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Historia del logo Jurassic park – Urban Comunicacion

Esta esta ocasión hablaremos de unos de los símbolos mas reconocibles del la historia del cine moderno. El logo de Jurassic Park. Su historia del se remonta a 1990, más precisamente a la portada de la novela de Michael Crichton que dio origen al film, y posteriormente a la saga.

Estuvo a cargo del diseñador gráfico estadounidense Chip Kidd, que por esos años, cuando recibió el encargo de hacer el diseño de tapa de lo que luego sería un best sellers famoso, fue a visitar el Museo de Historia Natural de Nueva York.

Estando allí, en la tienda del museo, compró un libro sobre dinosaurios que encontró. Precisamente en ese libro halló una ilustración de un Tyrannosaurus rex, al que luego le sacó una fotocopia para usar de base. Es ésta ▼

Jurassic park

Kidd redibujó la silueta, agregó tipografía y no mucho más que eso: estaba lista la imagen que acompañaría al libro ▼

portada libro jurassic park

El equipo artístico de la película decidió utilizar también el diseño de Chip Kidd para crear el supuesto logotipo del Parque. Fue el director artístico de la producción, Sandy Collora, el que conceptualizó y diseñó el logotipo a partir de la silueta creada por ChipSandy añadiría el círculo amarillo, el fondo rojo, y la tipografía de aspecto prehistórico, creando un potente sello identificativo para la película.

La mayor difusión del logo llegó luego y estuvo a cargo, obviamente, de Steven Spielberg, cuando lo hizo famoso porque lo utilizó como imagen de la película.Luego se replicaría en el resto de los films de la saga y sólo sufrió más modificaciones en Jurassic Park III.

 

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Saul Bass uno de los grandes diseñadores gráficos

 

Bass nació en el Bronx en 1920 y desde niño tuvo una imaginación desbordante y una afición casi enfermiza por el dibujo. Cursó sus estudios formales en el Art Students’ League de Nueva York y, posteriormente, en el Brooklyn College donde entró en contacto con la estética Bauhaus y el constructivismo ruso. Para Bass, “el diseño es el pensamiento hecho visual”.

En 1946 Saul Bass cambió su residencia a Los Ángeles donde abrió su propio estudio de diseño en 1950, en el que se dedicaba principalmente a la publicidad convencional. Sin embargo, en 1954 una visita del director de cine Otto Preminger estaba a punto de cambiarlo todo.

Preminger le encargó el diseño del cartel de su película Carmen Jones y el exigente director quedó tan impresionado con el trabajo de Bass que le encargó también la secuencia de los títulos de crédito.

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La labor de Saul Bass en este ámbito revolucionó el modo en el que se mostraban los créditos hasta entonces, creando auténticas obras de arte, con un sello visual tan poderoso que, hoy en día, son reconocibles tanto o más que las escenas de las películas que presentan. En el siguiente enlace tenéis una lista de reproducción de Youtube con 22 títulos de crédito de Saul Bass: pincha aquí para ver vídeos.

El idilio de Saul Bass con el mundo del cine sólo acababa de empezar, tras su trabajo con Preminger vinieron los carteles y títulos de crédito de multitud de películas como “El Mundo está loco, loco, loco”; “La vuelta al mundo en 80 días”, “Espartaco”, o “La tentación vive arriba” entre otros. .

Con Alfred Hitchcock colaboró en varias ocasiones y hasta participó en la famosa escena de la ducha de Psicosis, de la película que se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció.

Además de su labor creativa como diseñador de títulos de crédito y carteles cinematográficos, Saul Bass es creador de algunos de los logos más conocidos internacionalmente (Kleenex, Warner Music, American Airlines, Minolta…), así como del logo de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984.

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Logos creados por Saul Bass.

Sin duda, un creador de una gran influencia en numerosos ámbitos y cuyas obras siguen inspirando a los diseñadores de hoy en día.

Como muestra, el Doodle que Google le dedicó en el que hubiera sido su 93 cumpleaños.

Breve historia del Packaging

Una llamativa presentación puede hacer la diferencia que toda marca anhela para instalarse en las preferencias del público. Es en esa importante misión cuando el Packaging – el arte y tecnología de construir empaques- aparece nítido en el horizonte publicitario como un medio para conseguir que esa primera impresión más que un momento, sea una cuestión de largo tiempo.

En 1966, Ruben Rausing, fundador de la revolucionaria Tetra Pak, dijo que el secreto de un buen empaque es la conexión que propone y el concepto práctico del ahorro antes que el costo. Aunque pragmática, esta afirmación pinta de cuerpo entero lo que significa el packaging, un término de la lengua inglesa que aunque la Real Academia Española (RAE) no incluye en su diccionario, significa en el sentido estricto: la ciencia, el arte y la tecnología de inclusión o protección de productos para la distribución, el almacenaje, la venta, y el empleo. Esto mismo, en pocas palabras, sugiere el cúmulo de procedimientos por el cual una empresa destina esfuerzos para que su producto tenga la mejor presentación posible a través del mejor empaque, transmitiendo valores de marca y su posicionamiento dentro de un mercado. Comercialidad pura.

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Publicidad de Jabón Sunlight – 1899

Aunque hoy se asume como inconcebible que un producto venga sin empaque, en realidad hace poco más de un siglo y medio, era la regla general. No podía ser de otra manera. Ante la falta de consumidores críticos y sociedades que más que el bienestar luchaban por sobrevivir, la idea de presentar mejor un producto, sea cual fuese, era considerado innecesario y sobre todo costoso. La revolución que significó para la humanidad la era industrial y las comunicaciones propició un cambio en el pensamiento y puso la primera piedra para la construcción de nuevas necesidades. De ese tiempo data el primer ejercicio real de packaging conocido –además de licores y medicinas- cuando en 1885 el empresario William Lever decidió envasar su jabón bajo la marca comercial Sunlight, dotándole de una personalidad innovadora y amigable que en poco tiempo borró del mapa a sus competidores.

Breve historia del packaging

Desde entonces, el arte de personalizar los productos se hizo masivo y general. Los propios adelantos tecnológicos y la consiguiente renovación de las técnicas de impresión, sumado al aumento de la alfabetización y el enriquecimiento de las naciones del primer mundo, permitieron que literalmente “ejércitos” de potenciales consumidores exigieran una mayor calidad y asimismo, entender sin problemas el discurso (no información) contenido en las etiquetas. A pesar de la informalidad y modestia de los pioneros, la idea de desarrollar un packaging con una identidad definida que vendiera bien el producto, quedó grabada en el ADN de las firmas para siempre. Nunca más productos anónimos y desapercibidos. Nunca más artículos sin emociones, sin cualidades empáticas y especialmente, dirigidos a nadie.

Entonces fue como una revelación. Tan así que más tarde, ya en los años 20, la inquietud por presentarse adecuadamente ante los compradores caló tan hondo que se convirtió en moneda corriente encontrar tiendas en Inglaterra, los Estados Unidos o Alemania, que ya vendían envasadas prácticamente la mitad de sus mercancías. Y en todas ellas –como ocurre hoy- se confirmó que las marcas además de vender un producto, iniciaron una competencia directa por ofrecer a los clientes la mejor experiencia. Otros hechos ayudaron a que el mercado se agrandara más. Entre ellos, la invención de la refrigeradora, que alargó la vida de los productos perecibles desarrollando la demanda de envasados, y por otro lado, el uso generalizado del automóvil que llevó a las personas a recorrer mayores distancias en busca de mejores ofertas y precios. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial y con el surgimiento de autoservicio, el packaging comienza a tomar mayor vigor comercial gracias a un hecho fundamental: Desaparece el vendedor y con él, el prescriptor que aconsejaba la elección de un producto u otro.

Los años siguientes y una multitud de hechos que serían largos de precisar potenciarían la noción y alcances del packaging. Sin embargo, no podemos dejar de mencionar algunos demasiado importantes como la aparición de los supermercados (un espacio de máxima competencia) y profesiones como diseñador industrial, la modernización de las prácticas de marketing, la televisión, la mejora de las herramientas de diseño y el aporte de las computadoras e Internet, completarían un universo del cual la publicidad se ha nutrido y del que el packaging, como vehículo importante de sensaciones físicas, ha alcanzado trascendencia y conseguido así su forma actual.

 

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La característica botella de Coca Cola (packaging)

La forma particular que tienen las botellas de la Coca-Cola es una de las más reconocibles y uno de los iconos de diseño del siglo XX. Ha cambiado varias veces y sus líneas han variado con el paso del tiempo, pero en esencia se mantiene más o menos igual. ¿Cuál fue su origen exacto?

 Para entenderlo hay que remontarse a 1915, desde comienzos del siglo XX, la Coca-Cola era con diferencia la bebida más popular de Estados Unidos, gracias a un pionero sistema de licencias y franquicias establecido unas décadas antes. Pero la competencia no había tardado en tomar nota y Asa G. Candler, uno de los máximos responsables de la compañía por aquel entonces decidió tomar cartas en el asunto para solucionarlo.

Entre las muchas medidas que se tomaron la más importante y a su vez pionera también para las estrategias de marketing que llegarían años después fue la de rodear a la Coca-Cola de un aire premium. Tenía que rodearse del mismo incluso aunque no lo fuese en términos económicos, ya que mantuvo el mismo precio durante 70 años: hasta finales de los 50 una botella costaba 5 centavos.

“Que puedan identificarlo con los ojos cerrados”

Para ello, Candler abrió un concurso donde varios fabricantes de botellas podían aportar sus propios diseños. La única regla era que

“debía tener un diseño tan característico como para que los clientes la reconociesen con los ojos cerrados”.

 No se sabe exactamente quién fue el que dio con el diseño exacto, y Coca-Cola ya se encargó de envolverlo en sus respectiva aura de leyenda, pero durante aquel tiempo el responsable de la Root Glass Company de Terre Haute, Indiana, era Alexander Samuelson, un sueco que había emigrado al país.
Él y su equipo encontraron la inspiración precisamente en uno de los componentes que se rumoreaba tenía la Coca-Cola por aquel entonces: cacao. Y efectivamente, el fruto de una planta de cacao se parece muchísimo a esa primera botella.
La forma abombada fue suavizándose con el tiempo pero la esencia se mantiene. La forma ha trascendido como icono de la cultura popular y artistas como Salvador Dalí o Andy Warhol la utilizaron en sus cuadros. Al final, el mejor diseño siempre está en la naturaleza.
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Orígenes del diseño Actual : Arts & Crafts

Esta tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en serie. Este movimiento surgió en 1861, cuando el diseñador inglés William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, & Faulkner. Argumentando que la verdadera base del arte residía en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano.

William Morris. The Strawberry thief. Diseño en tela de algodón. 1883 Características Sus ideas tuvieron una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

En 1861 William Morris funda el Londres, con un grupo de artistas y arquitectos, la sociedad «Morris and Co.» destinada a la construcción y fabricación de objetos artísticos y uso más corriente. Próximo a los planteamientos socialistas, quiso hacer una arquitectura para el pueblo. Pero la elaboración artesanal y la exigencia de una gran calidad de los detalles hizo que las construcciones de Arts & Crafts resultaran caras e inaccesibles a las clases populares. Paradójicamente, la buena acogida que encontró entre la burguesía facilitó su difusión, especialmente a través de los proyectos urbanísticos inspirados en la ciudad-jardín.

Su lucha iba dirigida contra la decadencia que suponía la producción industrial, de menos valor que la manual, y contra los objetos fabricados en serie por las máquinas que a causa de su precio más bajo, conquistaron el mundo, sustituyendo la belleza y la verdad por la falsedad y el engaño. Morris luchó por la perfección y originalidad de las obras de artesanía e indirectamente por la arquitectura. Como modelo tomó la artesanía de la edad media.

Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

La simplicidad de línea y los asientos de paja que se aprecian en estas sillas y banqueta para pies, son característicos del mobiliario hecho a mano que promovió el movimiento Arts & Crafts a finales del siglo XIX. Las sillas están inspiradas en muebles de campo tradicionales y fueron fabricadas con métodos artesanales.

John Ruskin es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros, artículos y conferencias, llevó una vida pública muy activa y combativa. Edward Burne – Jones es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.

Fue pintor y poeta. Sus modelos pelirrojas son casi todas ellas variaciones de Jane Morris, la mujer de William Morris. Fue uno de los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con Holman Hunt y John Millais. Dante Gabriel Rossetti

Aubrey Breadsley es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de contraste.

Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts. Construyó la «Casa roja» para William Morris, donde abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural. Arquitectura

Eric Gill es uno de los artistas más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX. Escultor, grabador, escritor y diseñador tipográfico, su obra está muy vinculada con sus creencias religiosas y su sentido personal del arte. Para la Monotype Corporation diseñó las tipografías Perpetua, Gill Sans Serif, Joanna y Pilgrim. Acuarela de Larsson con su taller de pintura

Carl Larsson es el artista más representativo de la filosofía Arts and Crafts fuera de Inglaterra, ya que la adaptó al entorno escandinavo. Dio a conocer en una serie de libros de acuarelas, en las que mostraba la vida hogareña del matrimonio con sus hijos, que alcanzaron un éxito extraordinario.

 

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5 obras mas importantes de Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) fue uno de los máximos exponentes del pop art americano. Desde sus facetas de pintor, escultor y artista gráfico, en sus obras representó temas de la vida cotidiana y la sociedad de consumo. La mayor parte de su trabajo se concentró en la crítica del mundo contemporáneo, a través de pintadas con colores primarios.

Tras haber experimentado con el expresionismo abstracto y más tarde con el cubismo y el constructivismo, en 1961 comenzó a realizar las obras que acabarían por definir su producción artística: la pintura pop, inspirada en la nueva sociedad de Estados Unidos. No debemos olvidar que el neoyorquino fue protagonista de famosas esculturas, eso sí, ya en los últimos años de su vida. En lo referido a su personalidad, se dice que era tímido y que nunca quiso presumir del gran éxito que sus creaciones despertaban en esos años.

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El beso

Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic. Como dato curioso, en 1990 El beso fue vendido en una casa de subastas al propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares.

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Brochazo

Esta escultura, de 1996 y que puede encontrarse en el patio del Edifio Nouvelle del Museo Reina Sofía en Madrid, es una pieza más de la colección Brushstrokes de Roy Lichtenstein, una serie de pinturas y esculturas de brochazos de colores queel artista comparó en una de sus entrevistas con “lonchas de bacon

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Mira Mickey

Realizada en 1961 y de gran tamaño, este óleo sobre lienzo de trazos dubitativos significó mucho para Lichtenstein, ya que con él tuvo lugar la ruptura con lo que había creado hasta ese momento. Sin embargo, años más tarde, cuando parecía estar totalmente asentado en el pop art y la producción masiva, el pintor se fue distanciando de la realidad, volviendo poco a poco hacia la abstracción con obras como Figuras en un paisaje (1977).

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Considerada por los críticos del arte como una de las obras más importantes del artista, esta pintura fue creada a partir de imágenes de cómics de guerra. El panel de la izquierda muestra un avión lanzando un cohete; si se observa el de la derecha, podemos ver cómo impacta a un segundo avión que arde en llamas. Whaam! es en ocasiones encasillado en el mismo género de anti-guerra que el Guernica de Picasso. Las creaciones con expresiones textuales como título pronto se convertirían en una marca del trabajo de Roy Lichtenstein, como se puede comprobar en BratatatyVaroom!

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Mujer en el baño

En esta obra, ubicada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, Lichtensteinjuega con un cromatismo de colores primarios que, unido a la simpleza de líneas y curvas, muestra la clara intención del autor de huir del lenguaje del expresionismo abstracto y dejar atrás la reproducción mecánica del cómic, para dar paso al trabajo manual del pintor. Lichtenstein siempre buceaba en busca de la imagen clara y contundente, que el espectador pudiera reconocer al instante

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¿Quién diseñó el la imagen del icono de Android?

Es habitual  verlo en todos los lugares, Andy, el androide verde, es la imagen referencia de Google, en lo que refiere a smartphones y tablets, pero ¿quién diseñó el icono de Android y cómo surgió?

El logo se creó en 2005 cuando Google compró la empresa Android Inc, y desde entonces existen muchas ideas acerca de la creación del logotipo del sistema operativo móvil de Google. Entre las hipótesis destaca la relacionada con R2D2 o con la de la novela Philip K. Dick: “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Lo cierto es que la vinculación con R2D2 es totalmente falsa, mientras que la relación con la novela de Dick sí que es verídica, pues se basaron en ella para llamar al sistema operativo Android y a los terminales 100% Android “Nexus”.

Pero ¿quién diseñó el logo de Android?, la encargada de crear la imagen fue la diseñadora gráfica Irina Blok, según cita «Creo que la simplicidad de esta marca hace una declaración clara, cosa que le ha permitido convertirse en el símbolo internacional de Android». El diseño estuvo marcado por numerosas propuestas y bocetos que siempre estuvieron definidos por la imagen de un robot.

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Propuestas de Blok para el símbolo de Android

Finalmente, Google eligió a Andy como representante de su marca. El logotipo lanzado en 2005 tuvo una gran aceptación entre los consumidores y personal de la marca. A modo de curiosidad, la diseñadora, Irina Blok, presentó el proyecto de forma poco usual con el fin de impactar al personal de la plataforma. Esta presentación consistió en dejar en las ciertas mesas de la oficina el logo final, es decir, a Andy. La sorpresa fue mayúscula y la aceptación llegó a tal extremo que los trabajadores de Mountain View instalaron una estatua enorme de Andy en la entrada de las oficinas.

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¿Cómo funciona la red social Behance?

En una época donde las presentaciones digitales poseen más relevancia que aquellas impresas, es muy importante tener todos tus trabajos y creaciones completamente accesibles a través de Internet. Por eso existen redes como Behance, la que te ayudará a crear tu presencia en línea para promover tus trabajos. Para conocer más acerca de ella, te invito a que aprendas qué es y cómo funciona Behance.

Qué es Behance
Behance
es una red social para creativos en la cual puedes crear un perfil y portafolio online, el que te permitirá subir tus proyectos profesionales.

Esta red está pensada especialmente para aquellas personas que trabajan o estudian en áreas relacionadas con la fotografía, el diseño, la ilustración, la arquitectura y otras actividades audiovisuales. Al mismo tiempo, posee características sociales que la asemejan a la red social LinkedIn, pero poniendo el atractivo visual por sobre otras cosas, lo que también la hace similar a Facebook, Pinterest o Tumblr, por nombrar solo algunas de las destacadas en esa área.

Cómo funciona Behance
A continuación conocerás algunas de las características básicas de esta red, para que comprendas qué la hace tan atractiva.

  • Es más visual y te ayuda a promover tu profesión

Al ser un portafolio completamente online podrás tener siempre a mano todos tus trabajos personales. Olvídate de llevar tus carpetas de trabajo a una entrevista de trabajo, donde siempre se corre el riesgo a que se extravíe algo en el camino.

Tan solo tendrás que adjuntar tu enlace a tu perfil para que los demás vean tus creaciones de una forma muy sencilla, visual y sobre todo muy directa.

  • Puede hacer crecer tu reputación profesional

Como Behance es un sitio en Internet cualquier usuario puede ver tu trabajo, esté donde esté. Si le gustan tus creaciones podrá empezar a seguirte y darle me gusta a tus publicaciones.

En un mundo donde cada vez es más difícil encontrar trabajo, gracias a Behance podrás demostrar lo bueno que eres en tu área, apoyándote en las opiniones y referencias de los demás algo que cada vez es más demandado en el mercado laboral.

  • Es una gran fuente para encontrar trabajo

Behance también ofrece la posibilidad de consultar una multitud de ofertas de trabajo que las propias empresas u otros usuarios publican en esta página. Siempre habrá alguien que necesitará un diseñador gráfico o fotógrafo para la creación de su página web o negocio online. Por ello, es muy importante que siempre tengas tu cuenta actualizada y con tus mejores trabajos para así mostrar lo mejor de ti.

Cómo registrarse en Behance
Crear una cuenta en esta red es muy sencillo, tal como verás en los pasos a continuación:

  1. Crea primero tu cuenta de Adobe ID: Para registrarte en esta plataforma primero tienes que ir a la página de inicio de Behance y hacer clic en la parte superior derecha donde dice “Sign Up”. Una vez adentro tan solo tienes que ingresar tu nombre, e-mail y contraseña. Luego, verifica tu correo y ya estarás listo para usar Behance con normalidad.
  2. Empieza a subir tu contenido. ¿De qué sirve un portafolio si no lo subes con contenido? Para empezar a agregarlo, tienes que presionar en el botón que dice “Add Work” en azul. En esta opción podrás subir archivos de todo tipo como texto, imágenes y también audios. Es necesario que pienses muy bien qué vas a subir, porque de eso dependerá tu notoriedad en esta plataforma online.

Recuerda que Behance es una red social para profesionales. Por ello, es muy importante ir subiendo de manera continua contenido de calidad ya que esta será la mejor manera de demostrar que tu perfil sigue activo, en especial si deseas que tus seguidores conozcan tus novedades.

¿Branding? ¿qué es?

¿Branding? ¿qué es? El branding de marca o de empresa es el proceso mediante el cual se construye una marca, comprendiendo este como el desarrollo y mantenimiento de un conjunto de atributos y valores inherentes a la marca y por la que esta será identificada por su público. Por ello, cada paso que da la empresa hasta convertirse en una marca rápidamente reconocible por sus clientes debe analizarse y seguir una estrategia previa.

Para entender lo que es el branding de empresa tenemos que comprender lo que significa la marca de una organización.

Como marca debemos concebir algo más que un simple nombre: la marca es el sello, el espíritu, el símbolo identificativo de la organización, o una combinación de todo ello, a través de la cual, los usuarios perciben una imagen válida de ella, en términos de calidad, fiabilidad y unicidad.

La marca es lo que nos distingue de la competencia.

 

¿Cómo definimos el branding de una empresa para construir la marca?

Beneficios del branding 

El objetivo del branding de empresa desarrollado por una consultora de marketing y publicidad es extender esa marca en el mercado, posicionarla como un referente y ubicarla en la mente de los consumidores de forma directa o indirecta.

Hacer o crear el branding de una marca significa por tanto desarrollar un plan de marketing donde especifiquemos las acciones que realizaremos para dar a conocer nuestra marca. Para ello no solo tendremos en cuenta la identificación visual de la marca (el diseño de la misma), sino también reflexionaremos sobre la forma de comunicar esa marca según el canal de comunicación.

Es muy importante que desarrollemos una buena labor con el branding de la empresa dado que es lo que revalorizará nuestra marca y acabará convirtiéndola en una fuente de ingreso estable para la empresa.

Así mismo, una buena estrategia de branding buscará:

  • Resaltar en todo momento los valores de una marca.
  • Generar credibilidad y confianza.
  • Fortalecer la identidad de sus productos o servicios.
  • Diferenciarse de la competencia.

Estos conceptos son los que debemos desarrollar para que el consumidor sienta empatía con nuestra marca y piense en ella al visualizar nuestros productos o servicios.

El valor del logotipo

A la hora de desarrollar el branding para la marca de la empresa debemos tener en cuenta el aspecto de la marca. La marca debe transmitir lo que nosotros somos: un diseño sencillo, pegadizo. Es necesario jugar con los colores y la tipografía para confeccionar un buen logotipo que encaje con el espíritu de nuestra empresa.
Sin una buena marca, todo branding que hagamos puede ser en vano. Son dos factores que van de la mano y que tendremos que trabajar conjuntamente para un resultado óptimo.

Comunicación de marca

Al margen del diseño y estética del que dotemos la marca que estamos configurando o potenciando, es muy importante que toda la estrategia comunicativa (todas las comunicaciones empresariales), sea en redes sociales, en Internet o en el medio offline, giren en torno al plan estratégico previamente diseñado.

Los errores en la comunicación corporativa, en las campañas de publicidad y marketing pueden marcar la imagen que los consumidores tienen de esa marca debilitando las acciones de branding o logrando efectos contrarios a los deseados. Por ello es realmente importante una labor consultora previa a cualquier acción.

¿Por qué hacer branding de marca en la empresa?

Actualmente, vivimos en un mundo cada vez más competitivo, con una economía globalizada, el desarrollo tecnológico avanza a una velocidad impresionante y unos consumidores exigentes difíciles de conquistar que pueden echar por tierra todo el prestigio de una marca de la noche a la mañana en redes y medios sociales, es decir, en cualquier plataforma de comunicación digital siempre que no gestione correctamente la imagen de una marca.

En síntesis, podemos decir que el branding es un proceso profundo, de análisis, diseño y estrategia, con el fin de resolver los problemas que no todos pueden ver, y de cuyo éxito depende en gran medida la vida de las empresas de la sociedad actual.

Arte urbano, la frescura de la calle