auténtico caos.

La discusión llegó a tal punto de bromas y estupideces, que los participantes no sabían si los ascensores subían o bajaban por estar haciendo chistes todo el rato. Alguien sugirió poner un asterisco después de los comentarios irónicos. Otro prefirió utilizar el signo de porcentaje y combinaron los dos:

“¿Y si usamos * para chistes buenos y % para chistes malos? Incluso podríamos utilizar *% para los chistes que son tan malas, que son buenos”.

La idea maestra

smile

A partir de ahí comenzaron a discutir por la utilización de otros signos. Algunos querían utilizar ‘&’ porque les recordaba a un hombre gordo teniendo convulsiones de tanto reir. Fue entonces cuando Fahlman intervino con la invención que cambiaría la forma en que nos comunicamos online:

Propongo la siguiente secuencia de caracteres para indicar las bromas:🙂

Léanlas de lado. Y para marcar las cosas que no son bromas, dadas las tendencias actuales, utilicen:🙁

Ya se había tratado de utilizar dispositivos de texto para transmitir emociones a lo largo de la historia, pero ninguno había triunfado tanto como lo hizo la idea de Fahlman. Está claro que ahora es mucho más fácil expresar una emoción con los emojis tan utilizados hoy en dia.

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